REDS (Rojos)

"Drama de tintes políticos que narra las relaciones de un periodista comunista y una escritora. Excelente fotografía de Storaro y conseguidas interpretaciones en una historia muy interesante" (Fernando Morales: Diario El País)

Quizás estea hablando de una obra muy personal, que no le guste a todos los públicos, no en vano, hay que avisar de su duración, 200 min redondos. Advierto que tampoco son  200minutos plagados de acción ni suspense. Es una película de carácter histórico, trata de narrar los acontecimientos que azotaron Rusia en la primera parte del siglo XX. La trama se organiza a través de un periodista que es enviado a Rusia para narrar los acontecimientos de la revolución. Se trata de John Reed, el único americano enterrado  en el Kremlin.

La primera parte, hay que reconocer que siendo interesante ver los comienzos del personaje, al fin y al cabo se cria de lo que se come, es sustancial por su relación con Keaton. Por lo demás, pasa una hora y aún no sabes de que va la película, ni ves el color rojo por ninguna parte. Es la segunda hora la que engancha de verdad, donde se produce en toda su ebullición los acontecimientos que cambiarán el destino de la Rusia de los Tzares. La última hora decae un poco aunque es muy agradecida, es donde sale el trasfondo humano de la película.

 

Está claro que el resultado estrenado es bastante variopinto, es una película que navega entre partes efectistas y otras con faltas de punch. Como si Beatty fuese un director de grandes películas y en la parte intimista no cuajara del todo, no supiese hacerlo, no digo , de una manera más interesante, pero si podría hacerlo algo más atractivo.

El personaje de John Reed es interpretado por Warren Beatty, que además la dirige. No fue fácil para él, además manejó mucho presupuesto y un primerísimo plantel, para 1982. Nada más y nada menos que Gene Hackman, Jack Nicholson y Diane Keaton.
Puede uno quedarse perplejo ante un debutante en la cámara que pueda dirigir a somejante plantel, pero ya os he avisado anteriormente que Warren Beatty era un personaje y un granujilla de los gordos, cuando quería. Me refiero a que Beatty tenía una forma de actuar un poco guarra y peculiar, aunque me gusta.

Él fue productor de Bonnie and Clyde, que antes de estrenarse puediera parecer una película exclusivamenten de gungsters. Ahora bien, espero que os acordeis del post sobre el director Clint Eastwood, pues porque en ella aparecía un personaje que ahora os sonaría familiar. Me refiero a Pauline Kael, aquella que vilipendiara a Clint, tachándolo de energúmeno, sólo capaz para hacer películas de matón.
Pues bien, este personaje, al ver la película dijo que Beatty era un pésimo autor, acto seguido, Beatty, la llamó y la sedujo. Posteriormente hablaré de la reputación y fama del actor más mujeriego de todo hollywood. El caso es que Kael cambió de opinión y comenzó a poner la película por las nubes, de tal forma que la gente acudía a ver en masa una película que de otra forma no alcanzaría el icono cultural que alcanzó. Presumiblemente, tendría su público, pero ya se sabe que en esto del cine las oportunidades lo son todo.
La historia del actor con las mujeres es muy largaaaa... de contar, para resumir, el se jacta de haberse acostado con casi unas 13.000 mujeres, sin contar rollitos ocasionales. De hecho una vez, su hermana, Shirley maclaine se jactaba de ser la única mujer que estaba segura de no haberse acostado con él. Lo que sí no me acuerdo es quien acuñó la frase famosa "Lo de ir a hollywood y no acostarse con Beatty es como ir al Vaticano y no ver al Papa". Ahora se comprende mejor, porqué cambió la periodista Pauline Kael tan rápido de opinión. Tambien os puedo dejar una foto de cuando era joven.

El actor sabía como moverse como nadie en el mundillo, sabía jugar sus bazas, tanto amenazar como suplicar de rodillas al borde de humillarse. Empezaré explicando como dominó la situación con Bonnie and Clyde, de la que era productor y con una gran tajada. En esta ocasión creo que se dirigió a Hyman cuando quiso reestrenar la película porque había tenido buena acogida en Europa, aunque en Estados unidos las salas ya las habían sacado de cartel. Así las cosas, Hyman pensó que no sería rentable y menos cuando se enteró de la tajada del actor-productor. Beatty, que lo conocía de tiempo atrás, le dijo que como no lo hiciera hablaría de un secreto de Hyman, y que lo llevaría a juicio. En realidad era una mentira, Warren no tení ni puñetera idea de lo que decía, pero ya se sabe, en este negocio, piensa mal y acertarás. A Beatty no le hizo falta más. Hyman respondió - ¡Así, que los sabes!. Nunca se supo lo que tenía que esconder Hyman, pero a Warren le importaba un pimiento porque tampoco lo sabía.

Así entenderemos mejor como funcionaba el director de Reds, que en realidad es la cinta que nos ocupa. En ese sentido, Beatty deseaba controlar todas las facetas de la película, de hecho todos los campos fueron cuidados.
Quizás a alguno le sorprenda pero el director de fotografía es  Vittorio Storaro, gurú de la fotografía en cine y con legiones de seguidores en todo el mundo. Este hombre es un icono del cine y ha trabajado con los más grandes.
El vestuario y los extras también fueron un quebradero de cabeza para Beatty, de hecho, estos útimos protagonizaron una de las anécdotas más desternillantes de la historia del cine. Veréis, Warren tiene que grabar una de las escenas donde John Reed, el protagonista, tiene que dar una arenga a unos trabajadores, una especie de mitin para hablarles de la situación precaria, los abusos laborales, etc...

El discurso caló tan hondo entre los asistentes rusos, que los extras se negaron a continuar si no les subían el sueldo y las condiciones laborales. Fue un cachondeo cuando Warren Beautty, presionado por el tiempo de rodaje cedío ante sus peticiones. Aquí teneis democracia real ya.
Esta obra consiguión tres oscars, pero lo más importante es que optó a 12 oscars. Es importante este dato, por la temática social y política de la película, amorios aparte. Sobre todo en America, en una época en la que sólo habían pasado dos décadas desde la muerte de Joseph McCarthy y todo el asunto de la caza de brujas. Esto no era ajeno a Beatty, que trabajó con Elia Kazan, uno de las personas acusadas por pertenecer al partido comunista norteamericano.
En cuanto a las actuaciones, Beatty, se revela como un excelente director de actores, aunque eso parezca mucho decir a tenor de la gente con la que cuenta. Sin embargo, la actuación sin ir más lejos de Beautty, es perfecta, fuera de artificios propios del mismo personaje. Te crees la pasión que Reed imprime a toda su obra y acciones.

Jack Nicholson, para mí, uno de los diez grandes de verdad, borda su papel en la sombra, en el vértice de ese triángulo escaleno, desigual. ÉL es el eterno amigo, más moderado, quizás más culto y menos impulsivo que Reed. Pero aporta serenidad y delicadeza a Louse Bryant, el personaje interpretado por Diane Keaton. La pena es el poco tiempo con el que cuenta Jack Nicholson, porque pienso que este personaje podía aportar más a la historia. Además tiene una ironía muy socarrona que Nicholson explota a la perfección. Toda la crítica está conforme en que los minutos en que aparece Nicholson en pantalla, dotan de interés a la película y además, creen que si llega a estar más de esos diez minutillos, sería un serio candidato al oscar con ese trabajito escaso. Algo así como Hopkins y Hannibal Lecter, lo que pasa es que Hannibal es un personaje de leyenda.
Pero lo que verdad ha sido una pena es que no le diesen el oscar a Diane Keaton. El personaje de esa esposa que espera a su marido y lo sigue allá donde le lleve la fortuana. Arrastradas por él y su sueño, compartiendo desdicha y felicidad. Es quizás el personaje más maduro de la película. John Reed, es como es, irá donde lo lleve su comunismo. Ella encuentra en Nicholson apoyo. Y se va haciendo fuerte ante las dificultades. Para mí, el trabajo de la actriz aquí está a la altura de "Annie Hall" o lo supera.

Por contra, Maureen Stapleton, se ha llevado un oscar inmerecido tatalmente, porque si aplicamos los mismos criterios. Aparece muy poco y no es para nada tan impactante como nos lo cuentan. Es más, prueba de ello es que el dvd que se quitó con motivo del 25 aniversario, ni si quiera lo contempla para competir con Warren y Diane. Al que sí ponen es a Nicholson.
Ya para concluir, destacar la enorme sombra de Beautty, y redirigirme al principio. Como decía, es un personaje que se supo mover con astucia y aprender como nadie. La inmensa mayoría del éxito de esta película es de él. El actor fue muy celoso y obsesivo con todas las facetas de la producción del filme. Partió de la novela "Los diez días que cambiaron el mundo" e Hizo algo de una astucia artistica y financiera sin igual, la tercera parte de la película, aunque no voy a contarla diré que trata del devenir de la revolución y los errores y los sinsabores que sumieron a Rusia en una profunda pobreza. De esta forma se aseguraba el mercado americano, que no soportaría una semblanza del comunismo a secas. Además aún estaban en guerra fría.

MEMORIAS DE AFRICA

"Hermoso drama romántico (...) Pollack envuelve su relato en unas imágenes bellísimas, adornadas por una memorable fotografía de David Watkin, entregadas a una cadencia casi visual." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País) 

"Magníficos paisajes, excepcional fotografía y unos actores que bordan sus papeles" (Fernando Morales: Diario El País) 

"Una obra maestra" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)  


Es una de las primeras películas que posteé, allá cuando empezó esta aventura, por el 2008. Aquellas entradas eran practicamente reseñas. Ahora empezaré a recopilarlas y estenderme en ellas. Además me parece oportuno, con la reciente muerte de John Barry, el imperecedero compositor de esa banda sonora magistral y ese tema que perdurará por siempre en nuestra mente y nuestro corazón, se trata de "Out of Africa".

Sidney Pollack dijo, una vez tuve un sueño, se llamaba África, emulando el discurso de Martin Luther King.

Es verdad, cada vez que veo "Memorias de África", todo me parece un poema. Todo en ella me evoca, su luz, su música, su paisaje, sus personajes, la época colonial, las pasiones, la libertad de espiritu, las ataduras del egoismo. Simplemente me encanta, creo que es un bello poema, una gran sinfonía.
La película es adaptada por Pollack de la novela homonima "Out of Africa", precisamente es una biografía de la propia baronesa danesa Karen von Blixen-Finecke, nombre real de la autora, pues en la novela está firmada por su alterego en la ficción Isak Dinessen.
La baronesa cuenta su vida en la Kenya colonial. Vamos recorriendo 17 años a través de sus recuerdos, en la mayoría de los casos idílicos, porque es lo que tiene hacer una lectura apologética de sí mismo.

El director no disimula esto en el film, pues la protagonista es enteramente, Meryl Streep juntamente con África. Es necesario remarcar, que este toque feminista que adorna la novel y la película es ideal para Pollack dado que la gente, en aquellos años estaba harta de ver Delta force y demás películas de luchas infumables. Además conectaría totalmente con el público femenino, otro guiño después de Tootsie.
Con todo esto no digo que no guste a los hombres, pero como ya se sabe, cuanto más retrocedemos en el tiempo, a algunos les costaba reconocer que le pudiesen gustar películas de ese corte. Para no quedar mal argumentaban que tenía demasiados minutos. Luego los pobres sentimentales lloraban como magdalenas.
La película hecha por Pollack, nos transporta a una época, un lugar con otro aroma, las plantaciones de café africano, en Kenya. La cinta empieza con la voz en off, situándonos - "Yo tenía una granja en África, a los pies de las colinas de Ngong. (...) durante el día te sentías a una gran altitud, cerca del Sol. Las primeras horas de la mañana y las tardes eran límpidas y sosegadas y las noches frías." Todo esto se sucedía verbalmente viendo imágenes de África y sonando la música de Barry de fondo.

Una película llena de matices increíbles. Nos habla de un amor libre, sin ataduras, que no da concesiones a los convencionalismos, ni al ambiente que rodea la relación. La esposa del barón, interpretado por Klaus Maria Brandauer, llega a África para hacerse cargo de una plantación de café. La baronesa interpretada por Meryl streep, tiene que enfrentarse a un mundo hostíl, lleno de hombres de costumbres, de ciertos perjuicios raciales y un mucho de misojinia.
Además está atada por un matrimonio de conveniencia, aunque no conviva con el barón, con lo que se hace más duro. La película habla de una mujer y del poder de reponerse a las penalidades y ser capaz de amar, de una forma tan intensa, que es capaz de asfixiar al otro personaje interpretado por Robert Redford, se trataba de un cazador intrépido .
Redford, también impecable, interpreta a un alma libre, que precisamenta acabó en África para librarse de las ataduras. Ama también a la baronesa, pero no entiende una relación, basada en las ataduras. O se quieren o no se quieren, los papeles y las promesas no valen de nada.
Es quizás también un redescubrir el amor, un amor libre porque sí, entregado, que no demanda nada. Quizás sólo cuando se ofrece un amor así, se muestran las inmundicias del corazón, los celos y los comportamientos obsesivos.

La baronesa no soportaba, el vivir alejadad de Dennis, sólo que comprendía que con un comportamiento posesivo no sería solución de nada. Cuando por fín empieza a comprender a Redford, este muere en un accidente aéreo. 
Casi podríamos decir que los personajes se ven acerrados al final trágico típico del romanticismo. Incluso comparte la poética del paisaje y la naturaleza como medio para canalizar las pasiones.
Se cumplen ahora el 25 aniversario de aquella ceremonia de los Oscars donde la película se alzó con la friolera de 7 estatuillas, además las más importantes. La otra gran favorita era "El color púrpura" de Steven Spielberg. Ya os podéis imaginar la calidad y lo competido que estaba el premio ese años, porque la película de Spielberg es otro peliculón como la copa de un pino.
La banda sonora de John Barry, insuperable, creo que estaría los 160 min de la cinta escuchandóla, no me importa. No creo que escuchéis, fijáos en lo que os digo, mejor o banda sonora más bella. Podrán igualarla, pero superarla creo que ninguna.

DOGMA ´95

Quizás estemos hablando de una de las paradojas más grandes de los últimos años en el cine. Un movimiento que ha tenido muchos adeptos y muchos críticos, pero que murió de éxito. Me explico, El movimiento como tal comienza con un manifiesto de algunos autores como Lars Von Trier, Jacobsen, vinterberg, Levring…

Precisamente se llama dogma, porque defendía un nuevo estilo con unas premisas inquebrantable, inviolables por las cuales se tenían que regir los directores que se habían unido al manifiesto. La verdad es que tuvo poca difusión casi todos son daneses. Además los propios mentores del movimiento habían elaborado unos códigos o certificados de autenticidad para validar las películas como verdaderas obras del cine dogma.

El manifiesto pretendía devolver el cine a sus orígenes, con unas mañas más naturales y de ese modo no perderse en la maraña de la industria, salvaguardando lo esencial del cine como modo de expresión artística.

La primera película del manifiesto dogma 95 fue “Festen”, “Celebración” en Español, a la que le siguieron “Los idiotas” de Lars Von Trier, quizás el director más carismático del movimiento. Luego “Mifune” de Jacobsen, y así hasta la friolera de unas 254 películas que están censadas con la certificación que a continuación os pongo.

Entre las características exigidas por los directores del moviento dogma destacan una serie de fórmulas que se parecen al neorrealismo italiano.

Algunas de las características pasan por evitar la iluminación artificial y buscar la forma de filmar con luz natural o exterior.

Las filmaciones tenían que realizarse en lugares naturales, es decir, sin la construcción de un set.

También se exigía que no hubiese mezcla de sonido y en todo caso, que el sonido no se emplease más que el grabado en el lugar de la grabación, es decir música de fondo.

El director no podía firmar la película en los títulos de crédito. Se debe admirar la obra no al artista.

También se rodará en mano como dictaminaba el neorrealismo. Sólo se aceptan movimientos de cámara si son los producidos por el cuerpo del camarógrafo.

El formato que se utiliza es la película de 35 mm.

Están totalmente prohibidos los efectos ópticos,  no siendo los producidos naturalmente por las ópticas de las cámaras, como por ejemplo la distorsión de la perspectiva en función del objetivo y la distancia focal.

La iluminación debe de ser natural, es decir no puede haber ningún foco que nos ayude a componer una iluminación. Si la iluminación no fuese suficiente por diversas circunstancias, o bien se suprime la toma, o se inserta en la cámara un foco a modo documental.

Otra de las normas, esta si que la encuentro un poco estúpida, pero bueno, ellos tendrán su punto de vista, porque prohíben que en las películas dogma haya armas ni crímenes y la trama no puede ser una tontería superficial.

Se prohíbe también cualquier dato que aporte arraigo a la película a un lugar y una época determinada. Parece ser que los del movimiento dogma no se quería casar con nadie.

No se tolerarán bajo ningún concepto películas de género, al menos de carácter marcado. Evidentemente, es muy, muy complicado que la película no se decante por ningún caríz. Además todo lo que hable de lo humano tiene que ser dramático, la propia interpretación hace que al menos se defina por algún género.

Bueno, esto es mas o menos lo que subscribieron los padres del movimiento en Copenhage, el 13 de Marzo de 1995.

Pero en el 2002, hacen un comunicado en el que oficialmente concluyen si no con el movimiento oficialmente, porque el movimiento una vez rodado sigue, pero clausuraron el famoso grupo que certificaba si las películas eran o no dogma.

Las razones que esgrimieron fueron que lo que empezó como fresco, nuevo en 1995, se había vuelto un convencionalismo que les asfixiaba y que no iba a ninguna parte. Además por razones económicas alguno comenzó a grabar en digital, con lo que contravenía sus propias reglas, ya se sabe… Caballeron don dinero. Tuvieron que hacer modificaciones, pero en esencia son las líneas que os puse arriba. Todos ellos iniciaron una nueva etapa, y alguno ya está en Hollywood. Otros como Von Trier, grabó “Dancing in the dark”, fíjaos, un musical, todo lo opuesto al cine dogma.

LA VIDA DE BRIAN

"Apostasía bíblica" (Ramón F. Reboiras: Cinemanía)

Por aquellas cosas que pasan, por si las moscas, mencionar que los artífices de esta cinta son los Monthy pyton, un grupo de humoristas ingleses que utilizaban las situaciones subrrealistas para parodiar la realidad y que se hicieron archifamosos con su show para la BBC británica titulado Monty Python's Flying Circus (El Circo Ambulante de Monty Python). El programa televisivo duró seis años, posteriormente se unieron para hacer películas como la que nos ocupa. Además, juntos todos hiceron "El sentido de la vida", "Se armó la gorda" y "Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores". Después de esto siguieron sus exitosas carreras por separado uniéndose unicamente cuando se conmemora una efeméride del show televisivo. Los integrantes del grupo son:

 Eric Idle,  Michael Palin, John Cleese, Terry Gilliam,  Terry Jones y Graham Chapman.

La vida de Brian es sin duda una de las mejores comedias de todos los tiempos. Es el evangelio según San Monty Python. La parodia sobre Jesús de Nazaret más famosa de la historia del cine. Ah, perdón, es que solo hay esta. Claro, y después del resultado a ver quien es el valiente que se atreve a superarlo.

Hay que dejar claro y por sentado que esta no es una parodia para mofarse de Jesús de Nazaret, si no que coge como premisa argumental la vida de este y la satiriza en la vida de otro "peatón del mar muerto". Digamos que los Monty Python eligieron ya esa forma de actuar en su segundo largometraje, "Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores", adaptando la temática artúrica. Ellos se explican diciendo que era más fácil cogiendo un tema por todos de sobra conocido y parodiarlo, o como el caso de la película que nos ocupa, un personje conocido mundialmente, y que mejor exponente que Jesús. Aunque ellos dicen que Jesús era un tio legal y se ensañaron con un vecino medio tonto al que pusieron en la misma tesitura que a Jesús de Nazaret.

 Ellos documentandose, después de haber decidido el tema para la nueva película, leyeron los evangelios y concluyeron que Jesús no era el objetivo, si no más bien lo que queda de él en la religión. Ellos dicen que para parodiar a Jesús muchas veces ya se basta y se sobra la religión que practicamos. Uno de ellos concluyó: "Nosotros no tenemos ningún problema con el Sr. Cristo".

Hay una escena en la que aparece Jesús de Nazaret de soslayo, es en el sermón de la montaña, el de las bienaventuranzas. No se pone en duda las palabras de Jesús, en todo caso la interpretación que se hace de ellas. 

Un ejemplo del sermón de la montaña y unos expectadores que seguían las palabras de Jesús:

Espectador de Jesucristo: Creo que ha dicho

"Bienaventurados los queseros".

Espectadora: ¿Por qué precisamente los queseros?

Marido de la espectadora: Hombre, no hay que tomarlo

literalmente, se refiere a todos los fabricantes de productos lácteos".

Pero es que si hablamos de sátira  y parodia ensañandose, tenemos que hablar más de parodia religiosa y política que de parodia del propio Jesús.

La sátira política de esta película no tiene parangón. Representa una sociedad, con unos partidos políticos que pese a los nombres más dispares y los objetivos más dispares todos quieren el poder. Y luchan hasta el último suspiro en post de la victoria. Pero cuando el tema es reunirse y acordar soluciones o pactos sólo dicen tonterías una tras otras sin hacer nada.

Y todo esto sin mentar a los gobernantes ineptos que están en el poder y de su amigo "Pijus magníficus" y su loable esposa "Incontinencia suma".

También hace una mordaz crítca para poner de relevancia la impotencia que se siente al no poder defender los derechos de la persona, con uno de los diálogos que me parece más brillantes de la película:

Yo quiero ser madre.
- Pero... eso es imposible. Eres un hombre, no tienes matriz.
- ¡No me oprimas!
- Está bien, lucharemos también por defender tu legítimo derecho a querer ser madre aunque sea físicamente imposible.
- ¿De qué sirve defender su derecho a ser madre sino puede parir?
-Es un símbolo de nuestra lucha contra la opresión.
-...Es un símbolo de su lucha contra la realidad.

Lo mejor de estos gags, o escenas es que se concentran, como dice John Chesse, en la escena de la sandalia y la calabaza, la historia de la religión. Estamos hablando siempre en un sentido paródico, en el que como bien sabemos, nos permitimos el criticar errores y defectos de la religión, tales como el fanatismo y las doctrinas un poco subrrealistas. En ese sentido se integran la escena de los profetas, como hoy en día, los profetas de los medios de comunicación, los profetas políticos de la crisis económica, etc... que también hay fanatismos políticos. Otra de las escenas críticas con ciertas prácticas ambiguas de la iglesia es la del ex-leproso.

Como podréis advertir aquí no resiste nadie la vena irónica de los Monty python.

Pero a los esfuerzos incansables de sus autores, la película tenía una censura durísima por parte de grupos católicos ultraconservadores, la hostilidad era abierta e intentaron con cierto éxito que se prohibiera su distribucion en ciertas zonas e incluso se censurara en algunos paises. Y es que produjo tanto malestar como la posteror "La última tentación de cristo".

En referencia a la censura, la película ha tenido sus anecdotas, como por ejemplo en Italia, que se estrenó en el año 90 sin mencionar que se había estrenado en el 79 en el resto del mundo.

En Suecia no desaprovecharon la ocasión para poner en el cartel: "Es una película tan divertida, que la han prohibido en Noruega".

Lo mejor, es... y estas son las anécdotas que me gustan, es que la compañía EMI, que estába produciendo la película, un valor seguro porque se trataba de los famosos Monty Python, dejó de hacerlo tras ver el carácter tremendamente irreverente del guión que le presentaron. George Harrison, componente de los Beatles era un fan incondicional, y produjo la película sólo por volver a ver otra de sus creaciones. Al final, la apuesta salío bien, porque el filme hoy en día es un clásico moderno y un icono mundial que les ha reportado ingentes beneficios.

Uno de los proyectos iniciales era haer que  Brian fuese una especie de apostol número trece, que siempre llegaba tarde a los milagros, con lo cual era un poco susceptible con la figura de Jesús. La vena de la crítica política iría porque todo estaba lleno de promesas.

Al final se desechó esta idea, y poca gente lo sabe. La explicación de Chesse hace referencia a que la interpelación de Jesús es un coñazo, siempre es mesurada, inteligente sutil, no tiene todos los resortes de la buena comedia, ni tampoco las cualidades de sus personajes, tales como la envidia, la codicia, la lujuria, la estupidez. Terminó diciendo que la gracia era de Dios no de Jesús.

El rodaje se produjo casi enteramente en Tunez porque quería recrear el Jesús de Nazaret de Franco Zeffirelli. Pero digamos que las comodidades tunecinas agudizaron la vena sarcástica de los miembros del equipo.

Otro de los problemas de la localización en Túnez, fue el hecho de que la mayoría de los extras eran mujeres musulmanas tenían prohibido por el corán, ver los genitales al descubierto de otros hombres. De este episodio recuerda Chapman, que estando preparado para la escena donde salía desnudo, salió abriendo las persianas y todas las mujeres salieron gritando, el dijo que este hecho  provocó un efecto perturbador en su Psique y rebajó su autoestima (Declaraciones que hizo en plan coña).

No pasa el tiempo por ella, cosa extraña tratándose de este género. Aunque el humor de los Monty Python no se basa en las modas ni tampoco en ciertos mecanismos preconcebidos. si no, simple y llanamente, una parodia de la realidad con un punto subrrealista que lo aleja de todo convencionalismo, no se marchita con el tiempo.

MARCELINO PAN Y VINO

Hablando con un amigo, me sugirión que hablase de esta película. En un principio pensé que no iba muy acorde con la línea de este blog, además, se trada de una película que hace años que no veo, se trata de una película que los españoles vemos a unas edades muy tempranas, en las que nos suele gustar, es más, es muy entrañable, y es agradecida en el sentido en que se nos hace divertida y agradable.

Quizás es ahora el tiempo preciso para hablar de una película de este corte. En semana santa tenía pensado hablar de "La última tentación de Cristo", pero ahora será para otra ocasión.

Marcelion pan y vino es una película direigida por Ladislao Vajda, uno de los grandes directores internacionales, húngaro para más señas, que por los años cuarenta y cincuenta se afincó en España e hizo varias coproducciones internacionales. 

Precisamente llega a Españ huyendo de la guerra, primero hace unas producciónes en Italia, hasta que llega a España. Marcelino pan y vino le dió cierto reconocimento, pues al contrario de lo que se piense, la película fue premiada en Cannes. Quiero decir con esto, que a pesar de recordarla como película entrañable, es buena.

Cierto es también que hoy en día la temática religiosa está más denostada en el cine, se prefiere o se tiende a hacer cine que podíamos denominar "Espiritual", un acercamiento a un sentido existencial sin la omnipresencia continua de un ser superior explicitamente representado.

El tacto de Ladislao al tratar la película y la excepcional interpretación de Pablito calvo, proporcionan a esta pequeña producción un halo especial. Revestido todo de un tono campechano, la inocente mirada de Marcelino, nos cautiva, nos lleva al huerto dicho rápidamente.
El trato sincero del niño con el crucificado es señal de lo que tendría que ser la religión y espiritualidad, vivida desde el interior, desde el silencio, desde el saberse hijo de Dios y obrar desde esas propias convicciones.
Marcelino está englobado en el cine cristiano. Habla de otra forma de presencia de Jesús resucitado. Aquel niño que era Marcelino, era otra cachito de pan donde habitaba Jesús. En su inocencia, en su servicio y en su cariño. Una de las preguntas que le hacía a los franciscanos era: ¿Porqué la luna es gorda y luego es chica?. Esa capacidad por sorprenderse llevó a que Pablito calvo fuese uno de los niños más queridos del país, incluso le ponían un doble para las escenas de riesgo, era considerado ya una estrella.

Llegó a cobrar unas 9.000 pesetas de la época, con dietas a parte, que para  un niño en aquellos años de carestía era una barbaridad. Estamos hablando del año 55 y el racionamiento tan sólo había acabado en el 52. Era una de las muestras del primer cine franquista, en especial esta pelícual fue muy apreciada en el extranjero, de ahí el premio de Cannes. Todo esto motivó que en los años 60, las pantallas españolas estuviesen llenas de "Joselitos", y "Marisoles", además era cine que no iba en contra de las directrices del régimen franquista, es más, potenciaban sus ideales de familia y sociedad y nacionalcatolicismo.
En italia fue un boom total, también es normal teniendo en cuenta que es uno de los países más católicos, sobre todo en aquel momento que la iglesia tenía un papel relevante, como en España. Aún así, la calidad de la película, sobrepasa los panfletos políticos para colocarse en un plano antropológico.  Marcelino pan y vino es más que un simple divertimento con protagonista infantil, tiene aspiraciones más profundas, tiene afán de dejar poso. Bien es cierto, que su música y su dirección están un poco dirigidas a producir la lágrima fácil, pero también profundiza en los sentimientos límpios de un niño y los transparenta y nos muestra la condición humana en sus personajes. La calidad humana de los monjes y marcelino, la mezquindad del herrero que sólo quería ocuparse de Marcelino para ponerlo a trabajar.
Las repercusiones de la película en Italia fueron tales, que en 1991, se produce otra película en calidad de remake, con actores españoles como Fernando Fernán Gómez o Alfredo Landa, una serie de dibujos y en 2010, el año pasado se ha hecho otro remake en Mexico, de gran calidad en fotografía pero de poca repercusión, sin más, os dejo con los carteles.