DUELO AL SOL

Bueno amigos, voy a hablar de otra película de excesos y no precisamente del presupuesto. No es que me apetezca especialmente en esta época hablar de filmes e historias rocambolescas, pero hace ya algún tiempo que no pongo ningún western.

Cuando se habla de “Duelo al sol”, normalmente se suele atribuir su factura a King Vidor, pero poca gente sabe que esto es una trola de proporciones considerables, puesto que King Vidor, fue sólo uno más de la alta terna de directores que pasaron por el proyecto. Detrás de todo esto estaba la alargada sombra de David O. Selznick, de la que ya adelanté en anteriores entradas. Este magnate de la industria hollywoodiense, era una persona de fuertes convicciones, y esto le llevaba a actuar de forma tiránica en las producciones, aunque no siempre supusiese la opción más acertada. Hay un caso bastante gráfico, lo ampliaré cuando hable de “Lo que el viento se llevó”, pero puedo adelantar que O. Selznick, en su afán por la perfección empleó tres años solamente para encontrar la pareja de protagonistas ideales. Tres años para conseguir a una terna que por lo demás eran estrellas de la época, esceptuando a la joven Vivian Leigh. Bien, el caso es que las exigencias del productor incentivaron que William Dieterle abandonase el barco nada más subirse a él. Además de él pasaron más personas, casi siempre del círculo cerrado de O. Selznick, directores artísticos de proyectos anteriores, marionetas que el productor podía manejar a su antojo. Luego llegó King Vidor, un director de peso, que podría dar un giro al proyecto, o al menos una dirección fija. Pero las contínuas intromisiones del devandito productor y la insufrible actríz protagonista (Jennifer jones, novia del productor. Hay películas que se hacen por amor al arte y otras por amor a su novia. O. Selznick quería el lucimiento de Jennifer Jones) hicieron que el proyecto llevase otros derroteros con otros sendos directores. Menos mal que Jennifer demostró su talento en la cinta y posteriormente.

Es verdad que la fima de la película la lleva King Vidor, pero yo la califico como película de productor. Como Vidor no se conformó con ser una simple marioneta, O. Selznick se conformó con que la película llevara varias facturas. Eso se nota en ciertas partes del fime, donde los actores no acaban de convencer. Lógico, yo tambíen tendría la mente en otro sitio y no sabría muy bien que hacer cuando cada día que empieza el rodaje me encuntro con un director distinto que quiere una cosa distinta, y además, el director que graba la escena no es el director con quien la habías preparado.

Sin embargo y gracias a Dios, era un gran reparto lleno de estrellas, unas consagradas como Lionel Barrymore, que el pobre ya se había quedado en silla de ruedas también en la realidad, Lilian Gish, diva del cine mudo y fetiche de David wark Griffith, anterior magnate y precursor de la técnica en el cine mudo. Joseph Cotten, que ya se había hecho un nombre trabajando con Orson Welles en Ciudadano Kane y el cuarto mandamiento. También había estrellas emergentes de la talla de Gregory Peck, y la nombrada Jennifer Jones, pero en este último caso, su brillo ha sido efímero.

Las faltas de esta película pivotan alrrededor de los cambios bruscos de ánimo de los protagonistas, y de situaciones que en determinado contexto no tienen una réplica emocional adecuada, fruto del devenir del proyecto. Pero hay más, esta forma barroca de comportamiento, este tormento que sufren los protagonistas ya estaba implícito en el guión original, y se usó por usar una fotografía recargada, con colores muy dominantes que hagan aflorar los sentimientos más recargados. El problema viene cuando a los sucesivos directores no tienen la oportunidad de cambiar el negativo con el que se rueda la película, con lo que siguieron más o menos la misma línea hecha pro “O.Selznick”.

Para dar una idea más apropiada de David O. Selznick, basta con decir que este era un proyecto anterior que tení la RKO, sólo les faltaba una actríz de rasgos hispanos para acometer el papel de Perla, así que la RKO, le pidió al productor a Jennifer Jones. O Selznick leyó el guión y se hizo con los derechos de la película para manejarla a su antojo. El hecho de que un productor solamente le disputara un proyecto con una productora entera, o se lo comprara, me da igual, solo por complacer a su novia, os da una idea de la influencia que ejercía este hombre en la industria.

CIUDADANO KANE

¿Qué decir de esta película? Está siempre colocada en el primer puesto de todas las listas de todos los tiempos y está considerada la mejor obra cinematográfica del mundo. Mucha gente cree que está muy sobrevalorada y que no debería estar ni dentro de las diez mejores. Yo creo que sí se lo merece, a lo mejor no como la mejor, pero si entre las tres primeras. La gente ignora ciertos códigos cinéfilos para catalogar esta película, y no es que yo trate de defender a los miembros de la academia de la época, que no se enteraron de lo que tenían entre manos. La cinta que hoy en día es tan alabada, en su momento pasó desapercibida, incluso con más pena que gloria. Ganó el Oscar al mejor guión, pero es que optaba a nueve estatuillas, y solo a nueve, porque la academia es reacia a otrorgar nominaciones a gente novel o simplemente joven. Orson Welles contaba con tan sólo 26 años cuando realizó la película.

El hecho de que hayan premiado el guión a cargo de Orson Welles & Herman J. Mankiewicz es síntoma de que le ha gustado la historia y la forma de contarla, porque la verdad, la maestría de welles de accionar los resortes de las elipses cinematográficas hasta aquel entonces, hizo nacer una nueva forma de contar historias y hacer cine, no es que no se usase antes el recurso de la estructura rasgada de guión, pero con Welles funcionaba y daba a entender que podía ser un recurso rentable a la hora de introducirlo en una trama y conseguir más misterio. ¿Quien aún anda preguntándose por el significado de la palabra Rosebud? Más adelante intentaremos arrojar un poco de luz sobre esto.

Orson Welles optó al premio de director, pero sus insuficientes 26 años y que en esa edición de la gala se pegaba con la creme de Hollywood, es más esa edición es la que en términos de directores, si los unimos todos juntos, nos sale la mejor terna de toda la historia que opta al mismo premio, veanse John Ford, Howard Hawks, William Wyler y Orson Welles en una misma edición. Se me ponen los pelos de punta.

Parece una tontería, pero esta película tiene más infrahistoria de la que se cree, y no todo fue tan bonito y fácil para aquel genio incipiente como era Welles. Los estudios de la RKO, continuaban recelosos para acoger el proyecto. Así que Welles, forzó el inicio del rodaje aduciendo que necesitaba hacer unas pruebas de cámara al reparto. Comenzó a rodar varias escenas, el primer día, la secuencia de la sala de proyección, al día siguiente, la fiesta de Susan Alexander, y el 1 de Julio, cuando ya se comenzaba a rumorear lo que estaba pasando, Welles rodó el intento de suicidio de Susan. Los dirigentes de la RKO reconocieron que el material era bueno, y aprobaron el proyecto haciendo un ejercicio de fe.

Hay quien dice que Ciudadano Kane es un compendio de adelantos técnicos y de estilo sin más, que no aportan emociones y que por eso la película se muestra fría. Yo entiendo que se pueda decir eso, porque no todos sabemos de fotografía y a veces no valoramos en todo su conjunto la aportación de los avances técnicos a la cinta. Pero amigos, eso es lo genial. Parte de la técnica nos cuenta la historia de otra forma, de tal manera que si no eres un erudito en el campo de la técnica no acabas de ver como transforma la historia, sólo te queda la sensación de haber visto una historia contada de una forma rara, que tiene su misterio y encanto, pero nada más.

Estoy seguro de que si veis otra vez la película con estas claves que os voy a dar, cambia un poco la persepectiva de lo que estais viendo.

• Para empezar, rompe conscientemente con la tradición hollywoodiense, cuestionando el principio, tacitamente aceptado en la época, según el cual el estilo debe desaparecer ante la historia que hay que contar. Por el contrario, las elecciones estilísticas en “Ciudadano kane” se transforman de manera crucial a la hora de contar la historia de Charles Foster Kane.

• Welles quiso conseguir mayor profundidad de campo, para enfocar más planos y ver acciones globales dentro del encuadre, no como la tónica del tiempo que enfocaba al artista principal y el fondo se diluía.

• Para conseguir mayor profundidad de campo, (ahora viene lo escabroso, aquello que si no sabes de fotografía, te vas a perder fijo, lo intentaré explicar en pocas palabras y claro) tienes que cerrar el diafragma lo máximo posible (el diafragma es un dispositivos de cortinillas metálicas que se solapan entre sí y de manera circular, su objetivo es cerrar y concentrar los rayos de luz que entran en la cámara. Para que os hagais una idea, aparece al principio en todas las películas de 007) de tal forma que una abertura pequeña permita que todos los haces de luz confluyan en el mismo plano de la película, con lo que consigues mayor enfoque. Todo eso ayuda a poder trabajar varios planos espaciales y la acción de la narración se enrriquece con detalles que antes pasaban desapercibidos.

• Para este propósito, Toland, el director de fotografía de la película, decide utilizar un objetivo de 24 m.m., que pueden obtener màs luz y permíte obtener imágenes definidas a partír de 55 cm. Hasta el infinito. Estas lentes alargan la imagen en el negativo a lo ancho y a lo alto, porque son capaces de coger más imagen, para que lo comprendais, son lo contrario a los teles o los zooms, que acercan la imagen. Aquí de lo que se trata es de coger más “paisaje”, encuadre. Con lo que hay que incorporar los techos y demás cosas que provocan un nueva concepción de los espacios y los emplazamientos de las cámaras. Esto se usa para dar más dramatismo a escenas donde el techo se vien encima, donde el ambiente es opresivo. Por eso se dice que la técnica está al servicio de la historia y el guión.

• Por otra parte usando el gran angular (17 – 24mm), agrandaba y magnificaba la presencia en pantalla si el sujeto se colocaba lo suficientemente cerca. Esto se aprobecha en la historia. Hay una escena en la redacción del periódico que se quiere magnificar la aptitud de soberbia de Kane y su obsesión. Welles ordena construir un hoyo para la cámara, quería grabar un plano contrapicado, desde abajo, engrandando y haciendo terrible la figura de Welles. La sensación de grandeza del sujeto magnifica la sensación de soberbia, con lo cual con la técnica están potenciando la historia y los sentimientos sin que nos demos cuenta.

Estas son algunas innovaciones técnicas que revolucionaron el séptimo arte y ayudaron a Ciudadano Kane a convertirse en una leyenda que incluso con el paso del tiempo, no ha perdido su vigencia, si se tienen ciertos detalles en cuenta como los que aquí se han mencionado. En este 2010 la película complirá 70 años. Para ser honestos y humildes hay que reconocer que pasado todo este tiempo, los críticos de cine siguen valorndola de esta forama, por algo será.

 
Que sí, tiene sentimientos, incluso más de los que se cree la gente. Puedo poner un ejemplo claro y así despejo alguna incógnita sobre la palabra “Rosebud”. Rosebud, es la última palabra que pronuncia Charles Foster Kane en su lecho de muerte, en esa enorme mansión de Xanadú. Rosebud era el nombre del trineo que tenía cuando era pequeño, y es una alusión a su juventud, la única época donde fue feliz. Nota que buscando otras cosas, la felicidad se fue escapando entre sus dedos. Es una historia muy humana, sobre todo en su moraleja: “Érase una vez un hombre tan pobre, tan pobre, que solo tenía dinero...”