HASTA QUE LLEGÓ SU HORA

Estaba destinada a convertirse en la piedra angular de una trilogía que narraría la historia de la violencia en Norteamérica a comienzos del siglo XX.

"El ritmo de la película pretendía crear la sensación de los últimos jadeos que da una persona justo antes de morir. Hasta que llegó su hora era de principio a fin, una danza de muerte. Todos los personajes del film, con la excepción de Claudia Cardinale, son conscientes del hecho de que no llegarán al final con vida"

Esta es la mejor muestra de cine que nos presenta Leone, junto a “Erase una vez América”. Creo que a Leone lo encasillaron muy pronto, sobre todos los puristas y patriotas del cine americano, porque venía a representar la desmitificación y la intoxicación del género western. Además es un género genuinamente americano, ellos sentaban las bases de lo que era un westen.

En cierto modo si dejamos los perjuicios a un lado, Sergio Leone reinventó el género de las películas de vaqueros. El viejo Oeste tenía hombre que luchaban con honor, incluso con cierta caballerosidad. Los malos eran los mafiosos de los pueblos o los scheriff corruptos, o los indios nativos que no eran concebidos en su inmensa mayoría como salvajes y “asaltacarretas”.

La trilogía de los dólares hecha con Eastwood es hasta cierto punto de vista paradógica, porque lanzó al estrellato a Eastwood y le confirió a Leone una aurea de director paródico del género. Pero nada más lejos de la realidad, porque Eastwood, luego de estar ese tiempo con Leone del que aprendió una barbaridad, se reveló como un excelente director de western. No hace falta ver más que el increíble éxito de sin perdón en 1992.

Por su parte Leone disiparía las dudas de todos con esta película, que és enorme, quizás uno de los westerns mejores que ha dado la historia del cine, de un tono elegiaco  descomunal, casi se puede palpar la tragedia griega, los personajes van confluyendo en un único destino que no podía ser otro que la muerte. El cóctel que prepara el director es dinamita pura, potencialmente volátil. Aúna codicia, rabia, ira, venganza, presunción, bondad… ¿Quién no querría ver este espectáculo?

Los famoso planos detalle, sobre todo del rostro y más en concreto de los ojos de los actores son muy útiles para retratar las intenciones de los protagonistas. El caso más claro es el de Henrry Fonda, que en principio Leone no quería contratar. Bueno o sí, es decir, lo quería contratar a toda costa, incluso Fonda rechazó el papel en un primer momento. Leone siguió insistiendo para contratarlo porque como os dije en algún post en el que hablaba de Fonda, (véase 12 HOMBRES SIN PIEDAD o LAS UVAS DE LA IRA publicados en este mismo blog), representaba el prototipo de hombre honrrado. El público al verle diría, ahí esta Henrry Fonda, el hombre más honrrado. Pero quería su participación para que hiciese el papel de uno de los peores villanos de la historia. Quería ese efecto perturbador, casi un shock y de paso mandarle un recadito a esos puristas del western que tanto habían hablado sobre él y el spaghetti western.

El problema emergió cuando Fonda aceptó seducido por poder hacer por fin un digno personaje de canalla con todas las letras. Cogió un avión y se presentó en los estudios de Cinecittà en Roma. La cara de Sergio Leone cambió en cuanto le vió presentarse, de repente, con todas esas canas, Fonda parecía demasiado viejo para interpretar el papel, sobre todo para una escena crucial en la que tenía que aparecer más joven. Donde ajusticiaban al familiar del personaje que interpreta Charles Bronson.
El caso es que mientras pensaba algo como una excusa o cualquier desgracia que pudiese alejar a Fonda de la producción lo envió a vestirse y maquillarse para las pruebas de cámara. La sorpresa fue cuando apareció ya caracterizado y vestido con ese modelo gris y esa suciedad en la cara, de repente infundía miedo sólo con la mirada. Leone pensaría, ¡coño, mira tu por dónde!. Para la escena donde salía más joven utilizarían un tinte para el pelo, porque el cutis estaba igual de sucio y con barba de tres días.

El problema principal era arreglar el personaje de Frank, núcleo por el que circula toda la trama. Aunque hay otro personaje más misterioso por detrás, un empresario ferroviario que contratará a Fonda para hacerse con unos terrenos. El caso es que la construcción del pesonaje de Morton, interpretado por Gabriele Ferzetti (Yo personalmente le llamo el señor Chu-Chú, por lo del tren) es una obra de ingeniería de guión, además muy medido, porque sus defectos físicos dejan a la historia libre de sus aparciones a nos ser deseo expreso del guionista y la historia. Si no habéis visto la película cuando la visionéis os daréis cuenta de que es muy particular e inteligente su incursión en la película.

Como también lo es el personaje de Bronson, Armónica, que además de ser una suerte de narrador, porque la venganza que recorre por toda la película tiene más presencia por sus venas. Pero su forma de actuar es totalmente paradógica y anodina, con lo cual confunde más a la gente y guarda su halo de misticismo que se desvela en el clímax final.
Luego hay dos personajes que equilibran los polos opuestos que son Fonda y Bronson. Uno es el bandido Cheyenne, interpretado por Jason Robards y Jill, la viuda del propietario asesinado recientemente, interpretada por una bellísima Claudia Cardinale.
Cheyenne es un chivo espiatorio para Frank, alguien que necesita para sus planes, porque la verdad es que Cheyenne es un forajido pero con corazón, tiene principios y una cierta sensibilidad que lo llevará a conectar más con Jill. La elegancia de este actor británico es descomunal, su procendencia del teatro le da una solvencia y una presencia tremenda. Fijaos solamente en la entrada de su personaje en escena. Esa elegancia y ese desarrollo natural habla de un gran actor.
Y jill es el vértice del póker de cuatro ases de esta película, lo que no se sabe muy bien, es porque los encargados de la historia, que son tres pesos pesados como Bernardo Bertolucci, Darío Argento y el propio Leone pusieron ahí una única mujer entre tanto ganado masculino. Entendedme, quiero decir, que sí, ha tenido que adaptar su personalidad femenina, y volverse una mujer de armas tomar, una dama de hierro que caracterizan a todas las mujeres que en una época evidentemente machista alzaron su voz para sostener su dignidad. Pero aparentemente, después de la muerte del marido, no le queda mucho por lo que luchar, o almenos no se deja ver más su rol si no es con el pretexto de interaccionar con los otros tres protagonistas, en sus tramas y propósitos, nunca, hasta el final nos preguntamos por los propósitos de Jill, unicamente al final. Para mí es uno de los pocos puntos débiles de la película.

 Estos son todos los personajes, pero lo que poca gente sabe es la idea retorcida que albergaba Sergio Leone en esa mente oscura y genial. La verdad es que el con esta película quería matar simbolicamente el spaghetti western. Su idea era matar el símbolo, con lo que quería contratar a Clint Eastwood, Lee van cleef y Eli Wallach, si os dáis cuenta, son el trío de protagonistas de "El bueno, el feo y el malo" (Il buono, il brutto, il cattivo). Y en la escena inicial caen tres bandidos a manos de Armónica en la estación, esa escena que luego se incluyó, era unicamente para ese propósito, dar muerte al símbolo a los tres minutos de película. Por suerte o por fortuna, Clint Eastwood declinó la oferta, porque pensaba que de alguna manera era negarse a sí mismo. La negativa decepcionó un poco a Leone, porque el había buscado esta opción como una reivindicación como artísta, no director de oficio italiano que hace western violento y bastardo.

El director estaba presionado de alguna manera por la Paramount Pictures, que viendo lo ajustado del presupuesto con el que contaba para la trilogía de los dólares les llenaba las arcas a la productora. Aunque Leone tenía en mente ya otro proyecto que sería "Érase una vez América", que sería una historia de gungsters que narraba la historia violenta de los años 20 y 30. La Paramount picture quería explotar a la gallina de los huevos de oro y dijo que de gungsters nada, otra más del oeste y luego le financiarían la que tenía en mente. 
El duelo final quita el aliento, si quieres ver un clímax elegiaco, un duelo de pistolas como ningún otro, un uno contra uno sin paliativo ni paños calientes, con toda su carga dramática, esta es tu escena y esta tu película. No busques más. Toda la rabia, la sed de venganza, la codicia, se encuentran aquí, en los ojos y las gotas de sudor de los protagonistas frente a frente. No en vano, has esperado tres horas de reloj para llegar aquí, y aquí es donde tienes que vivir, es tu momento, que no te lo arrebate nadie.
Ennio Morricone ofrece la banda sonora de nuevo, pero esta vez su contribución es si cabe más compenetrada con el director. Todos los personajes principales tienen su propio tema (uno de ellos es en realidad un punto de la trama en sí mismo) Este tema se repite desde el principio hasta el final, es la muerte espectante, a cobrar su deuda, su sed de venganza se saciará tarde o temprano.

Usa en alguno de los temas guitarra eléctrica, que para el western de 1968, era un poco atípico, pero le quedó como anillo al dedo, sobre todo en la escena donde se asesina a la família entera. La cámara va rodeando a Fonda mientras se van sucediando las notas de esa melodía maléfica y de repente vemos la cara de Fonda.
En esto uno de sus secuaces dice:

-¿Qué hacemos con éste niño... Frank?
-Ya que has pronunciado mi nombre...

No se puede ser más cabrón, cuando aparece su personaje en escena, y la película sólo acaba de comenzar. Grande, grande. Para todos los amentes del westeren que aún no vieran, se la recomiendo encarecidamente. 

Para finalizar os dejo una batería de perlas. Y el clímax final en Youtube. A D V E R T E N C I A Quien no haya visto la película que se abstenga de ver este video porque lo mejor es verlo con la película para comprender en toda su carga dramatica, la belleza del final de Hasta que llegó su hora.

-Que Dios te tenga en su gloria McBain, aunque tenga que esforzarse para quitarle tu alma al diablo.

"En este trabajo, dos, somos demasiados".

"La gente se asusta fácilmente cuando está muriendose"

SPOILER

http://www.youtube.com/watch?v=6wkG28woS-4&feature=related

BROKEBACK MOUNTAIN

CRÍTICA ESPECIALIZADA

"Brokeback Mountain ha sido definida como un 'western gay', lo cual es una cruel simplificación. Es una historia de un tiempo y un lugar donde dos hombres se ven forzados a negar la única gran pasión que ambos sentirán para siempre. Su tragedia es universal (...) ." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times) 

"Imprescindible e inolvidable película que te alcanza como un disparo en el corazón. Es un hito cinematográfico y un triunfo para Heath Ledger y Jake Gyllenhaal. (...)." (Peter Travers: Rolling Stone)

"Austera, conmovedora y excelente película (…) Lleva el sello del gran cine (...) es ésta una narración inteligente, turbadora y sin trampas, resuelta con arte de primera clase." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

"Narrada con una contención y un extraordinario dominio de las claves de la puesta en escena clásica (....) una hermosa, cálida historia de amor y la denuncia de una moral imperante (...) Y el resultado es, sencillamente, la mejor película americana del año" (M. Torreiro: Diario El País)

"Una de las mejores películas en muchos años. (...) Un trabajo memorable y de tema difícil (...) Ledger, sencillamente colosal" (Antonio Gasset: Días de cine) 

Toda esta retahíla de críticas especializadas tiene la función de ilustrar y poner por delante la calidad de la cinta que se comenta. Hago esto por varias razones, en pirmer lugar, porque creo que es de justicia tratar a una película por su intínseco valor artístico y por su valentía a la hora de tratar temas incómodos, como pueda ser la temática gay. Estoy convencido que con el tiempo será un gran clásico del cine, además de icono cultural de la homosexualidad.

Normalmente no hago críticas de películas con menos de una década de antiguedad, fue uno de los principios que he defendido cuando comencé a escribir en el blog allí por 2008. No he esgrimido las razones, pero podrían resumirse en dos ideas:

Si escribiese críticas de películas actuales tendría que hacer críticas sin contemplar todas las circunstancias en las que se ve envuelta una película.

Otra razón es que con el paso del tiempo, las películas van cambiando, van resistiendo o no el paso del tiempo. A veces incluso, con incomprensión de la gente, como es el caso de "Ciudadano Kane", aunque con la revolución que causó en su momento, tanto en innovación técnica como narrativa en cine, hoy no es calibrada en todo su peso. Hay mucha gente que no entiende porqué es considerada la mejor película del cine americano.

Para mí fueron ideas que me llevaron a tomar la decisión de no escribir por norma sobre películas con menos de una década de antiguedad. Llamádme soso, si queréis.

La razón de esta entrada es una sugerencia de una amiga blogger a raíz de "Memorias de África". Perdonad por la larga introducción.

Creo que lo primero de lo que habría que resaltar de Brokeback Mountain es la valentía de la historia que nos cuentan y de su honestidad, sin intentar maquillajes con tintes manidos ni edulcoraciones que frenasen el hipotético batacazo en taquilla. No es sencillo, para un director como el Taiwanés Ang Lee, aunque ya de sobra experimentado, tener la osadía y valentía de proponerle a los estudios una película tan espinosa como esta. Él venía de hacer un bodrio como el Hulk del 2003, una apuesta comercial que resultó rematadamente nefasta.

De hecho parece que Lee cuando se aleja de lo comercial gana enteros. Pero los estudios quieren lo que quieren y en eso también entra la valentía de arriesgar el capital por una historia que realmente vale la pena.

En una cosa estoy deacuerdo con Roger Ebert, uno de los gurús de esto de la crítica cinematográfica, y es la cruel simplificación a la que fue sometida la película en ciertos sectores. La simplificación de "Western gay", es insultante y demuestra una total ignorancia de lo que es el cine y el Western. El Western es algo más que una historia contada con vaqueros, y la localización es lo de menos. Los grandes Westerns de Ford, Hawks, Vidor, Hattaway, etc... Mostraban grandes historias de amor, de ideales, de superación, en definitiva, que hablaban de la condición humana, de su grandeza y miseria. Sí, claro, si además colocas monument valley en medio, todo luce más espectacular, le confiere a todo un marco más épico.

A mí lo del género tampoco es que me importe, porque realmente, casi que en esta película podría ser definida más como drama que como western. Aunque la ambientación también tiene su importancia en el desarrollo de la historia.  Y... es que la historia de estos dos lobos solitarios, en medio de las montañas, tiene como localización el medio Oeste, quizás la parte más conservadora de los Estados Unidos. Allí donde impera la costumbres y las formas. Donde los vaqueros son hombres y muy hombres, y la homosexualidad se considera o una enfermedad, desviación o pecado.
Ennis del Mar, conoce a Jack Twist en la cola del paro, los dos empiezan por compartir su drama personal. El ambiente opresivo que los redea, no sólo la sociedad, si no también sus propias vidas. La relación suscitada en la montaña, en la que no sólo se unieron carnalmente, si no que provocó unos sentimientos tan fuertes que condenaban sus vidas de casados a una bucólica sucesión de días sin pasión, sólo esperando al encuentro con el otro vaquero.
Hay que reconocer en Ang Lee, que sabe representar esos ambientes axifisiantes que embullen a sus protagonistas. "Tigre y dragón " y "Sentido y sensibilidad".

 

El fenómeno Brokeback Mountain comenzaba a hacerse grande, además de uno de los grandes aciertos del cine independiente de la última década.
Los problemas no tardaron en llegar, en muchos cines de zonas ultraconservadoras, como en Montana, se apartó la película para no ser visionada. Uno de los casos más famosos lo ofreció el porpietario de los Utah Jazz, la franquicia de baloncesto, que retiró la película nada más saber que su trama contaba la relación homosexual de dos vaqueros.
Ahora bien, como sucede en todo este tipo de casos, estas acciones soló fomentan la publicidad gratuíta de la película, que con un mínimo esfuerzo económico en cuanto a campaña publicitaria, estaba igualmente en boca de todos.
 Toda  esta carrera publicitaria de boca a boca encaminó a la película a ser la candidata más clara para arrasar en los premios de la academia. Consiguió ocho nominaciones y tres premios de la academia. Los premiso fueron al apartado de guión, dirección y banda sonora. La sorpresa en la ceremonia fue grandísima, porque se daba posupuesto que sería la galaronada como mejor película. Parte de la crítica especializada no estaría conforme y acusaría a la academia de homófoba e intolerante. 

Yo creo, y siempre lo he creido, que el jurado de la ceremonia de los Oscars, es muy particular, entre otras cosas, porque nacieron la mayoría de ellos antes de que se inventase el cine. (Es broma), pero la mentalidad de los miembros de la academia, yo ya lo he dicho en muchas ocadiones, sin querer evitarlo, es un obstáculo para evaluar el genio artístico. De esta forma, todo lo que sea innovación va a ser tratado con cierta reticencia.
Por todo esto creo que es loable aplaudir a una cinta como Brokeback Mountain que se muestra valiente, no sólo en su planteamiento si no en sus consecuencias. También creo que ha ayudado a cambiar alguna que otra sensibilidad en Hollywood, no sé si por su mensaje o por su recaudación en comparación con el precio de coste.
Todas estas circunstancias empujaron, o incitaron que que en el mercado de los posteriores años apareciesen títulos del corte de "Mi nombre es Harvey Milk". Pienso que ese nuevo mercado le debe bastante a Brokeback Mountain. Diréis que hay cine de este cariz antes que la cinta que cito y yo sólo puedo responder que es verdad, pero así como lo afirmo, también conviene matizar que o era cine que no provenía de Hollywood, o si procedía de Hollywood, no criticaba tan abiertamente los cimientos de la mentalidad etero, sobre todo en un ambiente como el medio oeste y con vaqueros, por antonomasia la antítesis de la homosexualidad.

 De hecho, en esta cinta, se coje el toro por los cuernos y nunca mejor dicho. Lo hace en todo un Western, el género dorado de la academia, esto es algo inadmisible para los puristas americanos, aunque tuvo una acogida incondicional del público en todo el mundo y ha suscitado un subidón de adrenalina en el colectivo gay.
Es bien conocido que hollywood permite jaulas de grillos y comedias llenas de locas estereotipadas, o algún drama con homosexuales en problemas o con una enfermedad terminal, ya que por un lado ofrecen una visión del homosexual que conviene a la moral puritana de la sociedad norteamericana. (hablo en general).
El jurado de la academia ha premiado ese mismo año a Crash, que con ser buena película, llena de valores y muy humana, no llega en mi humilde opinión a rayar a la altura de Brokeback Mountain.
Por muchas razones también es una satisfacción para mí comprobar, como cintas visionarias de la talla de "The rocky horror picture show" en su tiempo, no han podido conseguir un trato digno sin la mofa de ser una obra repleta de locas, ahora puede estar reflejada en Brokeback Mountain.

El plantel de actores es inmejorable, todos rayan a una gran altura, desde los dos vaqueros, sus respectivas mujeres, el jefe, los padres...
Empezando por Anne Hathaway, que me sorprendió gratamente. Yo la había ubicado en comedias románticas, y precisamente borda el papel de chica de papá. Parece que ahora está eligiendo sus papeles de forma más inteligente. Está contratada ya desde hace unos meses para la tercera entrega del hombre murciélago de Christopher Nolan, "The dark Knight rises" como Catwoman, desde luego, será interesante explorar ese papel para ella.
Michelle Williams, que recibió una nominación a los oscars por Brokeback Mountain en calidad de mejor actríz de reparto, ha sabido conducir su carrera emergente y que parece consolidarse. Este año ha recibido una nominación como mejor actriz en la cinta "Blue Velvet", además está en producción un biopic de nada más y nada menos que Marilyn Monroe, que protagoniza encarnando al mito americano. Como podéis comprobar esta chica es una mina.

Jake Gyllenhaal, pese a aprovechar la película para salir en algunos títulos de postín, no ha conseguido consolidarse como su compañero cowboy. Donnie Darko, le catapultó a la fama y con Brokeback Mountain parecía haberse consolidado, pero hace ya unos años que se ha estancado.
Por último en lo que al papel interpretativo se refiere, mentar a Heath Ledger, para mí, lo mejor de la película. Está espectacular en el papel de Ennis del Mar. Muestra los sentimientos a flor de piel y es el más torturado de la pereja, cuando están juntos pues está menos seguro que Jack Twist de sus sentimientos hacia el otro. Mentar también el papelón que tenía con la mujer en la pantalla, ya que también se convirtió en pareja en la vida real. Ha tenido una hija con ella. Me ha apenado mucho su muerte pues creía que podría convertirse en el Brando del futuro.
Como anécdota, que no podía faltar, resatar, que otro actor, Randy Quaid (Independence day), que interpreta a Joe Aguirre, denunció a la productora Focus porque pensó que había sido engañado al firmar un contrato de película independiente. Todo esto, claro, sucedió cuando se enteró que la película había recaudado unos 170 millones de dólares. Parece ser que retiró la denuncia al recibir un extipendio extra, cosa que niega la productora.

SIN PERDON (Unforgiven)

Perteneciente al subgénero de western crepuscular, está considerado como la mejor del género de los últimos 25 años junto con quizás, bailando con lobos. Aunque Sin perdón deja un sabor más cercano al salvaje oeste.El título original era "Unforgiven".

Hai imágenes tan poderosas que crea el cine, que ya no se diluyen.Quien no ha visto a Eastwood enfadado, acordaros de la analogía que hacia de Gran torino y Unforgiven, en la que una mueca incendiada, llena de odio y sed de justicia, nos mira apuntándonos con un rifle. Eastwood siempre tiene ese enlazar escenas de una película a otra, de hecho nunca ha inventado nada nuevo, es como si viviese de revisiones de lo anteriormente visto con Sergio Leone y Don Siegel. Pero si cabe pone de relevancia la importancia de la revisitación de los géneros, ya que, mejora muy mucho el Spaguetti western, no me refiero a "Hasta que llegó su hora", que por supuesto es una obra maestra de Leone, si no a su trilogía de los dólares y demás Spaguettis.

Este western destaca por su madurez, separándose de todo lo anteriormente hecho por este. Los personajes son desgajos que va moldeando el tiempo y el infortunio, heridos por fuera y humillados por dentro, abocados a reverlarse contra la violencia engendrando esa misma violencia. Un círculo furioso y nauseabundo envuelto en una pesadumbre, una gravedad y un peso, poco frecuente. Tratandose de un western se puede decir que traspasa con creces la psicología de sus protagonistas, para dotarlos de sentimientos contradictorios y fallos inconfesables.

Esta atmósfera negra que crea el director y se cierne sobre los protagonistas, a quien los ahoga, no deja que se desarrolle su lógica, que disparen sin preguntar, no aquí tienen que pensar y elegir la opción menos mala. No hay lugar para lamentos, todos funcionan por el principio de acción reacción. Los valores que posee en protagonista distan mucho de los del héroe, más bien es una sombra del pasado que vuelve a saldar su cuenta con la justicia o con aquello que siempre ha vilipendiado.

Se trata de la vida y obra de William Munny, un expistolero retirado que se dedeca a cuidar de los cerdos y sus hijos, y que se miente cuando da por enterrada su época negra. Se trata de la desmitificación del pistolero, y por extensión del Western, a los que se le añade temas y una profundida filosófoca que nunca antes había obstentado.

Los personajes están descritos con caracteres duros y recios, la acción sucede en una región desolada, como en muchas partes de la película impregna a sus personajes. No hay lugar para la vacilación, la brutalidad de Hackman es inenarrable y conduce a todos los personajes a situaciones límites. Confluye todo en la escena donde entra Eastwood, con el rifle en manoy calado el sombrero,  lleno de ira y sed de venganza. La voz de Constantino Romero hace el resto.Una realización maestra.

FRASES

  CLINT EASTWOOD "Bien, ahora voy a salir. No dudaré en matar a quién vea fuera y si alguien se atreve a dispararme, además de matarle a él, mataré a su esposa, a sus amigos y quemaré su maldita casa. Estais avisados".

ALICE "El que permitamos que idiotas malolientes nos monten como caballos no significa que permitamos que nos marquen como caballos. Es posible que solo seamos unas putas pero por dios no somos caballos."

DUELO AL SOL

Bueno amigos, voy a hablar de otra película de excesos y no precisamente del presupuesto. No es que me apetezca especialmente en esta época hablar de filmes e historias rocambolescas, pero hace ya algún tiempo que no pongo ningún western.

Cuando se habla de “Duelo al sol”, normalmente se suele atribuir su factura a King Vidor, pero poca gente sabe que esto es una trola de proporciones considerables, puesto que King Vidor, fue sólo uno más de la alta terna de directores que pasaron por el proyecto. Detrás de todo esto estaba la alargada sombra de David O. Selznick, de la que ya adelanté en anteriores entradas. Este magnate de la industria hollywoodiense, era una persona de fuertes convicciones, y esto le llevaba a actuar de forma tiránica en las producciones, aunque no siempre supusiese la opción más acertada. Hay un caso bastante gráfico, lo ampliaré cuando hable de “Lo que el viento se llevó”, pero puedo adelantar que O. Selznick, en su afán por la perfección empleó tres años solamente para encontrar la pareja de protagonistas ideales. Tres años para conseguir a una terna que por lo demás eran estrellas de la época, esceptuando a la joven Vivian Leigh. Bien, el caso es que las exigencias del productor incentivaron que William Dieterle abandonase el barco nada más subirse a él. Además de él pasaron más personas, casi siempre del círculo cerrado de O. Selznick, directores artísticos de proyectos anteriores, marionetas que el productor podía manejar a su antojo. Luego llegó King Vidor, un director de peso, que podría dar un giro al proyecto, o al menos una dirección fija. Pero las contínuas intromisiones del devandito productor y la insufrible actríz protagonista (Jennifer jones, novia del productor. Hay películas que se hacen por amor al arte y otras por amor a su novia. O. Selznick quería el lucimiento de Jennifer Jones) hicieron que el proyecto llevase otros derroteros con otros sendos directores. Menos mal que Jennifer demostró su talento en la cinta y posteriormente.

Es verdad que la fima de la película la lleva King Vidor, pero yo la califico como película de productor. Como Vidor no se conformó con ser una simple marioneta, O. Selznick se conformó con que la película llevara varias facturas. Eso se nota en ciertas partes del fime, donde los actores no acaban de convencer. Lógico, yo tambíen tendría la mente en otro sitio y no sabría muy bien que hacer cuando cada día que empieza el rodaje me encuntro con un director distinto que quiere una cosa distinta, y además, el director que graba la escena no es el director con quien la habías preparado.

Sin embargo y gracias a Dios, era un gran reparto lleno de estrellas, unas consagradas como Lionel Barrymore, que el pobre ya se había quedado en silla de ruedas también en la realidad, Lilian Gish, diva del cine mudo y fetiche de David wark Griffith, anterior magnate y precursor de la técnica en el cine mudo. Joseph Cotten, que ya se había hecho un nombre trabajando con Orson Welles en Ciudadano Kane y el cuarto mandamiento. También había estrellas emergentes de la talla de Gregory Peck, y la nombrada Jennifer Jones, pero en este último caso, su brillo ha sido efímero.

Las faltas de esta película pivotan alrrededor de los cambios bruscos de ánimo de los protagonistas, y de situaciones que en determinado contexto no tienen una réplica emocional adecuada, fruto del devenir del proyecto. Pero hay más, esta forma barroca de comportamiento, este tormento que sufren los protagonistas ya estaba implícito en el guión original, y se usó por usar una fotografía recargada, con colores muy dominantes que hagan aflorar los sentimientos más recargados. El problema viene cuando a los sucesivos directores no tienen la oportunidad de cambiar el negativo con el que se rueda la película, con lo que siguieron más o menos la misma línea hecha pro “O.Selznick”.

Para dar una idea más apropiada de David O. Selznick, basta con decir que este era un proyecto anterior que tení la RKO, sólo les faltaba una actríz de rasgos hispanos para acometer el papel de Perla, así que la RKO, le pidió al productor a Jennifer Jones. O Selznick leyó el guión y se hizo con los derechos de la película para manejarla a su antojo. El hecho de que un productor solamente le disputara un proyecto con una productora entera, o se lo comprara, me da igual, solo por complacer a su novia, os da una idea de la influencia que ejercía este hombre en la industria.

BAILANDO CON LOBOS

Es para mí, la confirmación de que no hay escritas reglas sobre el cine. Sigue la estructura del subgénero de western crepuscular, pero conjuga tanta belleza lírica y poética que te sumerge en una aventura, no en el sentimiento condescendiente con este tipo de películas.

Tampoco es normal que el director de esta película ganadora de siete estatuillas fuese un primerizo en la silla como lo fue Kevin Costner. Aún así, dejó a todos atónitos y estupefactos al ver aquella maravilla, aquella oda a la naturaleza y el desarrollo sostenible, que eran temas candentes en aquel entonces.

Aún cuando sopesamos el inmenso metraje del que consta, no desmerece ninguno de sus fotogramas. Es una obra que aúna calidad y belleza. Incluso la versión posterior al estreno que consta de 236 minutos ofrece unos matices a la cinta pero sin desgastar las tres horas que ya duraba de por sí anteriormente.

Junto a Dumbar (Costner), vamos descubriendo un nuevo mundo para él, inexplorado. Nos topamos con una riqueza, con un tesoro de valiosísima cuantía en la piel de aquellos siux. Dumbar cae en la cuenta que, en ocasiones, vale la pena dar la vida por defender un modo de vida contra la barbarie del hombre blanco.

Bailando con lobos es la historia del amor al prójimo como norma de comportamiento. El altruismo entre los humanos que es golpeado una y otra vez por la parte más feroz y desgarradora de la psique de los hombres. Es la historia que nos dice que poseemos algo especial e intentamos destruirlo por pura grosería, por puro egoísmo. Muchas veces, esto ocurre por las manipulaciones y argumentos que de unos pocos, tan pocos que sería un insulto darles cualquier tipo de protagonismo.

Esta cinta es una lucha, una denuncia contra la pérdida paulatina de nuestra capacidad humana y humanizadota.

Como resultado del visionado, hincharás el pecho en señal de satisfacción, por descubrir que aún no estamos totalmente perdidos y aún hay valores por los que merece la pena vivir, … y si es el caso, morir.

La cinta refleja una realidad histórica. Es conocido que los indios eran poco menos considerados que salvajes animales sin principios, que sobrevivían robando como cualquier coyote carroñero. Pero el hombre blanco no fue menos salvaje a la hora de erradicar de las praderas norteamericanas a esta civilización milenaria.

A veces, cuando queremos crear un mundo más globalizado, resulta que estamos perdiendo algo de nuestra historia, costumbres, y en definitiva, estamos perdiendo algo de nuestra esencia.

Capítulo aparte merece la banda sonora de John Barry, por su excepcional factura, y que es un especialista en ambientar lugares y situaciones exóticas o fuera de lo normal, el otro ejemplo más claro, fue Memorias de África.

“El último samurai”, guarda muchos paralelismos con “Bailando con lobos” y aún así, no le llega a la suela de los zapatos। Estoy hasta el gorro de que Hollywood haga revisitaciones a películas, cambien el decorado y la ambientación y nos vendan un producto con envoltorio de oro pero de calidad más que dudosa y una originalidad que brilla por su ausencia।