EL GABINETE DEL DR. CALIGARI

EL gabinete del doctor caligari, película de Robert Wiene, hecha en 1919 y estrenada en 1920, es una de las obras más sobresalientes de lo que llamamos “Orígenes del cine”. Encuadrada y una de las máximas exponentes del expresionismo alemán. En pocas palabras, porque seguramente le dedicaré algún post en el futuro, el expresionismo alemán es un movimiento cultural y artístico que nace mayormente en Alemania. Nace como oposición al impresionismo. Era un movimiento que se niega a aceptar la realidad como forma única de expresión artística. Conviene dar cuenta de la época y la coyuntura cultural del momento. Recién acabada la primera guerra mundial, Alemania está hundida economicamente y psicologicamente humillada. De hecho algunos Pseudo historiadores del cine han dicho barbaridades sobre el movimiento en el sentido de que fue capaz de provocar una conciencia propicia al ascenso de Hitler. Dato que es muy discutible, además en otros países ya hay implantado en el arte, el simbolismo, con el que comparte el expresionismo ciertas características. También son los años en que campa el psicoanalismo de Sigmund Freud, etc...
El expresionismo opta por la  deformación de la realidad, porque quiere obtener un punto de vista más humano, basado en sensaciones y sentimientos. Trata de presentar un escenario más subjetivo, más sutil. Hay que dar cuenta de un periodo histórico post primera guerra mundial, y la realidad y la gente no estaba de humor para ver la realidad descarnada.

Los nombres que estuvieron también dentro del movimiento, habían sido: Fritz Lang, Paul Wegener, Friederich Wilhelm Murnau, Josef Von Stemberg, Ernest Lubitsch, Ewald André Dupont, entre otros.

Movimiento por otra parte, muy comprometido, no sólo en la esfera del cine, sino también en la arquitectura, arte, música, etc… A partir de aquí, muy atentos los que tienen debilidad por la moda, arquitectura y la fotografía, porque en estos campos, el expresionismo alemán ha sido un filón una fuente inagotable de imaginación y recursos. Dentro de lo que podemos decir de la moda, presentan a unos personajes tan estrafalarios en sí mismo que cualquier modisto se derretiría como flan par vestir a estos seres. Dentro de lo que es la arquitectura, la película es tremendamente innovadora, utiliza formas geométricas distorsionadas, incluso muchas veces puestas de una forma repelente. Con diagonales y demás deformaciones de líneas que han calado en el séptimo arte, más allá de su sentido inherente. Muchas de esas líneas transportaban a una composición onírica, para desprendeses del espacio, que más que sitio físico perceptible se convertía en una presencia turbadora.

En un principio, el elegido para dirigir esta película era Fritz Lang, pero el realizador la había tenido que rechazar por problemas de agenda, estaba contratado para llevar a cabo la producción de las arañas. Con lo cual el camino quedaba libre para Wiene, que hizo unas pruebas de cámara, según el look y estilo de película que querían sus gionistas y productor. La prueba de cámara resultó ser un éxito rotundo y el director permitió que la película fuese grabada bajo las premisas del impresionismo.

 La puesta en escena fue tan vanguardista, que hasta el negativo se hizo tintado de varios copulantes (Colores, para le que no entienda de fotografía), para que diese una sensación de desasosiego y futurista. Los decorados habían sido hechos y diseñados por pintores. 
En la elección de cámaras y ángulos es muy exquisita, ya que pueden ayudar a crear atmósferas opresivas que van muy bien con lo que se pretenden contar. Objetifos con mucho ángulo de visión que producían una aberración de lente. (Vamos, que curvavan las líneas) unido a la decoración intensificaba la sensación. Se usó mucho el iris, para aumentar esa claustrofobia.
El maquillaje caracterizando a algunos actores también tiene una especial importancia, ya que da el tono de lo que podemos esperar de ellos.
No se me quitará esa imagen de Césare, el aparente ser de piel humana que el doctor Caligari usa para su circo con la mirada blanca, casi nuclear. Es aterrador, porque representa a esa generación entreguerras. Justamente la historia cuanta como el Dr lo tiene en una especie de hibernación de veinte años, poco más o menos que el periodo de entregerras, y luego sale el asesino que lleva dentro. De ahí las connotaciones pre-nazis.
También se ha asociado a cualquier tipo de sociedad, que bajo una ceguera se tiene que dejar llevar por un doctor interesado. Con lo que podéis quedaros con la que quráis.

También en su forma de narrar historias es innovador, porque retuerce también el tiempo narrativo a modo de flashback, que por aquel entonces no era muy frecuente.
El guión original experimentó una modificación en el final, haciendo que todo fuese algo imaginado en la mente, de otra manera resultaría muy siniestro para el público.
Bueno, espero que os guste la película a los que no la habéis visto y los que la habéis visto no os defraudase mucho, porque hoy en día no hay un gusto excesivo de este tipo de cine, que como bien dice la pripia historia del cine, es parte de sus orígenes y merece un respeto superlativo. Muchos directores de hoy que nos pueden parecer innovadores, seguramente bebieron de las fuentes.
Si no queréis gastar, la película circula libre por internet, está en inglés, pero se ve bien, no hace falta saber mucho, es muda, sólo se lee. Es patrimonio de la humanidad.

http://www.youtube.com/watch?v=xrg73BUxJLI&feature=fvsr 

CASABLANCA

Puede que nunca se realice una película mejor, si hay que resumir el séptimo arte en una sola película, de mis labios saldría la palabra Casablanca.

Quizás no sea el film más técnico, ni el más pretencioso, ni el más espectacular de la época. Pero siempre ha conservado un halo de misterio, de atmósfera envolvente, de transcendencia, de romanticismo y no lo digo por la relación de Bogart y Bergman, si no por el sentido más amplio del término, donde el altruismo de los dos derrumba su relación pero nos deja un icono del amor eterno para toda la humanidad.

Estoy por decir que Casablanca no es la mejor película en ningún apartado, pero es la mejor de la historia, para mi gusto. Es una película como dice la expresión: "Aprendiz de todo, maestro de nada". Michael Curtiz, plasma un decálogo de buen cine, sin extridencias, pero que a la contra convierten al film en inolvidable. El guión, debe de enmarcarse en uno de los diez mejores de la historia por como modela los personajes y les quita toda la miga en unos diálogos cargados de ácido corrosivo. Bogart parece haber nacido para interpretar este papel, yo no creo que el destino esté predeterminado, pero en este caso haré una ligera omisión de mi norma para afirmar que en ese casting se debieron de alinear todas las estrellas del cielo. Hasta yo he soñado alguna vez llamarme Rick y regentar al estilo Bogart, un café en algún lugar exótico perdido por el mundo.

Con lo duro que sería vivir la vida de rick, que es un perdedor, él lo sabe. Ha estado con una mujer bellísima que le ha destrozado el corazón y que lo ha abandonado en su apática soledad. Se marcha lejos para olvidar el pasado, nada menos que a Casablanca. Convive con otro grupo de personajes perdedores, forman a mi modo de ver una panda que se alimenta de su autocompasión. Cuando de repente, la mujer que representa el anhelo de una vida mejor, vuelve a hacer acto de presencia en el momento en que este aun estaba recomponiendo los trozos de su maltrecho corazón. Es más, mucho más duro si cabe, porque tendrá que ver como se vuelve a escapar de sus brazos. Él comprende que ella siempre preferirá a un héroe de novela, noble, capaz de morir por sus ideales, mientras que él aunque la ame con locura, a sus ojos siempre será un cínico de buen fondo. Entra en razón y se sacrifica cual cordero degollado porque comprende que no es capaz de darle a su amada lo que busca. En cambio, para mi y para toda la humanidad, será un héroe como lo fue Cyrano de Berguerac, que sabiendo que su vida va a estar carente de amor, vacía, es capaz de recomponer lo que queda de él e intenta vivir.

Dentro del aparatado técnico, podemos calificar esta película de portento, puesto que con el guión medio escrito, se empezó a rodar. Hay una pequeña anecdota que se refleja en la pelícuala cuando en dun diálogo se pregunta como terminara la historia, y otro responde que se lo dirá cuando acabe. La interpretación de Ingrid Bergman es portentosa cuanto en tanto el director le daba la consigna de que mirara con expresión indiferente a Rick y a Victor Lazlo, a mitad de rodaje, no se sabía con quien se iba a quedar. Al final, Michael Curtiz apostó por Bogart, y acertó de pleno al colocarlo como protagonista épico de esa historia de renuncia por amor.

Es de alabar de Curtiz, que teniendo esos inconveninetes acabase forjando una película de leyenda con esa aurea especial. Es la película preferida de Woody Allen, le hizo un homenaje en su película “Sueños de seductor”, donde un personaje aquejado de cien males y alergias aspira a ser un heroe romántico como Bogart en Casablanca.

Además de todo esto, la película mantiene el formato de panfleto que pretendían los productores del estudio cuando se diseñó en 1942, en plena segunda guerra mundial, allá por la batalla de Stalingrado, y aún quedaban tres años de guerra más. La forma de hilar la historia de amor con el discurso antibélico o antinazi, como prefirais, es de una factura sublime. El resultado se aprecia hoy en día, porque la película resistió el paso del tiempo por la gran trama de amor no con trágico desenlace. Si tuviesemos que sotener el criterio fílmico del antibelicismo, esta pelicula nunca pasaría a la historia del cine, sin embargo, no os quede duda que para la época era uno de sus grandes reclamos.

Vereis, en el hollywood de la época, había leyes estatales que controlaban los grandes estudios, era una especie de censura, y en este caso, al tratarse de una película de temática política, la administración de Roosevelt “Ofice of War Informatioen” impuso algunas restricciónes al guión que obligaron a los tres guionistas que tenía Curtiz a reescribir el esbozo de guión. Eso era un caos total. Una unión de despropósitos. El esbozo parte de una adaptación de una obra de Brodway que no llegó a estrenarse que se titulaba “Everybody comes to Rick´s” (todos vienen al café de Rick) de Murray Burnett y Joan Alison.

Conseguir unir todo esto con esa solvencia, y si tenemos en cuanta que hasta la mitad de la grabación no tenía ni el guión terminado, comprenderis como yo y como la crítica especializada, que esta película ha sido parida con mucha profesionalidad, mucha astucia, mucha suerte y mucho amor. No es una película cualquiera.

Desde luego esta película es inolvidable, un monumento al cine, al amor y a unos valores que hoy en día han caido en deshuso.

La partitura de Max Steiner, es, no sé, me faltan los calificativos. Hay gente que no ha visto la película, sin embargo es capaz de tararear perfectamente el "As time goes by". Sam (Doodley Wilson) es el pianista y "crooner" de Rick en Paris y Casablanca.

Es una enorme mezcolanza también, de frases míticas que quedaron en el inconsciente colectivo de muchas generaciones de cinéfilos.

Peter Lorre: Me desprecias, ¿verdad?, Rick

Bogart: Si alguna vez llegase a pensar en tí... Seguramente.

"Tócala otra vez, Sam"

"Siempre nos quedará París"

En definitiva, no queda más que decir: "Hollywood, tócala otra vez".