CIUDADANO KANE

¿Qué decir de esta película? Está siempre colocada en el primer puesto de todas las listas de todos los tiempos y está considerada la mejor obra cinematográfica del mundo. Mucha gente cree que está muy sobrevalorada y que no debería estar ni dentro de las diez mejores. Yo creo que sí se lo merece, a lo mejor no como la mejor, pero si entre las tres primeras. La gente ignora ciertos códigos cinéfilos para catalogar esta película, y no es que yo trate de defender a los miembros de la academia de la época, que no se enteraron de lo que tenían entre manos. La cinta que hoy en día es tan alabada, en su momento pasó desapercibida, incluso con más pena que gloria. Ganó el Oscar al mejor guión, pero es que optaba a nueve estatuillas, y solo a nueve, porque la academia es reacia a otrorgar nominaciones a gente novel o simplemente joven. Orson Welles contaba con tan sólo 26 años cuando realizó la película.

El hecho de que hayan premiado el guión a cargo de Orson Welles & Herman J. Mankiewicz es síntoma de que le ha gustado la historia y la forma de contarla, porque la verdad, la maestría de welles de accionar los resortes de las elipses cinematográficas hasta aquel entonces, hizo nacer una nueva forma de contar historias y hacer cine, no es que no se usase antes el recurso de la estructura rasgada de guión, pero con Welles funcionaba y daba a entender que podía ser un recurso rentable a la hora de introducirlo en una trama y conseguir más misterio. ¿Quien aún anda preguntándose por el significado de la palabra Rosebud? Más adelante intentaremos arrojar un poco de luz sobre esto.

Orson Welles optó al premio de director, pero sus insuficientes 26 años y que en esa edición de la gala se pegaba con la creme de Hollywood, es más esa edición es la que en términos de directores, si los unimos todos juntos, nos sale la mejor terna de toda la historia que opta al mismo premio, veanse John Ford, Howard Hawks, William Wyler y Orson Welles en una misma edición. Se me ponen los pelos de punta.

Parece una tontería, pero esta película tiene más infrahistoria de la que se cree, y no todo fue tan bonito y fácil para aquel genio incipiente como era Welles. Los estudios de la RKO, continuaban recelosos para acoger el proyecto. Así que Welles, forzó el inicio del rodaje aduciendo que necesitaba hacer unas pruebas de cámara al reparto. Comenzó a rodar varias escenas, el primer día, la secuencia de la sala de proyección, al día siguiente, la fiesta de Susan Alexander, y el 1 de Julio, cuando ya se comenzaba a rumorear lo que estaba pasando, Welles rodó el intento de suicidio de Susan. Los dirigentes de la RKO reconocieron que el material era bueno, y aprobaron el proyecto haciendo un ejercicio de fe.

Hay quien dice que Ciudadano Kane es un compendio de adelantos técnicos y de estilo sin más, que no aportan emociones y que por eso la película se muestra fría. Yo entiendo que se pueda decir eso, porque no todos sabemos de fotografía y a veces no valoramos en todo su conjunto la aportación de los avances técnicos a la cinta. Pero amigos, eso es lo genial. Parte de la técnica nos cuenta la historia de otra forma, de tal manera que si no eres un erudito en el campo de la técnica no acabas de ver como transforma la historia, sólo te queda la sensación de haber visto una historia contada de una forma rara, que tiene su misterio y encanto, pero nada más.

Estoy seguro de que si veis otra vez la película con estas claves que os voy a dar, cambia un poco la persepectiva de lo que estais viendo.

• Para empezar, rompe conscientemente con la tradición hollywoodiense, cuestionando el principio, tacitamente aceptado en la época, según el cual el estilo debe desaparecer ante la historia que hay que contar. Por el contrario, las elecciones estilísticas en “Ciudadano kane” se transforman de manera crucial a la hora de contar la historia de Charles Foster Kane.

• Welles quiso conseguir mayor profundidad de campo, para enfocar más planos y ver acciones globales dentro del encuadre, no como la tónica del tiempo que enfocaba al artista principal y el fondo se diluía.

• Para conseguir mayor profundidad de campo, (ahora viene lo escabroso, aquello que si no sabes de fotografía, te vas a perder fijo, lo intentaré explicar en pocas palabras y claro) tienes que cerrar el diafragma lo máximo posible (el diafragma es un dispositivos de cortinillas metálicas que se solapan entre sí y de manera circular, su objetivo es cerrar y concentrar los rayos de luz que entran en la cámara. Para que os hagais una idea, aparece al principio en todas las películas de 007) de tal forma que una abertura pequeña permita que todos los haces de luz confluyan en el mismo plano de la película, con lo que consigues mayor enfoque. Todo eso ayuda a poder trabajar varios planos espaciales y la acción de la narración se enrriquece con detalles que antes pasaban desapercibidos.

• Para este propósito, Toland, el director de fotografía de la película, decide utilizar un objetivo de 24 m.m., que pueden obtener màs luz y permíte obtener imágenes definidas a partír de 55 cm. Hasta el infinito. Estas lentes alargan la imagen en el negativo a lo ancho y a lo alto, porque son capaces de coger más imagen, para que lo comprendais, son lo contrario a los teles o los zooms, que acercan la imagen. Aquí de lo que se trata es de coger más “paisaje”, encuadre. Con lo que hay que incorporar los techos y demás cosas que provocan un nueva concepción de los espacios y los emplazamientos de las cámaras. Esto se usa para dar más dramatismo a escenas donde el techo se vien encima, donde el ambiente es opresivo. Por eso se dice que la técnica está al servicio de la historia y el guión.

• Por otra parte usando el gran angular (17 – 24mm), agrandaba y magnificaba la presencia en pantalla si el sujeto se colocaba lo suficientemente cerca. Esto se aprobecha en la historia. Hay una escena en la redacción del periódico que se quiere magnificar la aptitud de soberbia de Kane y su obsesión. Welles ordena construir un hoyo para la cámara, quería grabar un plano contrapicado, desde abajo, engrandando y haciendo terrible la figura de Welles. La sensación de grandeza del sujeto magnifica la sensación de soberbia, con lo cual con la técnica están potenciando la historia y los sentimientos sin que nos demos cuenta.

Estas son algunas innovaciones técnicas que revolucionaron el séptimo arte y ayudaron a Ciudadano Kane a convertirse en una leyenda que incluso con el paso del tiempo, no ha perdido su vigencia, si se tienen ciertos detalles en cuenta como los que aquí se han mencionado. En este 2010 la película complirá 70 años. Para ser honestos y humildes hay que reconocer que pasado todo este tiempo, los críticos de cine siguen valorndola de esta forama, por algo será.

 
Que sí, tiene sentimientos, incluso más de los que se cree la gente. Puedo poner un ejemplo claro y así despejo alguna incógnita sobre la palabra “Rosebud”. Rosebud, es la última palabra que pronuncia Charles Foster Kane en su lecho de muerte, en esa enorme mansión de Xanadú. Rosebud era el nombre del trineo que tenía cuando era pequeño, y es una alusión a su juventud, la única época donde fue feliz. Nota que buscando otras cosas, la felicidad se fue escapando entre sus dedos. Es una historia muy humana, sobre todo en su moraleja: “Érase una vez un hombre tan pobre, tan pobre, que solo tenía dinero...”

LOS PÁJAROS

"Arrebatadora obra, una de las narraciones más complejas y revulsivas del cineasta más perverso de la historia" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

"Maravillosa cinta, uno de los filmes más surrealistas y personales del maestro" (Fernando Morales: Diario El País)

Después de “Psicosis”, Alfred Hitchcock se encontró en una encrucijada difícil de resolver. La película había sido un éxito y era difícil decidirse por otro proyecto que aportase nuevo material para complacer las espectativas del público. Finalmente se decidió por los pájaros, historia de Daphne su Maurier. Rebeca también es fruto de la adaptación de esta novelista francesa.

La historia no era merecedora de llevar a la gran pantalla, o al menos eso pensaba Hitchcock en un principio, o al menos, cuando se hizo con sus derechos. Los derechos eran para la telivisión, era el argumento de uno de los programas de suspense de Hitchcock. El director se entera por aquel entonces de varios ataques reales de pájaros en alguna población. No sé si entonces querían emular a Welles con aquello de la guerra de los mundos, creando magazines donde la gente escuchaba por la radio las noticias y casos más inverosímiles, una cosa así como los fenómenos del circo. Pero la verdad es que llegó esta historia a oidos del tío Alfred y comenzó a maquinar una nueva historia que acabó por cincelar en el cine.

Se valió de su amigo y guionista Evan Hunter, confeccionó un guión de enormes posibilidades pero completamente nuevo. Me explico, era un guión bastante complicado para la época, pues se necesitava hacer apuntes gráficos para los efectos especiales. Las tomas eran complejas y Hitchcock debía de estar completamente seguro de lo que se grababa, pues ni el mismo estaba acostumbrado a esa nueva generación de efectos. De hecho la película pasó bastante tiempo en la mesa de postproducción de la universal pictures. Si a esto le añadimos los enormes problemas técnicos con los que se encontraban... (Cuenta la anécdota, que en la película había pájaros de verdad, otros de pega y otros amaestrados como lo fue la gaviota charlie, a la que hubo que atar el pico con alambre, porque antes de rodar, asustada, se marchó playa através y picando a la gente. Es que Hitchcock infunde mucho miedo.

La banda sonora también es un hito en la innovación, puesto que el director optó por refrenar la aparición de música de fondo transformándola por los sonidos de ciertos pájaros. Los profesionales que rodean a Hitchcock rayan a gran altura, incluso para ser era pre-digital, mucho, pero que mucho antes que la era del (CGI) (Computer Generator Images) la calidad es soberbia.

Para hacernos una idea, para la época la película obstenta 370 tomas trucadas, requirió unos tres años de preparación . Se elaboró 32 tomas de la última escena, que luego se montaron con un minucioso trabajo de edición. Yo creo que es un signo bastante representativo del talento de Alfred Hitchcock.

El ritmo de la película es un increschendo contínuo que no cesa y además parte de no sa sabe muy bien que punto, porque la causa de los ataques no está justificada en un principio. Hay quien achaca la malévola idea de que quien turba la placided del lugar es una mujer. Siempre estará implicita la sombra de la misoginia que Hitchocock ejercía sobre todas sus mujeres (entiendase mujeres, como modelo de mujer que trabaja con... Como puede ser aquí en España chico o chica Almodovar), vamos pieza de fetichismo. Hay gente que piensa que hitchcock obró con un cierta saña, más que nada, porque al principio de la película usa maliciosamente la ironía, cuando los protagonistas se encuentran con el pretesto de los “lovebirds” pajaritos del amor, mal traducido al castellano por periquitos. El hecho de que las insinuación de la mujer la paga cara.