DESAYUNO CON DIAMANTES

En marzo posteé la el musical de West side story, porque entre otras cosas celebraba su cincuenta aniversario, y también con motivo de esta celebración me parece oportuno hablar de  Desayuno con diamantes, este año que se celebra también su cincuentenario.

Esta cinta, conviene discernir que es ya un mito de Hollywood, aunque para algunos tenga algunas carencias, se ha sabido mantener en el ideario colectivo del público durante muchísimos años.

Aunque el guión es bueno, da la ligera impresión de que no deja una gran impronta, es decir, no impacta. Los acontecimientos se van encadenando sin muchos altos y bajos hasta el final. Esto obedece a que la adaptación cinematográfica hecha de la novela de Truman Capote, se edulcora un poco respecto a la acidez del mismo Capote, que en esto era un maestro.

Juzgo por lo demás innecesario hablar de las deficiencias del guión, en cuanto a que se huele a una milla de distancia lo edulcorado del amor burgués, que sólo conectará existencialmente con aquellas personas que comulgan con esa idea de amor maniqueista.

Quiero que sepáis, que aunque yo he dicho esto, considero que es también uno de sus grandes atractivos, me refiero a que en aquella época dorada de Hollywood, donde imperaba el star system y las historias gozaban de un alto grado de maniqueo, esta película se convirtió en un icono de entender la vida, para un sector de la sociedad americana. Además es tan ideal, que muchas veces oculta la frustración del sueño americano. Por otro lado también queda ocultada la mordaz cruel visión de una vida que se va a la mierda, por la prostitución, aunque sea de alto standing y  Audrey Hepburn con su porte angelical nos lleve a una ñoña y cándida visión de la protagonista.

En esto infiero que es más que una película, en realidad es una estética. Creo que en estos términos definiría el porqué de una fábula que responde a una necesidad de vivir por encima de nuestras posibilidades, también lo considero un reflejo de la nueva sociedad que surgiría en nuestro tiempo.

Hablar de su puesta en escena es espectacular, en el sentido del estereotipo y convencionalismo de sus personajes que en algún caso se exageran y caricaturizan, dejadme pensar que apropósito, para conseguir ese tono onírico. Por poner un ejemplo, el millonario brasileño, que además es medio español y banderillero para más inri.

Todo esto me sirve para volver sobre mis pasos y redimir al guionista, porque en realidad los verdaderos fallos de guión no son tales, está contada deliberadamente de esta forma. Y Blake Edwards, un genio del cine de humor también lo ha dejado así, porque estoy seguro de que si intentase hacer una comedia pura, saldrían gags mejores.

No es que quiera jugar con vosotros, pero os hice dar esta vuelta para entender mi posicionamiento delante de la película.

Como prenda de lo imperecedero siempre quedará en nuestra memoria la genial banda sonora hecha para la ocasión por Henri Mancini, del que destaca el tema "Moon river", tema que se pretendió doblar debido a que las dotes para el canto de la protagonista, no eran las mejore. Gracias a Dios, y en esto coincido con todo el mundo, es que al final no la doblaron y ha dejado un sabor más íntimo. Además, conecta con lo humano.

Además de la obra en sí, se traiciona a Capote en la actriz protagonista, porque Capote era de la idea de que Marilyn Monroe fuese la protagonista. Además por aquel entonces era la idea que se vendía de Marilyn, el lujo.” Un diamante para otro diamante”. Pero cuando la Paramount preguntó por su situación a la Fox, propietaria de su contrato en exclusividad, esta dijo que Marilyn era innegociable. La verdad es que la actriz quería hacer el papel, pero su contrato le impedía por motivos de imagen hacer el papel de prostituta.

Quizás Norma, nombre real de Marilyn, lo haría de maravilla, de hecho, pensando en ella, se me ocurre, que la inocencia unida con la picardía es su personaje fuerte, donde ella muestra todo su potencial y sensualidad, pero por otra parte, también llego a la conclusión de que los estudios explotarían la parte más lujuriosa de la actriz, y el personaje adquiriría un cariz menos glamuroso, y todo aquello por lo que hoy es conocida la cinta se vendría abajo.

Quizás, ahora, con el tiempo, podemos contemplar más acertada la elección de Audrey Hepburn. Una actriz por aquel entonces muy conocida por otros papeles, pero que por concepción se anteponían a este personaje de prostituta. En cambio, con el tono que le concedió Blake Edwards, la fragilidad del personaje elevaría al personaje a la categoría de mito.

El trabajo de Audrey Hepburn en este sentido es sensacional, porque entre otras cosas, ni ella misma se veía con capacidad para interpretar algo tan diferente de sus roles habituales en el cine. Además ella alegaba no tener mucha experiencia de haber alternado con el sexo masculino.

Ella llega a decir lo siguiente:

"No me parecía en nada a ella, pero sentía que podía ser Holly. Sabía que el personaje supondría un desafío y deseaba hacerlo. Siempre me pregunto si puse mucho en ese papel, tal vez debería haber sido un poco mas terrible. Pero en aquella época en que acababa de ser madre primeriza, eso era todo lo insensata que podía ser. Si hubiera sido una actriz del método....pero lo cierto es que no creía en el método, creía en un buen reparto. Y aún hoy no estoy completamente convencida de mi Holly.... es demasiado opuesta a mí.  El personaje creo que hubiera requerido a alguien extrovertido, yo soy introvertida".

Otra de los items a resaltar en Audrey, no es ella misma, si no el envoltorio con el que fue adornada su figura. Un lujo de los diseñadores de Givenchy, que fue elegido y continúa siendo el mejor vestido de la historia del cine, ahí es nada. Todos estos elementos ayudaron a configurar la idea del mito, un personje inundado de sofisticación, indeleble. Una imagen que no se volvería a repetir.

La película estuvo nominada para un total de cinco Oscars. Obtuvo los correspondientes a la mejor banda sonora para Henry Mancini y a la mejor canción. El oscar a la mejor actriz se lo llevó Sofía Loren ese años por "Dos mujeres", otro papelón en otro peliculón.

En resumen, para los amantes del cine, no es que Desayuno con diamantes sea una película impecable, pero se considera a este trabajo más que una película. Por eso quedará grabado siempre en nuestras mentes y corazones.

LA VIDA DE BRIAN

"Apostasía bíblica" (Ramón F. Reboiras: Cinemanía)

Por aquellas cosas que pasan, por si las moscas, mencionar que los artífices de esta cinta son los Monthy pyton, un grupo de humoristas ingleses que utilizaban las situaciones subrrealistas para parodiar la realidad y que se hicieron archifamosos con su show para la BBC británica titulado Monty Python's Flying Circus (El Circo Ambulante de Monty Python). El programa televisivo duró seis años, posteriormente se unieron para hacer películas como la que nos ocupa. Además, juntos todos hiceron "El sentido de la vida", "Se armó la gorda" y "Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores". Después de esto siguieron sus exitosas carreras por separado uniéndose unicamente cuando se conmemora una efeméride del show televisivo. Los integrantes del grupo son:

 Eric Idle,  Michael Palin, John Cleese, Terry Gilliam,  Terry Jones y Graham Chapman.

La vida de Brian es sin duda una de las mejores comedias de todos los tiempos. Es el evangelio según San Monty Python. La parodia sobre Jesús de Nazaret más famosa de la historia del cine. Ah, perdón, es que solo hay esta. Claro, y después del resultado a ver quien es el valiente que se atreve a superarlo.

Hay que dejar claro y por sentado que esta no es una parodia para mofarse de Jesús de Nazaret, si no que coge como premisa argumental la vida de este y la satiriza en la vida de otro "peatón del mar muerto". Digamos que los Monty Python eligieron ya esa forma de actuar en su segundo largometraje, "Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores", adaptando la temática artúrica. Ellos se explican diciendo que era más fácil cogiendo un tema por todos de sobra conocido y parodiarlo, o como el caso de la película que nos ocupa, un personje conocido mundialmente, y que mejor exponente que Jesús. Aunque ellos dicen que Jesús era un tio legal y se ensañaron con un vecino medio tonto al que pusieron en la misma tesitura que a Jesús de Nazaret.

 Ellos documentandose, después de haber decidido el tema para la nueva película, leyeron los evangelios y concluyeron que Jesús no era el objetivo, si no más bien lo que queda de él en la religión. Ellos dicen que para parodiar a Jesús muchas veces ya se basta y se sobra la religión que practicamos. Uno de ellos concluyó: "Nosotros no tenemos ningún problema con el Sr. Cristo".

Hay una escena en la que aparece Jesús de Nazaret de soslayo, es en el sermón de la montaña, el de las bienaventuranzas. No se pone en duda las palabras de Jesús, en todo caso la interpretación que se hace de ellas. 

Un ejemplo del sermón de la montaña y unos expectadores que seguían las palabras de Jesús:

Espectador de Jesucristo: Creo que ha dicho

"Bienaventurados los queseros".

Espectadora: ¿Por qué precisamente los queseros?

Marido de la espectadora: Hombre, no hay que tomarlo

literalmente, se refiere a todos los fabricantes de productos lácteos".

Pero es que si hablamos de sátira  y parodia ensañandose, tenemos que hablar más de parodia religiosa y política que de parodia del propio Jesús.

La sátira política de esta película no tiene parangón. Representa una sociedad, con unos partidos políticos que pese a los nombres más dispares y los objetivos más dispares todos quieren el poder. Y luchan hasta el último suspiro en post de la victoria. Pero cuando el tema es reunirse y acordar soluciones o pactos sólo dicen tonterías una tras otras sin hacer nada.

Y todo esto sin mentar a los gobernantes ineptos que están en el poder y de su amigo "Pijus magníficus" y su loable esposa "Incontinencia suma".

También hace una mordaz crítca para poner de relevancia la impotencia que se siente al no poder defender los derechos de la persona, con uno de los diálogos que me parece más brillantes de la película:

Yo quiero ser madre.
- Pero... eso es imposible. Eres un hombre, no tienes matriz.
- ¡No me oprimas!
- Está bien, lucharemos también por defender tu legítimo derecho a querer ser madre aunque sea físicamente imposible.
- ¿De qué sirve defender su derecho a ser madre sino puede parir?
-Es un símbolo de nuestra lucha contra la opresión.
-...Es un símbolo de su lucha contra la realidad.

Lo mejor de estos gags, o escenas es que se concentran, como dice John Chesse, en la escena de la sandalia y la calabaza, la historia de la religión. Estamos hablando siempre en un sentido paródico, en el que como bien sabemos, nos permitimos el criticar errores y defectos de la religión, tales como el fanatismo y las doctrinas un poco subrrealistas. En ese sentido se integran la escena de los profetas, como hoy en día, los profetas de los medios de comunicación, los profetas políticos de la crisis económica, etc... que también hay fanatismos políticos. Otra de las escenas críticas con ciertas prácticas ambiguas de la iglesia es la del ex-leproso.

Como podréis advertir aquí no resiste nadie la vena irónica de los Monty python.

Pero a los esfuerzos incansables de sus autores, la película tenía una censura durísima por parte de grupos católicos ultraconservadores, la hostilidad era abierta e intentaron con cierto éxito que se prohibiera su distribucion en ciertas zonas e incluso se censurara en algunos paises. Y es que produjo tanto malestar como la posteror "La última tentación de cristo".

En referencia a la censura, la película ha tenido sus anecdotas, como por ejemplo en Italia, que se estrenó en el año 90 sin mencionar que se había estrenado en el 79 en el resto del mundo.

En Suecia no desaprovecharon la ocasión para poner en el cartel: "Es una película tan divertida, que la han prohibido en Noruega".

Lo mejor, es... y estas son las anécdotas que me gustan, es que la compañía EMI, que estába produciendo la película, un valor seguro porque se trataba de los famosos Monty Python, dejó de hacerlo tras ver el carácter tremendamente irreverente del guión que le presentaron. George Harrison, componente de los Beatles era un fan incondicional, y produjo la película sólo por volver a ver otra de sus creaciones. Al final, la apuesta salío bien, porque el filme hoy en día es un clásico moderno y un icono mundial que les ha reportado ingentes beneficios.

Uno de los proyectos iniciales era haer que  Brian fuese una especie de apostol número trece, que siempre llegaba tarde a los milagros, con lo cual era un poco susceptible con la figura de Jesús. La vena de la crítica política iría porque todo estaba lleno de promesas.

Al final se desechó esta idea, y poca gente lo sabe. La explicación de Chesse hace referencia a que la interpelación de Jesús es un coñazo, siempre es mesurada, inteligente sutil, no tiene todos los resortes de la buena comedia, ni tampoco las cualidades de sus personajes, tales como la envidia, la codicia, la lujuria, la estupidez. Terminó diciendo que la gracia era de Dios no de Jesús.

El rodaje se produjo casi enteramente en Tunez porque quería recrear el Jesús de Nazaret de Franco Zeffirelli. Pero digamos que las comodidades tunecinas agudizaron la vena sarcástica de los miembros del equipo.

Otro de los problemas de la localización en Túnez, fue el hecho de que la mayoría de los extras eran mujeres musulmanas tenían prohibido por el corán, ver los genitales al descubierto de otros hombres. De este episodio recuerda Chapman, que estando preparado para la escena donde salía desnudo, salió abriendo las persianas y todas las mujeres salieron gritando, el dijo que este hecho  provocó un efecto perturbador en su Psique y rebajó su autoestima (Declaraciones que hizo en plan coña).

No pasa el tiempo por ella, cosa extraña tratándose de este género. Aunque el humor de los Monty Python no se basa en las modas ni tampoco en ciertos mecanismos preconcebidos. si no, simple y llanamente, una parodia de la realidad con un punto subrrealista que lo aleja de todo convencionalismo, no se marchita con el tiempo.

CON FALDAS Y A LOCO (Some like it hot)

Bueno, pues yo creo que estamos ante un clásico entre los clásicos , la comedia americana por antonomasia. Es difícil que yo escriba algo más sugerente que otros para animar al personal a ver esta película. Estoy seguro  que la inmensa mayoría o ha visto la película o ha oído hablar de ella. Se me ha ocurrido escribir sobre “Con faldas y a lo loco ” por hacer un homenaje a Tony Curtis, muerto el año pasado.

La cinta es una adaptación de una película alemana “Fanfarria de amor” de la que coge la idea principal del travestismo. Además es un homenaje a todo el cine negro clásico, en efecto está ambientada en la época de la ley seca americana, finales de los años 20, antes del crack de la bolsa del 29. De hecho, la matanza a la  que se hace referencia es la de San Valentín, acaecída en realidad. 

Por empezar de alguna manera, lo haré por Billy Wilder, sino el mejor director de su generación  en lo que a comedia se refiere sí es el que más talento atesora. Ya tenéis varios apuntes de este director en post anteriores como “El crepúsculo de los dioses”. Ya sabemos cómo se las gastaba el bueno de Billy, en  esta entrega veremos cómo se las ve y desea con Marilyn Monroe, a la que pone a caer de un burro por una parte y por la otra, bueno…, por la otra también. Para él resultaba insoportable. Aunque en el fondo la quería. Sabía que era una de estas muñecas rotas que suele fabricar Hollywood. Sabía que era pupila de Lee Strasberg, o al menos iba siempre acompañada de la mujer de este y en cada toma Marilyn le pedía la opinión. Eran íntimas amigas, pero esto exasperaba a Billy Wilder, con lo que un día cansado de tanta tontería, en vez de ser Marilyn la que pregunta, se adelanta este con voz socarrona y aguda, en un tono cabrón “Ha estado bien, miss Strasberg”.

Hay que perdonarle estos pequeños deslices al maestro, puesto que también nosotros nos beneficiamos de ese arranque de acidez y humor negro. Hay más desplantes, pero los contaré más adelante, porque Marilyn Monroe es un mito, una sex-symbol, pero tela, tela, lo que le costaban algunas escenas. Se puede achacar a que por esta época estaba embarazada de Arthur Miller, por eso han tenido que retocar los carteles promocionales, con tal de no denotar la ya incipiente tripa de la actriz. Al final, Marilyn perdió el hijo. Por eso digo, que a veces estas muñecas rotas de Hollywood no tienen una vida tan placentera como desearía cualquiera de nosotros.

El Vienés, Wilder, venía de hacer una serie de películas dramáticas que nos quitaron el aliento y  junto a A.I. Diamond formó un dúo que no ha tenido parangón en la historia del cine a la hora de la elaboración de guiones para películas. Para esta película han usado un humor muy negro, aunque hoy en día no se estila el humor de los años cincuenta, te partes el culo igual, da lo mimo que la hubieses visto diez veces, aún hoy te caes de la silla. Con todos es una película que se codifica bajo la pícara mirada sexual de estos años y hoy ya no se estila. Hoy resultaría vulgar referirse al tema en esos términos.

Los diálogos son electrizantes, desde la presentación de Sugar Kane, el personaje de Monroe, donde Tony Curtis y Jack Lemon hablan del sexo femenino mirando para las piernas de Marilyn que avanzan por el andén con un ritmo muy particular del que Jack Lemon solo acierta a decir – ¡Mira eso!, mira como se mueve. Parece gelatina montada sobre muelles. Como si tuviera un motorcito interno o algo parecido. Es otro sexo completamente distinto -. Después de todo esto, un malintencionado vapor de tren hace estremecer y parar el ritmo del motorcillo.

Es que Paula Strasberg la había enseñado bien, y en pantalla Marilyn aparece espectacular, pero por detrás todo fueron disgustos, mal humor, retrasos. Para empezar Marilyn tenía una escena en el tren con Tony curtis, en la que estaban picando hielo, y tenía que decir una frase que estaba escrita en uno de los cajones que tenía que abrir para coger ropa, con lo cual quedaba perfectamente disimulado. Pues nada, la chica tenía que repetir la escena 59 veces… y no os perdáis cuál era la frasecita, cito textualmente “¿Dónde está el bourbon?”. Otra de sus perlas eran los retrasos, normalmente llegaba a los estudios no menos de dos horas tarde todos los días, a lo que Wilder en un principio montaba un circo, luego ya pasó del asunto directamente. Un día declaró que la actriz solía retrasarse y que ahora la llamaba en Mayo y aparecía en Septiembre. Harto de su tardanza un día le recriminó el hecho y Marilyn se excusó diciendo que se perdió de camino a los estudios. Wilder montó en cólera, - siete años viniendo a los estudios y me quiere hacer comulgar con que se ha perdido, menuda trola – Luego fue peor, porque supo que no le había mentido. Con razón Tony Curtis decía que era una mujer encerrada en un cuerpo de diosa y una mente de una niña de cuatro años.
Que nadie piense que este post sirve para poner a caer de un burro a Marilyn Monroe, me apoyo en datos verídicos vertidos de las anécdotas del gran libro amarillo de Some like it hot. Marilyn, cuidado, que ha sido una niña víctima de abusos sexuales, nunca ha tenido una vida fácil, para empezar perdió a sus padres a una edad muy temprana y siempre ha tenido problemas. Para superar todas esas adversidades hay que tener algo. Para mí es una mujer y una figura admirable. Pero bueno, igual la memorización no era lo suyo, que se le va a hacer.

Con todo, pese a lo mal que lo pudiera pasar Marilyn con el guión, es una obra de arte, de orfebrería cuasi perfecta. Todo en el es aprovechable, desde las mayores mentiras y excusas hasta las mayores casualidades. Me explico, Dos músicos sin trabajo, necesitan ir de viaje y van a alquilar un coche, es la premisa ideal para encontrarse con una matanza en medio de un garaje. Se tienen que camuflar de manera que los gansters no los pudiesen reconocer en la vida, así que se enrolan en una orquesta femenina. De esa forma ya tenemos justificado tocar el tema del travestismo sin miedo a la censura.

Lo bueno que tenía este dúo, me refiero a Wilder y Diamond, es que no dejaban cabos sueltos, no dejaban nada para el azar. Una de las anécdotas más famosas de la película tiene que ver con el guión y el final de la película. Diamond y Wilder trabajaban continuamente depurando el guión… y hasta que no encontraban el giro genial no descansaban. Paradójicamente, la frase más famosa de la película “Well, nobody is perfect” (Bueno, nadie es perfecto) fue la frase que dejaron porque no se les había ocurrido en el tiempo de rodaje otra mejor.

Jack Lemon entró en la producción de rebote, imaginad la película sin Jack Lemon. Pues es verdad, en un principio el papel fue ofrecido a Jerry Lewis, que lo rechazó por el carácter homosexual encubierto de los protagonistas. Desde entonces, cuando se cumple el aniversario de la película, Jerry Lewis, recibía religiosamente en su casa una caja de bombones en agradecimiento por rechazar el papel, firmado Jack Lemon. Jack Lemon comienza con esta película su época de plenitud, se coloca en la cima de su carrera, luego hará "El apartamento", "Días de vino y rosa", con las que se consagraría como actor de comedia, aunque era un fenomenal actor dramático, lo demostró en "Missing". Generalmente, los buenos actores dramáticos, no tienen porque ser buenos actores cómicos, en cambio los buenos actores cómicos son buenos en el drama. Hoy nadie discutiría el protagonismo de Lenon y su magnifica compenetración, pero entonces llevaba las de perder con Lewis. Hoy, mirado desde otro punto de vista, diríamos que Jack Lemon le imparte unas clases de interpretación a Lewis.

Tony Curtis,  es quizás, del trío protagonista,  el que menos se ha mitificado después de tanto tiempo, pero la verdad es que está impresionante. Debemos caer en la cuenta de que antes de él se buscó para el papel a Gary Grant y a Frank Sinatra, más que nada porque en etapas de la película tiene que dar el toque señorial y de gentelman. Pese a su relativa juventud, supo llevar a la perfección el rol de vividor a costa de una pobre doncella impedida en sus brazos como era Sugar Kane (Marilyn Monroe). Mantener el típo con ese monumento delante, aunque para ser justos, con las veces que Marylin tenía que repetir las tomas tuvo tiempo de ensayar y ensayar. Otra de las peculiaridades del personaje que ha tenido que afrontar Tony Curtis, es el hecho de que no doblaba personaje, sino que lo tripicaba al meter por medio al multimillonario playboy hijo del imperio de la petrolera Shell. Hay una frase imperecedera, fruto de la genialidad del dúo de guionistas que hace referencia a la astucia del personaje, se produce cuando Sugar Kane dice "No podré olvidarte, a cada sitio que voy, veo una Shell".
Tony tambié ha tenido problemas con Marilyn Monroe, a saber de muchas escenas en las que ha tenido que soportar un suplicio porque  ella no estaba en el punto justo y el se desesperaba al tener que clavar todas las escenas. La más conflictiva fue la del beso en el barco, en la velada nocturna, cada vez que la repatían a Curtis se le empañaban las gafas como es natural, pero el que es actor sabe que en cada toma tiene que olvidarse de eso de manera consciente y... la verdad, yo comprendo a Curtis, devió de ser un suplicio. El mismo  Curtis llegó a declarar que "besar a Marilyn era como besar a Hitler". Posteriormente desmintió que el huviera dicho tal cosa.

Tony Curtis y Jack Lemon tenían un ligero problema de maquillaje, aparecían verdes en las pruebas de cámara cuando aún se pensaba hacer la película en color, la razón era la excesiva cantidad de polvo que llevaban para tapar en la medida de lo posible sus facciones masculinas. Wilder, espantado por el resultado, se apresuró en cambiar la producción a blanco y negro. El único escollo a salvar era el de Marylin Monroe, que tenía un contrato con la Fox en el que se especificaba que todos  las producciones de la actriz deberían de ser en color, en caso contrario, la actriz tendría la potestad de rehusar aparecer en la película. Finalmente, Billy Wilder logró convencerla porque le dijo que en blanco y negro con esos vestidos iba a quedar espectacular en pantalla, como las grandes divas del Hollywood clásico. Marylin aceptó.

Apropósito del vestuario, Marilyn apareció con unos vestidos ligeros de tela, una circunstancia extraña para la época. Lo cierto es que lució como nunca en pantalla. Hay una anécdota, donde el encargado de vestuario, le toma las medidas de la cintura para el vestido y le susurra al oído a Marylin que Tony Curtis tenía un culito más fino que ella. Ella, airada, se da la vuelta se desabrocha la blusa y le responde: “Él no tiene unas tetas como estas”.

Ya veis amigos no lo podemos tener todo. Como diría Jack Lemon, “Bueno, nadie es perfecto”.

EL MAQUINISTA DE LA GENERAL (The general)

The general, así reza el título de esta óbra incólume del séptimo arte. Pocas veces, una película alcanzará mayor repercusión mediática. Keaton estaba en la cresta de la ola, incluso, salía ganando en las comparaciones con chaplin. Keaton era capaz de hacer películas más movidas e igualmente cómicas. Es curioso, pese a lo que podáis pensar, la historia ha tratado peor a Buster Keaton que a Charles Chaplin, pues lo ha herido en su orgullo de artista.
Buster Keaton, digamos que era en aquella ocasión, si no el mejor, uno de los tres mejores de la historia en destrezas físicas para el cine. Hay mucha gente que poco o nada sabe de la vida de este fenómeno. Su padrino en esto del espectáculo fue ni más ni menos que el gran mago Harry Houdini. Houdini trabajaba en la misma compañía que los padres de Keaton, con todo, de pequeño, Keaton destrozaba todo, aprendiendo las destrezas, con lo cual le quedó el apodo de "Buster" (El que revienta todo). Su nombre real era Joseph Francis Keaton. En España siempre lo conoceremos como "El pamplinas".
Buster Keaton comenzó en teatro, porque el circo era muy duro, y poco a poco fue interesandose por la incipiente industria del cine. Para comenzar y aprender, se unió a la compañía de Fatty, como chaval que hacía acrobacias y demas, los comienzos nunca fueron buenos. Fatty se fijó en él por sus impresionantes habilidades e hizo incluso alguna vez pareja cómica.

Buster Keaton era un realizador de cine mudo, excepcional, mucho mejor que chaplin, con una expresivida mayor, e inclusmo más sentido clown que el propio Chaplin. También es verdad que a Keaton le importaban menos los aspectos culturales, es decir, primaba el humor antes que las lecturas sociales. No digo que no las tuviera, que las tenía, pero que en contraposición con Chaplin, eran mucho menores. Siempre se dijo que Keaton era más prosaico y Chaplin más lírico... y en cierto modo es verdad, pero los dos muy cómicos a su manera. Keaton siempre mantenía su rostro impertérrito ante los que sucediera, parecía bobo en comparación a los demás, con lo que la sensación era cómica. También por eso lo llamaron cara de palo o piedra, como en su época lo hicieron con Charlton Heston.

Pero, luego las destrezas, piruetas y cabriolas, en el cine mudo no servían para entretener, fue perdiendo paulatinamente la atención del público hiteresado en ver historias más profundas. No quiso o no supo adaptarse al cine sonoro, podría ir a clases de dicción, etc... pero se conformó con explotar sus habilidades en locales de segunda, en bolos que en defenitiva le quitaron poder adquisitivo, le provocaron problemas familiares y una larga afiliación al alcohol. Lo  pagó con creces, tenéis estos enlaces a entradas que hablan un poco de él, para no repetirme en esto y que podáis cumplimentar información.

 /candilejas/

/El crepúsculo de los dioses/ 

Como ya dije antes, la premisa es bien sencilla porque en realidad no importa la historia sino, más bien, cómo se desarrolla.  Estamos en medio de la guerra y nos encontramos con Keaton, que es un maquinista que tiene dos amores, Anabel Lee, como la canción de Radio Futura, y su locomotora. Muchas veces hay la ironía de pensar que a la hora de elegir, Keaton se quedaría con la locomotora y no con la novia secuestrada.

En esta cinta, Keaton explota mucho del Clown. Personaje al que po lo general le salen mal las empresas que acomete. De hecho, la novia lo desprecia por cobarde, por no alistarse para la guerra, pero es que le ordenaron que siguiese de maquinista por su utilidad.
Lo cómico es que raptan a un mismo tiempo novia y locomotora. Por eso surge la duda de su primer amor, entre cabriolas y otras destrezas cómicas, va superando las situaciones más enbarazosas.
Hoy en día, es una de las joyas del séptimo arte, pero en su época supuso que Buster Keaton dijese adíos a su independencia de los estudios. La verdad es que parece irónico que la película que se presenta como un paradigama del género de Humor mudo, en cuanto a que es ya un largometraje, por aquel entonces resultó un fracaso de taquilla. Para más inri, está incluida en las 100 mejores películas de la historia según el instituto americano del cine. (AFI).

Es comprensible el enfado posterior de los que habían puesto el dinero, ya que se habia gastado mucho para que Keaton tuviera los modelos de locomotora que exigía para rodar, ya que las locomotoras reales en las que pensaron en un principio, estaban alojadas en sendos museos y no se podían tocar. Estaban detrás los excombatientes, para que no utilizasen para el cine.
No sé si tenían razón, pero rodando, una de las locomotoras sufrió un accidente y quemaron un poquiiii.....iiiito de bosque.
Por otro lado es muy encomiable que Buster Keaton rodara todas las escenas de acción sin especialestas, ya que hoy eso sería imposible por contrato.
La planificación de la película fue minuciosa, de hecho la duración de la grabación de las películas de Buster Keaton era de alrrededor de dos meses, pero esta, duró casi cuatro. Por poner un ejemplo, las locomotorea que encargaron, tenían que ser identicas que las usadas en la época de la guerra, no en vano, Keaton era un aficionado del ferrocarril.

Lo peor, es que Buster Keaton quería ser tan fiel a la realidad, que se gastó más de un millón y medio de dólares, que de aquella época era una auténtica millonada, en que el tren cayese al río. Lo que ocurre, para entender bien la inversión titánica que suponía gastarse ese milloncejo y medio, es que los medios técnicos de la época necesitaban una precisón milimétrica, y lo peor, ... Toma única. Fijaos, que los extras alrrededor no estaban avisados y se quedaron flipados. La locomotora, se quedó allí, no la quitaron. La quitó el gobierno, para hacer chatarra militar en la segunda guerra mundial.
El claro desenlace fue que ningún estudio le permitió hacer nunca más estas excentricidades y su carrera cayo en picado. Descubrió el lado amargo de Hollywood. 


P.D: Para entender mejor este post. Os recomendaría ir a los enlaces en medio de él, porque añade información de Keaton en referencia a otras películas en que participó. Es muy reveladora, para entender en su totalidad la vida de este genio.


Aquí podréis ver la película de forma gratuita.

http://www.youtube.com/watch?v=1b24wqhy0Zo

TRAINSPOTTING

Una de las películas más polémicas y comentada de los noventa. Ofrece una imagen de Edimburgo y de la adicción a la heroina que nunca ha sido igualada.

La cambiante fortuna de Renton, Spud, Tommy, Begbie, Sickboy y Diane nos lleva por el triunfo y la tragedia, y de ésta a lo que podría ser el golpe de su vida: dos kilos de su vieja amiga, y alguien que quiere comprarlos...

Este film obtuvo un importante éxito de taquilla, tanto por su verborrea politicamente incorrecta como por su desparpajo y su espiritu rebelde. La película aprobecha la más que novedosa forma de tratar el mundo de las drogas desde un punto de vista, distanciado. No afronta el problema de las drogas en sí, ni hace drama ni tampoco lo convierte en una fábula con moraleja, de hecho, no demoniza las drogas, si no todo aquello que las rodea. Se centra en las relaciones de aquellos dependientes, sus necesidades y sus defectos, sus aspiraciones y sus frustaciones diarias. La película tiene un mensaje social, pero está insertado de tal forma que no parece cantoso ni aleccionador de pacotilla.

La novela de Irvine welsh, de título homónimo a la película provocó un boom en el mundo editorial, por su visión fresca de las connotaciones del consumo de heroina. Además, el texto posee una gran frescura, ¿quién no se acuerdad de la parrafada inicial de transpotting, es tan buena que siempre quedará en la mente de nuestra genración adolescente, yo soy del naranjito.

Se convirtió en un icono generacional, gracias a su estilo cuidado y a su aspecto y estilo trepidante, en el que alternaba secuencias adrenalínicas como la de la persecución o la del sueño alucinógeno del bebé colgado del techo. Junto con el ritmo de montaje que también conjugaba congelaciones con una banda sonora rompedora. Esta unión de items potenciaba la película hasta cotas altísimas, todo se junta para hablar de una nueva estética, un nuevo camino por el que transcurrir. No hay que olvidar que un año antes, la comedia británica que triunfaba era “Cuatro bodas y un funeral”. Con esto no quiero decir que Trainspotting sea una comedia al uso, porque no lo es. Tiene sus propias tragedias, como que una madre pierde a su hijo por una dejadez fruto de la dependencia de la droga, o un deportista que cae en la consumición y su vida se destroza hasta la muerte. Aún así, la cinta es tan descarada en su mensaje y en su fin que nos hacer reir con sus absurdas y desternillantes situaciones.

En ese sentido, no permite que las risas nos distraigan del mensaje, que lo disfraza por debajo, pero tampoco permite que la tragedia domine y guie a sus personajes por caminos más éticos para nuestro descanso moral. Danny Boyle, el director, deja libuertad de elección, de libre albedrio, sin censuras, sin perjuicios, ni juicios de valor. Las propias elecciones de los personajes los llevan al abismo más profundo, como el caso de Tommy o a la redención en el caso de Renton. Luego hay otros como Spud, que siguen sin inmutarse en el torrente proceloso de la vida.

El formulismo narrativo nos dice que lo que mal empieza mal acaba, pero no funciona así en esta película que rompe moldes, porque a un personaje que la sociedad aborrecería por vago, por dependiente, por anormal, o por despojo social, en esta película adquiere un carácter humano, se le coje cariño y hasta alguno se alegra de que le vayan bien las cosas, es el caso de Spud. Spud, en los años 50 nunca habría podido ser un personaje reflejado en el cine.

No sólo este personaje está vacio de vida, que por lo general lo están todos en esta película, en cierto modo, hasta el final, Renton no encuentra sus motivaciones reales. Tampoco creo que sean muchas ni muy grandes, pero tan sólo diría que no le gustaba la idea de invernar comatoso delante de una vida inundada por la droga. Uno de los puntos que poca gente conocerá es la intención del título y su imposibilidad de traducción. El asunto es que es un término inglés que denomina la afición de ver pasar los coches, como el anuncio del (giropaaaaaaa...) en España. Esta afición es bastante descriptiva de lo que supone la vida de los personajes. Además hay una escena en la que pretenden hacer algo, dar una caminata hasta unos parajes en medio de la naturaleza, pero su escasa fuerza de voluntad y su eterno odio a los Ingléses, a los que creen sus colonizadores, pues la película se ambienta en Edihmburgo, les hace incapaces de emprender ninguna empresa, con lo que la lógica consecuencia es ponerse a hacer Transpotting.

Al final, el protagonista se encuentra que seguir a la masa es muy fácil, pero se encuentra ante la dualidad de hacer lo que todos hacen o hacer lo que debe.

La película, suscitó un montón de controversia, pues de muchos puntos llegaban críticas que enfatizaban la sensación de que la cinta incitaba al consumo de drogas. Las críticas más fuertes, se produjeron por la escena explícita donde se ve como se clava la jeringa en la vena del brazo y posteriormente hay una sucesión de imágenes a cámara lente, donde se puede ver como desde dentro, la droga se va inoculando en el organismo, todo esto con una música envolvente. Yo pienso que está claro que se quería recalcar la sensación placentera real que experimenta un adicto, no por intentar realzar el mercado de la heroina. La película no la ven menores de 12 o 13 años, con lo que creo que el criterio adulto debe prevalecer.

Sin querer crear polémica, la cinta fue elegida como una de las cinco mejores de toda la historia de la filmografía británica.

Trainspotting, posee una banda sonora muy acorde con el tema y lo que pretende, con autores como: Iggy Pop, Brian Eno, Primal Scream,Lou Reed y más.

Sin duda, hay un ciclo, como un bucle argumental que empieza con el monólogo de la primera escena y recorre toda la película, nos presenta el carácter de una generación que comenzaba a relativizar y conocer mejor los peligros de la droga. con él os dejo.

 

-Renton- “Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige buena salud, colesterol bajo y seguro dental. Elige hipoteca a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver teleconcursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura. Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida… ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?”.

URL: http://es.youtube.com/watch?v=KU0t_0vsaKU

URL_2: http://es.youtube.com/watch?v=WFjIsSFCWH0

LA EXTRAÑA PAREJA

Esta es la historia de un sucio y rastrero elemento que vive como los cerdos y se junta a un neurótico calzonazos que desea organizarle la vida. La extraña pareja es la adaptación de una obra de teatro a la gran pantalla con texto de Neil Simons y dirigida por Gene Sacks. Conviene indicar que el estreno de la obra de teatro fue llevado a cabo ni más ni menos que Mike Nichols, para que os hagais una idea, el director del graduado, película comentada en este blog anteriormente y que está clasificada dentro de las diez mejores películas de la historia según la AFI (Instituto americano de cine).

La comedia tiene un comienzo portentoso, aunque decae al final en el ritmo narrativo nos ofrece unas situaciones tan hilarantes que merece la pena colocarla en unas de las 50 mejores comedias del cine. El duelo interpretativo de dos titanes de la comedia universal, Jack Lemon y Walther Matthau, que en esta película se muestran como amigos antagonistas, vamos como en casi todas las ocasiones que actuan juntos, es memorable.

Esta comedia funcionó tan bién que ha tenido tres continuaciones. Ahora es habitual ver contiunuaciones de comedias estúpidas por doquier, pero en aquella época era impensable. Sólo el afecto del público hacia estos dos grandes actores y que era una comedia de gran acabado obro la hazaña।