EL CAMINO A CASA

"Conmovedora historia de amor (...) sin énfasis, ni cursilería, ni efectismo, ni trampas. Con la grandiosa naturalidad, sencillez, poder de comunicación e intensidad que caracteriza al lirismo auténtico, al retrato del amor y la pasión sin disfraces ni coartadas" (Carlos Boyero: Diario El Mundo) 

"Espléndida, sencilla y encantadora" (E. Rodríguez Marchante: Cinemanía) 

"Pocas películas son capaces de emocionar al espectador con tanta delicadeza como éste film. Pocas películas son capaces de quedarse en el recuerdo de las personas de forma que nunca seran olvidadas por quienes las vean. Jamás vi tanto sentimiento en un drama. Considero que es imposible ver esta obra de arte sin derramar una sola lágrima. La película más bella que he visto en toda mi vida. Una obra de arte." (Shiroishi: filmaffinity)

Zhang Yimou, es quizás uno de los grandes directores orientales que hay hoy en día. Es el director de títulos como "El sorgo rojo" o"La linterna roja".

El camino a casa es poesía en movimiento, es una película que nos transporta a una orgía visual, como ya nos tiene acostumbrados el realizador oriental, pero es que además, en contraposición de los trabajos de los últimos tiempos, en los que la profusión y los medios inundan la pantalla, en esta película se oberva la sencillez, la pulcritud, y no menos importante, el saber que te están contando algo real y verdadero.

La película tiene un sello lírico, extraordinario. Pero para más inri, lo consigue sin ningún tipo de artificio, contando una historia de amor sencilla y conmovedora, que se relata en muchas ocasiones sólo con mirada, gestos cómplices, sonrrisas y poco más.

Sin duda, para esto ayuda tener una formación fotográfica amplia, sobre todo en el color y su temperatura. Porque uno de los toques distintivos de Yimou, es la temperatura de color. Muchas veces, consigue dominante de manera intencionada, pero que prestan una belleza a la imagen sin igual, por su viveza, componen cuadros, construyen ambientes, etc...

Por ejemplo, en otras películas crea ambientes para determinadas situaciones, como por ejemplo el sorgo, y el rojo sangre, para representar la masacre que estaba haciendo en el pueblo chino, los nipones. Pero en este caso, el ambiente lo recubre todo, es algo extraordinario, además hace lo que a mí me resulta fascinante e hipnótico a la vez. Produce sensaciones con la forma elíptica de la película, es decir, cambia los flashbacks a su antojo contraviniendo todas las reglas formales de lo que se había hecho hasta entonces.

Los que ya habéis visto la película me entenderéis y los que no la vieron, descubrirán que el tiempo presente, está rodada en un tono más apagado, mientras que el pasado está rodada en un color muy vivo y colorido, capaz de poner los sentimientos a flor de piel. Este es un movimiento extraño si tenemos en cuenta que lo normal y formal, dice que tendría que representarse el pasado más lúgubre que el tiempo presente.

Esta gran película, relata la historia de amor entre una joven del ambiente rural chino, con un profesor que llega a su pueblo para dar clases en una escuela infantil. El proviene de la gran ciudad, de otro ambiente, pero queda cautivado por la sencillez del lugar y se prenda de la protagonista.

En sí, la historia habla de dos Chinas, diferenciadas, contrapuestas, el progreso frente al tradicionalismo más ferreo... y con una revolución(Me refiero a la revolución cultural china) de por medio, que se deja intuir en las continuas idas y venidas del protagonista y los pocos amigos que tenía en el pueblo, claro está, por divergencias ideológicas y políticas.

Puede parecer que soy un spoiler, al proporcionar este tipo de información, pero os pido que me hagáis caso y os fiéis, diga lo que os diga, esta película es la pera, porque lo que verdaderamente importa, no es lo que sucede, si no que lo que realmente engancha es como sucede.

Debéis de verlo con vuestros ojos, pues muchas de las escenas nos cautivan como nos puede cautivar la poesía o un ritual. Por ejemplo, esta escena, en la que ella lo espera en la entrada de su casa, sin decir palabra, y es la primera vez que va a mantener una conversación con él, antes sólo lo deseaba en secreto, fijáos en esa cara, esa entrega, esa disposición.

Por lo que podréis estar adivinando, esto promete, pues una cinta de estas características debe de ser interesantísima.

También es cierto, y en esto os tengo que poner en aviso, a los que no la habéis visto, para que la disfrutéis en todo su contexto, que la primera parte, los primeros minutos, son un poco fríos, cuesta un poco meterse. Por eso os pido que os metáis a fondo desde el principio, al cuarto de hora ya estáis enganchados.
Está todo basado en la experiencia del amor, de la historia de un hijo que regresa a su pueblo para acompañar y ayudar a su madre, después de la muerte de su padre. El hijo relata con amor filial, la historia de sus padres, en un flashback intenso, se onorgullece de su herencia, porque siente que sus padres se amaron verdaderamente. Habla de la gratuidad del amor, del sacrificio del amor. Además lo hace con una delicaceza y un finura envidiables, sutilmente nos va adentrando en ese mundo gestua, lleno de significados. En el silencio, en lo hondo del corazón es donde mora el verdadero amor.

Es muy arriesgada esta visión, sobre todo en la sociedad contemporánea, en lo que todo supone un producto, dónde lo espectacular ya ni siquiera nos sorprende, donde hemos perdido la capacidad de admirarnos de nuestro entorno.
Muchas voces y posturas, hablan de la contraposición de esta película a Titanic, yo también lo creo así. Este amor que aquí se presenta es fiel y generoso, no es fruto de la pasión pasajera o un calentón de juventud, porque si os fijáis bien, en mi humilde opinión, cada año que pasa, se quieren más.
Si se traza una línea itinerante, podemos apreciar, que desde le primer momento, cuando sienten que se quieren, se buscan con todo el alma, con todo el corazón. Dicho así parece un tanto cursi, pero es que se siente.
A partir de entonces todo el mundo pibota alrrededor del otro.
Luego se entretejen miradas, y los gestos de delicadeza y atención, preparandole las comidad, y la elaboración de la tela roja, que es un poco el totem de la película, y que tejerá también en su funeral. Hasta el último de sus días ella lo colma de atenciones.
Todos los días de su vida, indefectiblemente, del alba al ocaso, buscan esforzadamente, el amor del otro, sin esperar nada, solo confiando en que el amor que le profesan será suficiente pago.

¿Conocéis a alguien en vuestra vida que haga eso por vosotros?. Yo sí, pero es que también me siento afortunado, espero que encontréis eso que os haga felices.
Además, esta película posee varios elementos por los que se puede decir que es cine espiritual, a saber: Un amor sin parangón que se trunca y sus partes se alejan, la disposición al reencuentro, los sueños y el anelo continuo de la vuelta del maestro, todo esto nos habla de la tradicción judeocristiana en la historia de la salvación, que tiene su plenitud en el final de la película, cuando el hijo reconoce su herencia y honrra a su padre con su vida. Esa escena pone los pelos como escarpias.
Quizás la interpretación que más destaque, sea la de la actriz protagonista, Zhang Ziyi, actriz fetiche de Yimou. Desde entonces ha trabajado asiduamente con él. Cuando realizó esta interpretación, era muy jovencita, pero no lo parece por la hondura moral y espiritual del personaje. Destaca ella entre todos, porque se deja ver, la perspectiva de la narración del hijo se ve a través de sus ojos. Se puede notar su búsqueda del amado. Culturalmente, en China, aunque en el hombre se intuya el mismo sentimiento de búsqueda, no lo van a dejar tan claro, porque no está bien visto.
Aquí podemos ver a Zhang Ziyi en la actualidad.

Ahora Yimou, que se desembarazó un poco del mercado asiático y ha hecho cosas con presupuesto americano, respira más tranquilo, aunque considero, lo único que le aportó el capital es más espectacularida visual. Ojalá me equivoque, pero creo que será difícil que vuelva a realizar una cinta de tantos quilates.

No en vano, ganó el oso de plata en la Berlinale. Y con esto, también estoy disconforme. Yo que siempre ataco a los miembros de la academia americana, en esta ocasión, creo que los de la berlinale, tenían el día torcido, pero bueno, que se le va a hacer, esto es cuestión de gustos.
Yo calificaría esta película para todos los públicos, es decir, que tanto le emociona a un joven macarrilla como a un señor mayor que ya está de vuelta de todo. Eso sí, os recomiendo que tengáis unos pañuelos a mano.

EL GRADUADO

Para empezar a hablar de “El graduado con propiedad”, hay que reseñar que aunque hoy en día es un clásico del cine americano y siempre ha estado entre las diez de las mejores películas de la AFI, en su momento, parte de la crítica le dio la espalda. Entre otros Pauline Kael y Egbert. Es verdad, hasta los mejores críticos se equivocan. Pero a mí me parece que en esta película el error es doble, por una sencilla razón, y es que esta película era revolucionaria.

Cuando se estrenó, la sociedad estadounidense, en ese sentido era aburguesada, conformista, estamos hablando de los finales de los sesenta y no hablamos de europa. Los americanos, en esto no quiero generalizar, pero son unos puritanos de órdago. Sin ir más lejos, mirad el caso que se montó hace unos años por ver un seno al descubierto en una actuación musical de unos premios. Pues bien, imagináos eso unas casi cinco décadas en el pasado.

Hay gente que piensa que quizás está un poco sobrevalorada al tratarse de un simple drama, sí con momentos memorables, pero que tampoco merece la bola que se le ha dado a través del tiempo. Yo pienso que todo producto está sobrevalorado o infravalorado según las críticas, pero es muy dificil que cualquier producto se ajuste con justicia al estatus que debería obstentar.

En mi modesta opinión, "El graduado", está en este olimpo de películas porque entre otras cosas ha tenido matices muy transgresores para la sociedad en la que nace. No sólo por el hecho de contar una drama familiar, si no que ese drama nos crea un debate moral. Benjamin Bradock interpretado por Hoffman, es un yogurín, con una vida que ya no iba a estar esturcturada, ya nadie le tendría que mandar lo que hacer. En ese sentido, el experimenta un sentido existencial de vacio, de no saber por donde tirar, de inapetencia. En esas se le aparece una Señora mayor, amiga de sus padres y que el conoce bien, pero como en muchos de sus contextos trastornará su forma de ver el mundo, incluso la rechaza.

Es que esta película cambia los roles del "American Way Of life", donde la mujer se tenía que abstener, excepto exsecciones, bajo las convenciones sociales que la colocaban al mando de la familia, pero por debajo de su cabeza, que era el varón.

En esta película ella lleva los pantalones. En esta foto anterior, el cambio es evidente, el hecho de que lo tuvieran en cuenta en la publicidad de la película ya dejaba implícita una decidida declaración de intenciones.

Por eso y entre otras cosas pienso que había una clara decisión de hacer de esta película un icono cultural, no que como pretexto se construyese un icono alrrededor de la película. 

Claro que como producto de industria al fin y al cabo uno no sabe el alcance de su popularidad y mella entre el público, por eso puede sonar pretencioso el hacer unos postulados tales en aquella sociedad si no fuese desde una actitud valiente y creativa.

Esta tesitura nos pone ante el personaje de "Mrs. Robinson" , la señora Robinson, que quizás llegó a convertirse en icono de verdad, incluso por encima de la película.

Lo más seguro es que ni siquiera Anne Bancroft hubiese soñado con este papel, propio de una super estrella. Ella había tenido hace poco un exitazo con "El milagro de Ana Sullivan" que le valió el oscar de la academia, pero digamos que el perfil de la señora Robinson obedece más al perfil de un superpibón ya madurito, imaginaos a una Marilyn de cuarenta y cinco años. No digo nada más, porque no se trata de desechar el cuerpo de Anne Bancroft, no es el caso, pero en aquella época, se supone que para romper las reglas tendría que ser una atracción tan fuerte, y un cuerpazo ten exhuberante, que el pobre Benjamin no tuviese más remedio que caer en la tentación.

Pero no fue así, Mike Nichols, que afrontaba su sengunda obra, como director, quería hacer algo más inteligente, más rompedor. De hecho habían propuesto el papel antes a Doris Day y lo había rechazado, simplemente, como dijo ella - No entra en mi escala de valores. Yo tampoco pienso que Doris, más dulce a lo largo de su carrera se identificase con este personaje oscuro.

Es cierto que El personaje alcanzó cotas de mito sexual en las generaciones siguientes, ahora menos, porque ya a los jóvenes de ahora, si no entienden el contexto de la película, no les dice nada nuevo ni interesante. En cambio a los que se han sumergido en la película, la señora Robinson parece una gran araña que ha tejido una tela de la que no te puedes escapar, te va engullendo poco a poco.
Pues, todo esto, para que no os engañéis los que no lo sepáis, lo hizo Bancroft con 36 añitos. Esto da cuenta también de la talla interpretativa de estos actores. En realidad, y como curiosidad, Bancroft, sólo tenía seis años más que Hoffman en la vida real, Hoffman tenía treinta años cuando hizo el graduado.

Bueno, también, a partir de ahí, a Hoffman hemos podido verle en otras producciones donde ha tenido más oportunidades de explotar su talento.
Nada más tarde que al salir del estreno, una crítica que lo reconoció le dijo, más o menos, porque no me acuerdo de las palabras exactas. - Chaval, tienes un gran futuro.
Otra de las apariciones resaltables de la película es la de Katherin Ross, jovencísima y guapísima hija de la Señora Robinson, en este caso se entiende que sea tan dulce y pusilánime, para que en un principio, Benjamin no sucumba a sus encantos, más bien es que reniega de la señora Robinson. La hija representaba el futuro, esperanzador, salir de esa apatía y sin razón que Benjamin acusaba, cada vez que se encontraba con la madre. Al final, la señora Robinson tensó tanto la cuerda que se rompió.
Otro de los aspectos a mencionar de esta obra es la banda sonora a cargo de Simon and Gerfunkerl, y su tema Mrs. Robinson. Inmortalizaron la película.

NACIDO EL 4 DE JULIO

Siguiendo con el post de Platoon, había prometido que se hablaría en este blog de la trilogía de la guerra de Oliver Stone. Pues bien, el otro día he tenido la suerte de volver a ver esta película... y sigo creyendo que es uno de los más grandes alegatos en contra de la guerra que ha dado la historia del cine. La película está basada en hechos reales, extraidos del libro y la vida de Ron Kovic,exconvatiente de los Estados Unidos en Vietnam.

Todo hay que decirlo, y para mí, Stone ha tenido mucha valentía al hacer este filme después de Platoon, bien es cierto que podría hacer cualquier película que le diese la gana. La industria bebía los vientos por el, era el guionista de "El precio del poder" (versión renovada del clásico de cine negro "Scarface" de Hawks) y había dirigido Platoon, que arrasó en los oscars de manera apabullante.

Asi mismo, Oliver en calidad de exconvatiente y amigo de Ron Kovic, había prometido tiempo atrás que si se abría paso en Hollywood, dirigiría la adaptación del libro al cine, de hecho estaba a pundo de llevarse en 1978, pero se canceló todo poco antes de empezar.

Hablo de la valentía de Stone, porque haciendo una promesa a un amigo fue capaz de hacer después de Platoon, otra bomba de relogería cargando contra su país y la clase política que imperaba en américa, empezando por Dick,"Mentiroso" Nixxon.

Era casi imposible superar o acercarse a la perfección de Platoon y Oliver lo consiguió, en mi opinión. Navega más por la psique humana y es más completa, o al menos ese es mi punto de vista, ya me daréis el vuestro. Platoon versa sobre el horror de la guerra en sí, pero Nacido el 4 de julio, narrando también el horror de la guerra de Vietnam abarca un marco más amplio, porque su trama habla de los veteranos. narra la epopeya de un soldado, un cruzado por la causa que se embarca en una aventura que le costará muy cara.

SPOILER

Educado en un ambiente puritano donde solo le ensañaron a ganar, a competir, a ser el mejor, donde le enseñaron que ser yanqui es el mayor orgullo que puede tener una persona, se alista como voluntario para ir a defender el modo de vida americano a un país recóndito de Oriente.

Las mentiras de la administración, que incitaba a luchar por el capitalismo frente a los comunistas, amenazaba constantemente a la población con la llegada del comunismo, con la debacle que supondría para la humandidad, y que ellos como americanos tenían el deber de preservar el orden establecido.

El hombre, el niñito de mamá, no podía soportar esto, tenía que alistarse y ser un heroe como mandan los reales cánones.

Pues bien, todo ese mundo de color pastel y american way of life, se encarga Stone de derribarlo en quincie minutos de película debastadores, tremendamente duros, sólo es un aviso para navegantes.

Los horrores de la guerra hacen mella en el valiente soldado, no sólo mental, también físicamente. Vuelve, regresa a su pueblo hecho la sombra de lo que era, medio hombre, incluso el se excluye de la sociedad, calificándose de despojo.

FIN DEL SPOILER

Es aquí cuando empieza la película más política, propiamente dicha, me explico, es política de principio a fin, porque las circunstancias de la infancia de Ron Kovic impregnan una postura política pre-bélica, y las consecuancias conforman una postura política post-bélica, muy diferente. Kovic como mucho, después de despojarse de las mentiras que les habían vendido a él y a la mayoría de su generación es capaz de reacerse y cargar contra la administración.

El personaje de Cruise comprende que no sólo él es el que está lisiado, es toda la sociedad norteamericana la que está paralítica.

En este sentido se puede argumentar también que esta es una película de personas y personajes. Muchos de ellos sufren un gran cambio en su ánimo o se convierten en personas completamete diferentes.

La madre de Ron, que se comporta como cualquier ama de casa del susodicho american way of life, posesiva con sus hijos, docente en virtudes altamente católicas, "practicante" de la virtud. Esta persona, sólo actúa por estímulos externos, siempre depende de lo que la gente diga, de lo que la gente piense. Nunca actuará de manera autónoma, y castra a sus hijos a la hora de darles herramientas para elegir con libertad. De hecho, tiene el listón tan alto, que los hijos al no poder llegar caen en estado anímico derrotista, como la escena de pelea greco-romana.

Cuando Ron vuelve de Vietnam, es una mujer derrotada, pues considera los perjuicios, en sus esquemas, escollos insalvables. La aptitud de reproche de Ron, acaban por undirla, haciéndola saber que estaba enseñándole a vivir una mentira.

La pseudonovia, aquella a la que dió un beso en el baile de graduación y que estaba loca por el prototipo de hombre amerícano, también está llena de perjuicios a su vuelta, a pesar de vender como fachada esterior que es pacifista y que defiende unos valores humanos. La verdad, o en mi opinión, quien demuestra valores humanos es porque los practica en todas las facetas de su vida.

Los amigos, los que le acompañaron en la guerra y los que no. Los que lo acompañaron sufrieron penalidades semejantes que los configuraron en una suerte de viaje interior, a preguntarse realmente lo esencial de la persona. Un viaje que los llevó a preguantarse por lo que era necesario para vivir en paz con su corazón, con las atrocidades que cometieron en la guerra y con la incomprensión del resto de norteamericanos que gritaban no a la guerra.

En declaraciones, el verdadero Ron Kovic, decía que no tenía rencor por aquellos que no fueron a luchar por su país. Él comprendía que no se podía culpar a nadie por la sinrazón que los gobernantes cometieron, que él fue voluntario de la mentira, y que no valía la pena que nadie quedase en silla de ruedas para demostrar nada a nadie.

Por último, en lo que a personajes se refiere, el propio Ron Kovic. Tom Cruise ha sido uno de los grandes puntales de la película, pero en principio, su contratación no era segura. Oliver Stone sabía de sus principios humildes y que en cierta manera, fue un hombre hecho a sí mismo. Comprometido siempre con su trabajo. El problema es que al escritor del libro, no le gustaba mucho la idea, ya que creía que Cruise era muy de derechas, o que al menos siempre escogía trabajos ligados a la derecha. 

Tom Cruise venía de hacer Top gun, una película de alto octanaje, me refiero a mucha acción y postureo militar. Digamos que acababa de interpretar el polo opuesto de lo que se prentendía en esta película. Pero cuando tuvieron las primeras conversaciones, Kovic vió que Cruise entendía a la perfección la historia y el drama social y personal que había detrás de ella.

Ron Kovic estuvo durante el rodaje y se hizo muy amigo de Tom Cruise, de tal forma que entre confesiones, se mimetizaron los dos en una persona. Kovic salió asombrado con el resultado, mirad, hasta el verdadero Kovic cambió con esta película. (Broma)

La verdad es que la interpretación de Cruise es impresionante, si sois los que lo abomináis, como yo en cierto modo, esta película tenéis que verla. Es la mejor actuación de su carrera, si por algo está en el star system, se lo debe a esta cinta. Ahora parece que se hechó a dormir entre laureles y a ganarse una reputación más que dudosa, no sé con que fin, pero bueno, quien se lo guisa se lo come.

Es una pena que no diesen el Oscar a Cruise, porque de verdad se lo merecía. Stone logró lucir de él lo mejor. Desde los primeros planos, sobre todo cuando van andando a campo abierto antes del ataque del vietcom, es memorable, con la mirada perdida.

Es una delicia como dota de humanidad al personaje, sobre todo para ese viaje del que hablé. El primer Kovic de Cruise, el del pueblo, joven, indolente, aventurero, patriota, etc... No le cuesta interpretarlo, porque más o menos es el calco de Top gun, pero a medida que avanza la historia, se ve como ese joven es capaz de pedir perdón a los padres de un compañero, por haberlo matado en el campo de batalla.

Además de haber aguantado la incomprensión de su propio pueblo que lo abucheaba, y quemaba la bandera que él defendió y que le costó una paraplejia. Saber remontarse a todo eso y enarbolar la bandera pacifista dejando atrás media vida, es un cambio muy grande, digno de ver.

También es digno de ver la cara de los inversores cuando Stone pidió financiación para la cinta, además sabían de lo que trataba. Confiaban en Stone, porque aunque en Platoon, todo lo explicaba la barbarie de la guerra, aquí es toda una bajada de pantalones en toda regla para que Stone se la meta doblada. Mirad,  los norteamericanos, si tienen algo en común, es la fe ciega en su bandera, debe de ser una asignatura obligatoria de primaria. Y esta película debió de ser un grano en el culo para los republicanos.

A mí, sólo me queda darle gracias a Oliver Stone, por regalarnos una obra maestra.

BROKEBACK MOUNTAIN

CRÍTICA ESPECIALIZADA

"Brokeback Mountain ha sido definida como un 'western gay', lo cual es una cruel simplificación. Es una historia de un tiempo y un lugar donde dos hombres se ven forzados a negar la única gran pasión que ambos sentirán para siempre. Su tragedia es universal (...) ." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times) 

"Imprescindible e inolvidable película que te alcanza como un disparo en el corazón. Es un hito cinematográfico y un triunfo para Heath Ledger y Jake Gyllenhaal. (...)." (Peter Travers: Rolling Stone)

"Austera, conmovedora y excelente película (…) Lleva el sello del gran cine (...) es ésta una narración inteligente, turbadora y sin trampas, resuelta con arte de primera clase." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

"Narrada con una contención y un extraordinario dominio de las claves de la puesta en escena clásica (....) una hermosa, cálida historia de amor y la denuncia de una moral imperante (...) Y el resultado es, sencillamente, la mejor película americana del año" (M. Torreiro: Diario El País)

"Una de las mejores películas en muchos años. (...) Un trabajo memorable y de tema difícil (...) Ledger, sencillamente colosal" (Antonio Gasset: Días de cine) 

Toda esta retahíla de críticas especializadas tiene la función de ilustrar y poner por delante la calidad de la cinta que se comenta. Hago esto por varias razones, en pirmer lugar, porque creo que es de justicia tratar a una película por su intínseco valor artístico y por su valentía a la hora de tratar temas incómodos, como pueda ser la temática gay. Estoy convencido que con el tiempo será un gran clásico del cine, además de icono cultural de la homosexualidad.

Normalmente no hago críticas de películas con menos de una década de antiguedad, fue uno de los principios que he defendido cuando comencé a escribir en el blog allí por 2008. No he esgrimido las razones, pero podrían resumirse en dos ideas:

Si escribiese críticas de películas actuales tendría que hacer críticas sin contemplar todas las circunstancias en las que se ve envuelta una película.

Otra razón es que con el paso del tiempo, las películas van cambiando, van resistiendo o no el paso del tiempo. A veces incluso, con incomprensión de la gente, como es el caso de "Ciudadano Kane", aunque con la revolución que causó en su momento, tanto en innovación técnica como narrativa en cine, hoy no es calibrada en todo su peso. Hay mucha gente que no entiende porqué es considerada la mejor película del cine americano.

Para mí fueron ideas que me llevaron a tomar la decisión de no escribir por norma sobre películas con menos de una década de antiguedad. Llamádme soso, si queréis.

La razón de esta entrada es una sugerencia de una amiga blogger a raíz de "Memorias de África". Perdonad por la larga introducción.

Creo que lo primero de lo que habría que resaltar de Brokeback Mountain es la valentía de la historia que nos cuentan y de su honestidad, sin intentar maquillajes con tintes manidos ni edulcoraciones que frenasen el hipotético batacazo en taquilla. No es sencillo, para un director como el Taiwanés Ang Lee, aunque ya de sobra experimentado, tener la osadía y valentía de proponerle a los estudios una película tan espinosa como esta. Él venía de hacer un bodrio como el Hulk del 2003, una apuesta comercial que resultó rematadamente nefasta.

De hecho parece que Lee cuando se aleja de lo comercial gana enteros. Pero los estudios quieren lo que quieren y en eso también entra la valentía de arriesgar el capital por una historia que realmente vale la pena.

En una cosa estoy deacuerdo con Roger Ebert, uno de los gurús de esto de la crítica cinematográfica, y es la cruel simplificación a la que fue sometida la película en ciertos sectores. La simplificación de "Western gay", es insultante y demuestra una total ignorancia de lo que es el cine y el Western. El Western es algo más que una historia contada con vaqueros, y la localización es lo de menos. Los grandes Westerns de Ford, Hawks, Vidor, Hattaway, etc... Mostraban grandes historias de amor, de ideales, de superación, en definitiva, que hablaban de la condición humana, de su grandeza y miseria. Sí, claro, si además colocas monument valley en medio, todo luce más espectacular, le confiere a todo un marco más épico.

A mí lo del género tampoco es que me importe, porque realmente, casi que en esta película podría ser definida más como drama que como western. Aunque la ambientación también tiene su importancia en el desarrollo de la historia.  Y... es que la historia de estos dos lobos solitarios, en medio de las montañas, tiene como localización el medio Oeste, quizás la parte más conservadora de los Estados Unidos. Allí donde impera la costumbres y las formas. Donde los vaqueros son hombres y muy hombres, y la homosexualidad se considera o una enfermedad, desviación o pecado.
Ennis del Mar, conoce a Jack Twist en la cola del paro, los dos empiezan por compartir su drama personal. El ambiente opresivo que los redea, no sólo la sociedad, si no también sus propias vidas. La relación suscitada en la montaña, en la que no sólo se unieron carnalmente, si no que provocó unos sentimientos tan fuertes que condenaban sus vidas de casados a una bucólica sucesión de días sin pasión, sólo esperando al encuentro con el otro vaquero.
Hay que reconocer en Ang Lee, que sabe representar esos ambientes axifisiantes que embullen a sus protagonistas. "Tigre y dragón " y "Sentido y sensibilidad".

 

El fenómeno Brokeback Mountain comenzaba a hacerse grande, además de uno de los grandes aciertos del cine independiente de la última década.
Los problemas no tardaron en llegar, en muchos cines de zonas ultraconservadoras, como en Montana, se apartó la película para no ser visionada. Uno de los casos más famosos lo ofreció el porpietario de los Utah Jazz, la franquicia de baloncesto, que retiró la película nada más saber que su trama contaba la relación homosexual de dos vaqueros.
Ahora bien, como sucede en todo este tipo de casos, estas acciones soló fomentan la publicidad gratuíta de la película, que con un mínimo esfuerzo económico en cuanto a campaña publicitaria, estaba igualmente en boca de todos.
 Toda  esta carrera publicitaria de boca a boca encaminó a la película a ser la candidata más clara para arrasar en los premios de la academia. Consiguió ocho nominaciones y tres premios de la academia. Los premiso fueron al apartado de guión, dirección y banda sonora. La sorpresa en la ceremonia fue grandísima, porque se daba posupuesto que sería la galaronada como mejor película. Parte de la crítica especializada no estaría conforme y acusaría a la academia de homófoba e intolerante. 

Yo creo, y siempre lo he creido, que el jurado de la ceremonia de los Oscars, es muy particular, entre otras cosas, porque nacieron la mayoría de ellos antes de que se inventase el cine. (Es broma), pero la mentalidad de los miembros de la academia, yo ya lo he dicho en muchas ocadiones, sin querer evitarlo, es un obstáculo para evaluar el genio artístico. De esta forma, todo lo que sea innovación va a ser tratado con cierta reticencia.
Por todo esto creo que es loable aplaudir a una cinta como Brokeback Mountain que se muestra valiente, no sólo en su planteamiento si no en sus consecuencias. También creo que ha ayudado a cambiar alguna que otra sensibilidad en Hollywood, no sé si por su mensaje o por su recaudación en comparación con el precio de coste.
Todas estas circunstancias empujaron, o incitaron que que en el mercado de los posteriores años apareciesen títulos del corte de "Mi nombre es Harvey Milk". Pienso que ese nuevo mercado le debe bastante a Brokeback Mountain. Diréis que hay cine de este cariz antes que la cinta que cito y yo sólo puedo responder que es verdad, pero así como lo afirmo, también conviene matizar que o era cine que no provenía de Hollywood, o si procedía de Hollywood, no criticaba tan abiertamente los cimientos de la mentalidad etero, sobre todo en un ambiente como el medio oeste y con vaqueros, por antonomasia la antítesis de la homosexualidad.

 De hecho, en esta cinta, se coje el toro por los cuernos y nunca mejor dicho. Lo hace en todo un Western, el género dorado de la academia, esto es algo inadmisible para los puristas americanos, aunque tuvo una acogida incondicional del público en todo el mundo y ha suscitado un subidón de adrenalina en el colectivo gay.
Es bien conocido que hollywood permite jaulas de grillos y comedias llenas de locas estereotipadas, o algún drama con homosexuales en problemas o con una enfermedad terminal, ya que por un lado ofrecen una visión del homosexual que conviene a la moral puritana de la sociedad norteamericana. (hablo en general).
El jurado de la academia ha premiado ese mismo año a Crash, que con ser buena película, llena de valores y muy humana, no llega en mi humilde opinión a rayar a la altura de Brokeback Mountain.
Por muchas razones también es una satisfacción para mí comprobar, como cintas visionarias de la talla de "The rocky horror picture show" en su tiempo, no han podido conseguir un trato digno sin la mofa de ser una obra repleta de locas, ahora puede estar reflejada en Brokeback Mountain.

El plantel de actores es inmejorable, todos rayan a una gran altura, desde los dos vaqueros, sus respectivas mujeres, el jefe, los padres...
Empezando por Anne Hathaway, que me sorprendió gratamente. Yo la había ubicado en comedias románticas, y precisamente borda el papel de chica de papá. Parece que ahora está eligiendo sus papeles de forma más inteligente. Está contratada ya desde hace unos meses para la tercera entrega del hombre murciélago de Christopher Nolan, "The dark Knight rises" como Catwoman, desde luego, será interesante explorar ese papel para ella.
Michelle Williams, que recibió una nominación a los oscars por Brokeback Mountain en calidad de mejor actríz de reparto, ha sabido conducir su carrera emergente y que parece consolidarse. Este año ha recibido una nominación como mejor actriz en la cinta "Blue Velvet", además está en producción un biopic de nada más y nada menos que Marilyn Monroe, que protagoniza encarnando al mito americano. Como podéis comprobar esta chica es una mina.

Jake Gyllenhaal, pese a aprovechar la película para salir en algunos títulos de postín, no ha conseguido consolidarse como su compañero cowboy. Donnie Darko, le catapultó a la fama y con Brokeback Mountain parecía haberse consolidado, pero hace ya unos años que se ha estancado.
Por último en lo que al papel interpretativo se refiere, mentar a Heath Ledger, para mí, lo mejor de la película. Está espectacular en el papel de Ennis del Mar. Muestra los sentimientos a flor de piel y es el más torturado de la pereja, cuando están juntos pues está menos seguro que Jack Twist de sus sentimientos hacia el otro. Mentar también el papelón que tenía con la mujer en la pantalla, ya que también se convirtió en pareja en la vida real. Ha tenido una hija con ella. Me ha apenado mucho su muerte pues creía que podría convertirse en el Brando del futuro.
Como anécdota, que no podía faltar, resatar, que otro actor, Randy Quaid (Independence day), que interpreta a Joe Aguirre, denunció a la productora Focus porque pensó que había sido engañado al firmar un contrato de película independiente. Todo esto, claro, sucedió cuando se enteró que la película había recaudado unos 170 millones de dólares. Parece ser que retiró la denuncia al recibir un extipendio extra, cosa que niega la productora.

REDS (Rojos)

"Drama de tintes políticos que narra las relaciones de un periodista comunista y una escritora. Excelente fotografía de Storaro y conseguidas interpretaciones en una historia muy interesante" (Fernando Morales: Diario El País)

Quizás estea hablando de una obra muy personal, que no le guste a todos los públicos, no en vano, hay que avisar de su duración, 200 min redondos. Advierto que tampoco son  200minutos plagados de acción ni suspense. Es una película de carácter histórico, trata de narrar los acontecimientos que azotaron Rusia en la primera parte del siglo XX. La trama se organiza a través de un periodista que es enviado a Rusia para narrar los acontecimientos de la revolución. Se trata de John Reed, el único americano enterrado  en el Kremlin.

La primera parte, hay que reconocer que siendo interesante ver los comienzos del personaje, al fin y al cabo se cria de lo que se come, es sustancial por su relación con Keaton. Por lo demás, pasa una hora y aún no sabes de que va la película, ni ves el color rojo por ninguna parte. Es la segunda hora la que engancha de verdad, donde se produce en toda su ebullición los acontecimientos que cambiarán el destino de la Rusia de los Tzares. La última hora decae un poco aunque es muy agradecida, es donde sale el trasfondo humano de la película.

 

Está claro que el resultado estrenado es bastante variopinto, es una película que navega entre partes efectistas y otras con faltas de punch. Como si Beatty fuese un director de grandes películas y en la parte intimista no cuajara del todo, no supiese hacerlo, no digo , de una manera más interesante, pero si podría hacerlo algo más atractivo.

El personaje de John Reed es interpretado por Warren Beatty, que además la dirige. No fue fácil para él, además manejó mucho presupuesto y un primerísimo plantel, para 1982. Nada más y nada menos que Gene Hackman, Jack Nicholson y Diane Keaton.
Puede uno quedarse perplejo ante un debutante en la cámara que pueda dirigir a somejante plantel, pero ya os he avisado anteriormente que Warren Beatty era un personaje y un granujilla de los gordos, cuando quería. Me refiero a que Beatty tenía una forma de actuar un poco guarra y peculiar, aunque me gusta.

Él fue productor de Bonnie and Clyde, que antes de estrenarse puediera parecer una película exclusivamenten de gungsters. Ahora bien, espero que os acordeis del post sobre el director Clint Eastwood, pues porque en ella aparecía un personaje que ahora os sonaría familiar. Me refiero a Pauline Kael, aquella que vilipendiara a Clint, tachándolo de energúmeno, sólo capaz para hacer películas de matón.
Pues bien, este personaje, al ver la película dijo que Beatty era un pésimo autor, acto seguido, Beatty, la llamó y la sedujo. Posteriormente hablaré de la reputación y fama del actor más mujeriego de todo hollywood. El caso es que Kael cambió de opinión y comenzó a poner la película por las nubes, de tal forma que la gente acudía a ver en masa una película que de otra forma no alcanzaría el icono cultural que alcanzó. Presumiblemente, tendría su público, pero ya se sabe que en esto del cine las oportunidades lo son todo.
La historia del actor con las mujeres es muy largaaaa... de contar, para resumir, el se jacta de haberse acostado con casi unas 13.000 mujeres, sin contar rollitos ocasionales. De hecho una vez, su hermana, Shirley maclaine se jactaba de ser la única mujer que estaba segura de no haberse acostado con él. Lo que sí no me acuerdo es quien acuñó la frase famosa "Lo de ir a hollywood y no acostarse con Beatty es como ir al Vaticano y no ver al Papa". Ahora se comprende mejor, porqué cambió la periodista Pauline Kael tan rápido de opinión. Tambien os puedo dejar una foto de cuando era joven.

El actor sabía como moverse como nadie en el mundillo, sabía jugar sus bazas, tanto amenazar como suplicar de rodillas al borde de humillarse. Empezaré explicando como dominó la situación con Bonnie and Clyde, de la que era productor y con una gran tajada. En esta ocasión creo que se dirigió a Hyman cuando quiso reestrenar la película porque había tenido buena acogida en Europa, aunque en Estados unidos las salas ya las habían sacado de cartel. Así las cosas, Hyman pensó que no sería rentable y menos cuando se enteró de la tajada del actor-productor. Beatty, que lo conocía de tiempo atrás, le dijo que como no lo hiciera hablaría de un secreto de Hyman, y que lo llevaría a juicio. En realidad era una mentira, Warren no tení ni puñetera idea de lo que decía, pero ya se sabe, en este negocio, piensa mal y acertarás. A Beatty no le hizo falta más. Hyman respondió - ¡Así, que los sabes!. Nunca se supo lo que tenía que esconder Hyman, pero a Warren le importaba un pimiento porque tampoco lo sabía.

Así entenderemos mejor como funcionaba el director de Reds, que en realidad es la cinta que nos ocupa. En ese sentido, Beatty deseaba controlar todas las facetas de la película, de hecho todos los campos fueron cuidados.
Quizás a alguno le sorprenda pero el director de fotografía es  Vittorio Storaro, gurú de la fotografía en cine y con legiones de seguidores en todo el mundo. Este hombre es un icono del cine y ha trabajado con los más grandes.
El vestuario y los extras también fueron un quebradero de cabeza para Beatty, de hecho, estos útimos protagonizaron una de las anécdotas más desternillantes de la historia del cine. Veréis, Warren tiene que grabar una de las escenas donde John Reed, el protagonista, tiene que dar una arenga a unos trabajadores, una especie de mitin para hablarles de la situación precaria, los abusos laborales, etc...

El discurso caló tan hondo entre los asistentes rusos, que los extras se negaron a continuar si no les subían el sueldo y las condiciones laborales. Fue un cachondeo cuando Warren Beautty, presionado por el tiempo de rodaje cedío ante sus peticiones. Aquí teneis democracia real ya.
Esta obra consiguión tres oscars, pero lo más importante es que optó a 12 oscars. Es importante este dato, por la temática social y política de la película, amorios aparte. Sobre todo en America, en una época en la que sólo habían pasado dos décadas desde la muerte de Joseph McCarthy y todo el asunto de la caza de brujas. Esto no era ajeno a Beatty, que trabajó con Elia Kazan, uno de las personas acusadas por pertenecer al partido comunista norteamericano.
En cuanto a las actuaciones, Beatty, se revela como un excelente director de actores, aunque eso parezca mucho decir a tenor de la gente con la que cuenta. Sin embargo, la actuación sin ir más lejos de Beautty, es perfecta, fuera de artificios propios del mismo personaje. Te crees la pasión que Reed imprime a toda su obra y acciones.

Jack Nicholson, para mí, uno de los diez grandes de verdad, borda su papel en la sombra, en el vértice de ese triángulo escaleno, desigual. ÉL es el eterno amigo, más moderado, quizás más culto y menos impulsivo que Reed. Pero aporta serenidad y delicadeza a Louse Bryant, el personaje interpretado por Diane Keaton. La pena es el poco tiempo con el que cuenta Jack Nicholson, porque pienso que este personaje podía aportar más a la historia. Además tiene una ironía muy socarrona que Nicholson explota a la perfección. Toda la crítica está conforme en que los minutos en que aparece Nicholson en pantalla, dotan de interés a la película y además, creen que si llega a estar más de esos diez minutillos, sería un serio candidato al oscar con ese trabajito escaso. Algo así como Hopkins y Hannibal Lecter, lo que pasa es que Hannibal es un personaje de leyenda.
Pero lo que verdad ha sido una pena es que no le diesen el oscar a Diane Keaton. El personaje de esa esposa que espera a su marido y lo sigue allá donde le lleve la fortuana. Arrastradas por él y su sueño, compartiendo desdicha y felicidad. Es quizás el personaje más maduro de la película. John Reed, es como es, irá donde lo lleve su comunismo. Ella encuentra en Nicholson apoyo. Y se va haciendo fuerte ante las dificultades. Para mí, el trabajo de la actriz aquí está a la altura de "Annie Hall" o lo supera.

Por contra, Maureen Stapleton, se ha llevado un oscar inmerecido tatalmente, porque si aplicamos los mismos criterios. Aparece muy poco y no es para nada tan impactante como nos lo cuentan. Es más, prueba de ello es que el dvd que se quitó con motivo del 25 aniversario, ni si quiera lo contempla para competir con Warren y Diane. Al que sí ponen es a Nicholson.
Ya para concluir, destacar la enorme sombra de Beautty, y redirigirme al principio. Como decía, es un personaje que se supo mover con astucia y aprender como nadie. La inmensa mayoría del éxito de esta película es de él. El actor fue muy celoso y obsesivo con todas las facetas de la producción del filme. Partió de la novela "Los diez días que cambiaron el mundo" e Hizo algo de una astucia artistica y financiera sin igual, la tercera parte de la película, aunque no voy a contarla diré que trata del devenir de la revolución y los errores y los sinsabores que sumieron a Rusia en una profunda pobreza. De esta forma se aseguraba el mercado americano, que no soportaría una semblanza del comunismo a secas. Además aún estaban en guerra fría.

MEMORIAS DE AFRICA

"Hermoso drama romántico (...) Pollack envuelve su relato en unas imágenes bellísimas, adornadas por una memorable fotografía de David Watkin, entregadas a una cadencia casi visual." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País) 

"Magníficos paisajes, excepcional fotografía y unos actores que bordan sus papeles" (Fernando Morales: Diario El País) 

"Una obra maestra" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)  


Es una de las primeras películas que posteé, allá cuando empezó esta aventura, por el 2008. Aquellas entradas eran practicamente reseñas. Ahora empezaré a recopilarlas y estenderme en ellas. Además me parece oportuno, con la reciente muerte de John Barry, el imperecedero compositor de esa banda sonora magistral y ese tema que perdurará por siempre en nuestra mente y nuestro corazón, se trata de "Out of Africa".

Sidney Pollack dijo, una vez tuve un sueño, se llamaba África, emulando el discurso de Martin Luther King.

Es verdad, cada vez que veo "Memorias de África", todo me parece un poema. Todo en ella me evoca, su luz, su música, su paisaje, sus personajes, la época colonial, las pasiones, la libertad de espiritu, las ataduras del egoismo. Simplemente me encanta, creo que es un bello poema, una gran sinfonía.
La película es adaptada por Pollack de la novela homonima "Out of Africa", precisamente es una biografía de la propia baronesa danesa Karen von Blixen-Finecke, nombre real de la autora, pues en la novela está firmada por su alterego en la ficción Isak Dinessen.
La baronesa cuenta su vida en la Kenya colonial. Vamos recorriendo 17 años a través de sus recuerdos, en la mayoría de los casos idílicos, porque es lo que tiene hacer una lectura apologética de sí mismo.

El director no disimula esto en el film, pues la protagonista es enteramente, Meryl Streep juntamente con África. Es necesario remarcar, que este toque feminista que adorna la novel y la película es ideal para Pollack dado que la gente, en aquellos años estaba harta de ver Delta force y demás películas de luchas infumables. Además conectaría totalmente con el público femenino, otro guiño después de Tootsie.
Con todo esto no digo que no guste a los hombres, pero como ya se sabe, cuanto más retrocedemos en el tiempo, a algunos les costaba reconocer que le pudiesen gustar películas de ese corte. Para no quedar mal argumentaban que tenía demasiados minutos. Luego los pobres sentimentales lloraban como magdalenas.
La película hecha por Pollack, nos transporta a una época, un lugar con otro aroma, las plantaciones de café africano, en Kenya. La cinta empieza con la voz en off, situándonos - "Yo tenía una granja en África, a los pies de las colinas de Ngong. (...) durante el día te sentías a una gran altitud, cerca del Sol. Las primeras horas de la mañana y las tardes eran límpidas y sosegadas y las noches frías." Todo esto se sucedía verbalmente viendo imágenes de África y sonando la música de Barry de fondo.

Una película llena de matices increíbles. Nos habla de un amor libre, sin ataduras, que no da concesiones a los convencionalismos, ni al ambiente que rodea la relación. La esposa del barón, interpretado por Klaus Maria Brandauer, llega a África para hacerse cargo de una plantación de café. La baronesa interpretada por Meryl streep, tiene que enfrentarse a un mundo hostíl, lleno de hombres de costumbres, de ciertos perjuicios raciales y un mucho de misojinia.
Además está atada por un matrimonio de conveniencia, aunque no conviva con el barón, con lo que se hace más duro. La película habla de una mujer y del poder de reponerse a las penalidades y ser capaz de amar, de una forma tan intensa, que es capaz de asfixiar al otro personaje interpretado por Robert Redford, se trataba de un cazador intrépido .
Redford, también impecable, interpreta a un alma libre, que precisamenta acabó en África para librarse de las ataduras. Ama también a la baronesa, pero no entiende una relación, basada en las ataduras. O se quieren o no se quieren, los papeles y las promesas no valen de nada.
Es quizás también un redescubrir el amor, un amor libre porque sí, entregado, que no demanda nada. Quizás sólo cuando se ofrece un amor así, se muestran las inmundicias del corazón, los celos y los comportamientos obsesivos.

La baronesa no soportaba, el vivir alejadad de Dennis, sólo que comprendía que con un comportamiento posesivo no sería solución de nada. Cuando por fín empieza a comprender a Redford, este muere en un accidente aéreo. 
Casi podríamos decir que los personajes se ven acerrados al final trágico típico del romanticismo. Incluso comparte la poética del paisaje y la naturaleza como medio para canalizar las pasiones.
Se cumplen ahora el 25 aniversario de aquella ceremonia de los Oscars donde la película se alzó con la friolera de 7 estatuillas, además las más importantes. La otra gran favorita era "El color púrpura" de Steven Spielberg. Ya os podéis imaginar la calidad y lo competido que estaba el premio ese años, porque la película de Spielberg es otro peliculón como la copa de un pino.
La banda sonora de John Barry, insuperable, creo que estaría los 160 min de la cinta escuchandóla, no me importa. No creo que escuchéis, fijáos en lo que os digo, mejor o banda sonora más bella. Podrán igualarla, pero superarla creo que ninguna.