HASTA QUE LLEGÓ SU HORA

Estaba destinada a convertirse en la piedra angular de una trilogía que narraría la historia de la violencia en Norteamérica a comienzos del siglo XX.

"El ritmo de la película pretendía crear la sensación de los últimos jadeos que da una persona justo antes de morir. Hasta que llegó su hora era de principio a fin, una danza de muerte. Todos los personajes del film, con la excepción de Claudia Cardinale, son conscientes del hecho de que no llegarán al final con vida"

Esta es la mejor muestra de cine que nos presenta Leone, junto a “Erase una vez América”. Creo que a Leone lo encasillaron muy pronto, sobre todos los puristas y patriotas del cine americano, porque venía a representar la desmitificación y la intoxicación del género western. Además es un género genuinamente americano, ellos sentaban las bases de lo que era un westen.

En cierto modo si dejamos los perjuicios a un lado, Sergio Leone reinventó el género de las películas de vaqueros. El viejo Oeste tenía hombre que luchaban con honor, incluso con cierta caballerosidad. Los malos eran los mafiosos de los pueblos o los scheriff corruptos, o los indios nativos que no eran concebidos en su inmensa mayoría como salvajes y “asaltacarretas”.

La trilogía de los dólares hecha con Eastwood es hasta cierto punto de vista paradógica, porque lanzó al estrellato a Eastwood y le confirió a Leone una aurea de director paródico del género. Pero nada más lejos de la realidad, porque Eastwood, luego de estar ese tiempo con Leone del que aprendió una barbaridad, se reveló como un excelente director de western. No hace falta ver más que el increíble éxito de sin perdón en 1992.

Por su parte Leone disiparía las dudas de todos con esta película, que és enorme, quizás uno de los westerns mejores que ha dado la historia del cine, de un tono elegiaco  descomunal, casi se puede palpar la tragedia griega, los personajes van confluyendo en un único destino que no podía ser otro que la muerte. El cóctel que prepara el director es dinamita pura, potencialmente volátil. Aúna codicia, rabia, ira, venganza, presunción, bondad… ¿Quién no querría ver este espectáculo?

Los famoso planos detalle, sobre todo del rostro y más en concreto de los ojos de los actores son muy útiles para retratar las intenciones de los protagonistas. El caso más claro es el de Henrry Fonda, que en principio Leone no quería contratar. Bueno o sí, es decir, lo quería contratar a toda costa, incluso Fonda rechazó el papel en un primer momento. Leone siguió insistiendo para contratarlo porque como os dije en algún post en el que hablaba de Fonda, (véase 12 HOMBRES SIN PIEDAD o LAS UVAS DE LA IRA publicados en este mismo blog), representaba el prototipo de hombre honrrado. El público al verle diría, ahí esta Henrry Fonda, el hombre más honrrado. Pero quería su participación para que hiciese el papel de uno de los peores villanos de la historia. Quería ese efecto perturbador, casi un shock y de paso mandarle un recadito a esos puristas del western que tanto habían hablado sobre él y el spaghetti western.

El problema emergió cuando Fonda aceptó seducido por poder hacer por fin un digno personaje de canalla con todas las letras. Cogió un avión y se presentó en los estudios de Cinecittà en Roma. La cara de Sergio Leone cambió en cuanto le vió presentarse, de repente, con todas esas canas, Fonda parecía demasiado viejo para interpretar el papel, sobre todo para una escena crucial en la que tenía que aparecer más joven. Donde ajusticiaban al familiar del personaje que interpreta Charles Bronson.
El caso es que mientras pensaba algo como una excusa o cualquier desgracia que pudiese alejar a Fonda de la producción lo envió a vestirse y maquillarse para las pruebas de cámara. La sorpresa fue cuando apareció ya caracterizado y vestido con ese modelo gris y esa suciedad en la cara, de repente infundía miedo sólo con la mirada. Leone pensaría, ¡coño, mira tu por dónde!. Para la escena donde salía más joven utilizarían un tinte para el pelo, porque el cutis estaba igual de sucio y con barba de tres días.

El problema principal era arreglar el personaje de Frank, núcleo por el que circula toda la trama. Aunque hay otro personaje más misterioso por detrás, un empresario ferroviario que contratará a Fonda para hacerse con unos terrenos. El caso es que la construcción del pesonaje de Morton, interpretado por Gabriele Ferzetti (Yo personalmente le llamo el señor Chu-Chú, por lo del tren) es una obra de ingeniería de guión, además muy medido, porque sus defectos físicos dejan a la historia libre de sus aparciones a nos ser deseo expreso del guionista y la historia. Si no habéis visto la película cuando la visionéis os daréis cuenta de que es muy particular e inteligente su incursión en la película.

Como también lo es el personaje de Bronson, Armónica, que además de ser una suerte de narrador, porque la venganza que recorre por toda la película tiene más presencia por sus venas. Pero su forma de actuar es totalmente paradógica y anodina, con lo cual confunde más a la gente y guarda su halo de misticismo que se desvela en el clímax final.
Luego hay dos personajes que equilibran los polos opuestos que son Fonda y Bronson. Uno es el bandido Cheyenne, interpretado por Jason Robards y Jill, la viuda del propietario asesinado recientemente, interpretada por una bellísima Claudia Cardinale.
Cheyenne es un chivo espiatorio para Frank, alguien que necesita para sus planes, porque la verdad es que Cheyenne es un forajido pero con corazón, tiene principios y una cierta sensibilidad que lo llevará a conectar más con Jill. La elegancia de este actor británico es descomunal, su procendencia del teatro le da una solvencia y una presencia tremenda. Fijaos solamente en la entrada de su personaje en escena. Esa elegancia y ese desarrollo natural habla de un gran actor.
Y jill es el vértice del póker de cuatro ases de esta película, lo que no se sabe muy bien, es porque los encargados de la historia, que son tres pesos pesados como Bernardo Bertolucci, Darío Argento y el propio Leone pusieron ahí una única mujer entre tanto ganado masculino. Entendedme, quiero decir, que sí, ha tenido que adaptar su personalidad femenina, y volverse una mujer de armas tomar, una dama de hierro que caracterizan a todas las mujeres que en una época evidentemente machista alzaron su voz para sostener su dignidad. Pero aparentemente, después de la muerte del marido, no le queda mucho por lo que luchar, o almenos no se deja ver más su rol si no es con el pretexto de interaccionar con los otros tres protagonistas, en sus tramas y propósitos, nunca, hasta el final nos preguntamos por los propósitos de Jill, unicamente al final. Para mí es uno de los pocos puntos débiles de la película.

 Estos son todos los personajes, pero lo que poca gente sabe es la idea retorcida que albergaba Sergio Leone en esa mente oscura y genial. La verdad es que el con esta película quería matar simbolicamente el spaghetti western. Su idea era matar el símbolo, con lo que quería contratar a Clint Eastwood, Lee van cleef y Eli Wallach, si os dáis cuenta, son el trío de protagonistas de "El bueno, el feo y el malo" (Il buono, il brutto, il cattivo). Y en la escena inicial caen tres bandidos a manos de Armónica en la estación, esa escena que luego se incluyó, era unicamente para ese propósito, dar muerte al símbolo a los tres minutos de película. Por suerte o por fortuna, Clint Eastwood declinó la oferta, porque pensaba que de alguna manera era negarse a sí mismo. La negativa decepcionó un poco a Leone, porque el había buscado esta opción como una reivindicación como artísta, no director de oficio italiano que hace western violento y bastardo.

El director estaba presionado de alguna manera por la Paramount Pictures, que viendo lo ajustado del presupuesto con el que contaba para la trilogía de los dólares les llenaba las arcas a la productora. Aunque Leone tenía en mente ya otro proyecto que sería "Érase una vez América", que sería una historia de gungsters que narraba la historia violenta de los años 20 y 30. La Paramount picture quería explotar a la gallina de los huevos de oro y dijo que de gungsters nada, otra más del oeste y luego le financiarían la que tenía en mente. 
El duelo final quita el aliento, si quieres ver un clímax elegiaco, un duelo de pistolas como ningún otro, un uno contra uno sin paliativo ni paños calientes, con toda su carga dramática, esta es tu escena y esta tu película. No busques más. Toda la rabia, la sed de venganza, la codicia, se encuentran aquí, en los ojos y las gotas de sudor de los protagonistas frente a frente. No en vano, has esperado tres horas de reloj para llegar aquí, y aquí es donde tienes que vivir, es tu momento, que no te lo arrebate nadie.
Ennio Morricone ofrece la banda sonora de nuevo, pero esta vez su contribución es si cabe más compenetrada con el director. Todos los personajes principales tienen su propio tema (uno de ellos es en realidad un punto de la trama en sí mismo) Este tema se repite desde el principio hasta el final, es la muerte espectante, a cobrar su deuda, su sed de venganza se saciará tarde o temprano.

Usa en alguno de los temas guitarra eléctrica, que para el western de 1968, era un poco atípico, pero le quedó como anillo al dedo, sobre todo en la escena donde se asesina a la família entera. La cámara va rodeando a Fonda mientras se van sucediando las notas de esa melodía maléfica y de repente vemos la cara de Fonda.
En esto uno de sus secuaces dice:

-¿Qué hacemos con éste niño... Frank?
-Ya que has pronunciado mi nombre...

No se puede ser más cabrón, cuando aparece su personaje en escena, y la película sólo acaba de comenzar. Grande, grande. Para todos los amentes del westeren que aún no vieran, se la recomiendo encarecidamente. 

Para finalizar os dejo una batería de perlas. Y el clímax final en Youtube. A D V E R T E N C I A Quien no haya visto la película que se abstenga de ver este video porque lo mejor es verlo con la película para comprender en toda su carga dramatica, la belleza del final de Hasta que llegó su hora.

-Que Dios te tenga en su gloria McBain, aunque tenga que esforzarse para quitarle tu alma al diablo.

"En este trabajo, dos, somos demasiados".

"La gente se asusta fácilmente cuando está muriendose"

SPOILER

http://www.youtube.com/watch?v=6wkG28woS-4&feature=related

LAS UVAS DE LA IRA

"El más impresionante retrato de la depresión que asoló los Estados Unidos en los años treinta viene firmado por la mano maestra de John Ford. Un canto a la solidaridad. Cotidiana, lírica y comprometida, una película inolvidable, necesaria y magistral" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

 Cuenta la aventura de los miserables, de los oprimidos, los que por desgracia o fortuna se ven obligados a vivir vagando en pos de la dignidad en sus vidas.

Todo se resume en las inolvidables frases que Tom Joad refiere a su madre antes de partir por última vez: "... Allí donde haya un policía pegando a un muchacho, allí donde un recién nacido llore porque tiene hambre, allí donde haya una lucha contra la sangre y el odio en el mundo, mírame allí mamá porque allí estaré. Allí donde haya alguien luchando por asentarse en algún lugar, o por un trabajo decente o una mano amiga, allá donde haya alguien que luche por la libertad, mira en sus ojos mamá porque allí estaré yo...".

Un western moderno (un viaje al oeste en busca de trabajo y bienestar), realista, ya en la era del automóvil, durante la Gran Depresión en los años 30 y la sequía ("Dust bowl", o tormenta de polvo) que asoló Oklahoma simultáneamente. Una película perfecta, en blanco y negro, de 1939, un melodrama que impacta como tal (emocionalmente) a causa de las penurias sufridas por una familia (y miles de otras) que sin un mendrugo de pan que llevarse a la boca, no tienen más alternativa de ponerse el mundo por montera. Con unos campos que ni valía la pena trabajar, no había ayudas al campesinado y tuvieron que emigrar para tener un futuro de jornalero explotado.

Hoy en día me pregunto por lo que estamos viviendo estos días y aunque quiera no puedo encontrar paralelismos porque no estoy en esa situación. Aunque si advierto por llamadas a la radio en algunos casos la misma desesperación que la que podía haber tenido cualquier familia que se hubiese visto en la situación de la cinta.

Este film, cada día gana más adeptos, sobre todo desde que ha salido en formato digital. Habla de la vida misma, y de hechos reales. John Ford, en ciertos momentos utiliza un tono documental o pseudo-documental, sólo permeabilizado por las emociones que emanan de los protagonistas de esa realidad.

Tom (Henry Fonda) sale de la cárcel, y descubre que para su desgracia existen fuera de esos cuatro muros otros tantos en el exterior que no dejan respiro. Cuando entra en la cárcel vivía en la Norteamérica de la bonanza económica, la bonanza de los años 20, y cuando sale y se reinserta en el mundo libre, tiene que hacerlo en la gran depresión fruto del crack del Down Jones en 1929. Los ánimos estaban más exaltados, no era un tiempo fácil para forjar modelos o héroes. Sin embargo, aun considerando a Tom, un hombre con manchas pues es exconvicto, hace ver, que Ford, lo que quiere es presentar a un hombre normal, representante de la gente buena, corriente, sencilla, que sufre inpertérrita la impotencia de ver como hasta los más primarios derechos les son denegados en favor de los poderosos que siempre los han explotado. 

Ahora es cuando viene la parte del cine que más me gusta, donde lo imposible, se hace realidad. Y esta vez, la pifia es gorda, y no es de la cinta ni del director, si no de la Unión Soviética. Ya sabeis que la censura de las películas americanas en la Unión Soviética era terrible, pero es que en 1940, un año después del estreno de “Las uvas de la ira”, permitieron su estreno y difusión en la tierra de los antiguos Tzares. Supongo que ya os imagináis porqué, ponía en evidencia el sistema capitalista y el declive de la sociedad norteamericana. Las autoridades encantadísimas. Bueno, claro, hasta que el público en la Unión Soviética se enteró, que en América, la familia más paria, más pobre, podía permitirse ser propietaria de vehículo propio. Ja, ja, ja. Aún estoy viendo la cara de póker que tendrían los mandatarios.

Bellísima fotografía, actuaciones inolvidables, parlamentos de gran fuerza, situaciones propias de un cataclismo social. Un comentario a menudo repetido dice. "Una de las más grandes películas de todos los tiempos". No debe trivializarse su grandeza haciendo lecturas tendenciosas de intenciones políticas, si eso es posible. Es una obra acerca de la esperanza y la resistencia, acerca de la necesidad, acerca de la "condición humana".

Adaptación de una novela de John Steinbeck (1939) hecha por Ford, casi fiel a la obra homónima, pero con el cambio del final, para hacerla más digerible en cine, que el final primitivo y demoledor que Steinbeck había ideado.

Me ha parecido oportuno rescatar esta película en la situación actual, económica quiero decir, porque siempre nos ofrece algo en qué pensar.

También me pareció oportuno rescatar esta entrevista con Ignacio Julià hecha al jefe, Bruce Springsteen

“Mi vida fuera de la música fue muy vulgar hasta que un día alguien me recomendó Las Uvas  de la ira, una película de John Ford que pasaban aquella noche por la tele. En América, cuando pasan una película en blanco y negro todo el mundo cambia automáticamente de canal. Yo mismo había cambiado de canal varias veces al principio de Las Uvas de la Ira, pero aquella noche la vi y esa película despertó mi curiosidad por enterarme de las cosas, por leer libros, ver películas. Comencé a ver todas las películas de John Ford, los westerns y todo eso, y me enseñaron mucho más sobre la historia de mi país que todos mis años de escuela juntos” B.S.

12 HOMBRES SIN PIEDAD

12 Hombres sin piedad es un drama judicial, donde Reginal Rose, autor del libro, relata los mayores aciertos y grandes miserias de la justicia norteamericana.

La premisa es bien sencilla, a un joven sin futuro ninguno, lo han enganchado en turbias circunstancias. Se deduce de las pruebas circunstanciales  que ha sido el asesino de su propio padre, con lo cual es objeto de proceso judicial. Se abre la causa y… allí lo tenemos, con esos enormes ojos, abiertos como platos, humedecidos por las lágrimas y mirando asustado para un grupo de hombres. Parecía mendigar una migaja si no de justicia o compasión.

Acto seguido, se reúne un jurado compuesto de doce hombres que decidirán la salvación o condenación de una vida. Pero aquí empieza lo bueno, porque ese pobre diablo ya estaba condenado de antemano. Las pruebas circunstanciales tenían mucho peso y los miembros del jurado tenían mejores cosas que hacer que ponerse a reflexionar sobre un caso que estaba resuelto, blanco y en botella.

El caso del jurado nº 7, interpretado por Jack Warden es muy ilustrativo, cuando en determinado momento dice que no piensa perderse el partido para el que tiene entradas. No considera ni tan siquiera, la remota posibilidad de enviar a la muerte a un justo.

La verdadera película empieza cuando se descubre el jurado nº 8 y se niega a ser del parecer de la mayoría, le piden explicaciones y el contexta con un escueto razonamiento. No piensa en condenar sin más a una persona, le pide un tiempo prudente en el que se puedan examinar algunas de las pruebas. Los otros acceden no sin alguna reticencia, a partir de ahí también se descubre el jurado nº 3, Lee J. Cobb, que con una turbia historia de amor odio con el hijo se muestra agresivo y ponzoñoso.

Todos los jurados se van enfrentando, recriminando y pidiendo explicaciones, pero el jurado nº 7 calladamente va sentando las bases para una duda razonable con la que no condenar a la silla eléctrica al chaval. Cada personaje tiene su historia por detrás y trae a esa habitación unos perjuicios derivados de ella. Reginal Rose construyó la obra de teatro de tal forma que cada persona representase una cualidad y defecto, y en la mayoría de los casos el defecto se impone a la virtud.

De repente se crea un mal clima en una sala cerrada con llave de la que no pueden salir y los ánimos se van exaltando cada vez más. La atmósfera de la película es cargante hasta decir basta. Lumet, el director, la creó así de manera deliberada, aprovechando que no había más escenarios. El guión era una adaptación de teatro, con lo que aprovechó esto para intensificar el lenguaje corporal y los ángulos de toma de las cámaras. Ha sido muy inteligente con las tomas. Al principio de la película, el plano de la cámara era superior al de los actores, creando planos contrapicados ligeramente. Esto produce una sensación de seguridad, porque el espectador tiene una situación superior inconsciente. A medida que la película avanza en su trama, el plano de la cámara va descendiendo e inconscientemente, los personajes van creciendo en la pantalla y en nuestro subconsciente. Al final, entre la atmósfera y ese efecto de cámara parece que los actores se ciernen con toda su fuerza sobre nosotros.

Otra medida inteligentísima ha sido modificar las lentes y las distancias focales que se emplean en la película de tal modo que resulta que la habitación, cada vez se hace más pequeña y los actores más grades. Para que entendáis esto, os intentaré decir que si yo pongo un objetivo tele, cogo a los sujetos cerca, pero están lejos y parece que están pegados, por el contrario si pongo un gran angular muy cerca de la persona, la pared en contraposición aparecerá más lejos pues se exagera la distancia entre el primer plano y el fondo.

El director de fotografía era Boris Kaufman, que ya diera muestras de su fotografía incómoda y claustrofóbica en “La ley del silencio”. La verdad es que es una sensación fantástica, realza la disputa entre el jurado nº3 y nº8 es memorable. Y es muy difícil hacer con las cámaras esos efectos en un solo set. Hay una escena muy recordada y que es un símbolo de la película que le viene heredada del teatro. Se produce cuando un jurado va más allá de lo que la dignidad permite y todos los demás se quedan de espaldas gráficamente repudiando las palabras de este. Ese lenguaje corporal está muy presente y suma muchísimo cuando apenas hay otras referencias.

El reparto es excepcional, sólo fue reunido porque era Henry Fonda quien aportaba el capital y creía en el proyecto de llevar al cine. Se apoderó del papel principal e hizo un papelón. La gente tenía la idea que Henry Fonda representaba la bondad, la integridad y los valores más elevados en sus personajes, este es uno de ellos. “Hasta que llegó su hora”, es un caso extraño en la carrera del actor.