DUELO AL SOL

Bueno amigos, voy a hablar de otra película de excesos y no precisamente del presupuesto. No es que me apetezca especialmente en esta época hablar de filmes e historias rocambolescas, pero hace ya algún tiempo que no pongo ningún western.

Cuando se habla de “Duelo al sol”, normalmente se suele atribuir su factura a King Vidor, pero poca gente sabe que esto es una trola de proporciones considerables, puesto que King Vidor, fue sólo uno más de la alta terna de directores que pasaron por el proyecto. Detrás de todo esto estaba la alargada sombra de David O. Selznick, de la que ya adelanté en anteriores entradas. Este magnate de la industria hollywoodiense, era una persona de fuertes convicciones, y esto le llevaba a actuar de forma tiránica en las producciones, aunque no siempre supusiese la opción más acertada. Hay un caso bastante gráfico, lo ampliaré cuando hable de “Lo que el viento se llevó”, pero puedo adelantar que O. Selznick, en su afán por la perfección empleó tres años solamente para encontrar la pareja de protagonistas ideales. Tres años para conseguir a una terna que por lo demás eran estrellas de la época, esceptuando a la joven Vivian Leigh. Bien, el caso es que las exigencias del productor incentivaron que William Dieterle abandonase el barco nada más subirse a él. Además de él pasaron más personas, casi siempre del círculo cerrado de O. Selznick, directores artísticos de proyectos anteriores, marionetas que el productor podía manejar a su antojo. Luego llegó King Vidor, un director de peso, que podría dar un giro al proyecto, o al menos una dirección fija. Pero las contínuas intromisiones del devandito productor y la insufrible actríz protagonista (Jennifer jones, novia del productor. Hay películas que se hacen por amor al arte y otras por amor a su novia. O. Selznick quería el lucimiento de Jennifer Jones) hicieron que el proyecto llevase otros derroteros con otros sendos directores. Menos mal que Jennifer demostró su talento en la cinta y posteriormente.

Es verdad que la fima de la película la lleva King Vidor, pero yo la califico como película de productor. Como Vidor no se conformó con ser una simple marioneta, O. Selznick se conformó con que la película llevara varias facturas. Eso se nota en ciertas partes del fime, donde los actores no acaban de convencer. Lógico, yo tambíen tendría la mente en otro sitio y no sabría muy bien que hacer cuando cada día que empieza el rodaje me encuntro con un director distinto que quiere una cosa distinta, y además, el director que graba la escena no es el director con quien la habías preparado.

Sin embargo y gracias a Dios, era un gran reparto lleno de estrellas, unas consagradas como Lionel Barrymore, que el pobre ya se había quedado en silla de ruedas también en la realidad, Lilian Gish, diva del cine mudo y fetiche de David wark Griffith, anterior magnate y precursor de la técnica en el cine mudo. Joseph Cotten, que ya se había hecho un nombre trabajando con Orson Welles en Ciudadano Kane y el cuarto mandamiento. También había estrellas emergentes de la talla de Gregory Peck, y la nombrada Jennifer Jones, pero en este último caso, su brillo ha sido efímero.

Las faltas de esta película pivotan alrrededor de los cambios bruscos de ánimo de los protagonistas, y de situaciones que en determinado contexto no tienen una réplica emocional adecuada, fruto del devenir del proyecto. Pero hay más, esta forma barroca de comportamiento, este tormento que sufren los protagonistas ya estaba implícito en el guión original, y se usó por usar una fotografía recargada, con colores muy dominantes que hagan aflorar los sentimientos más recargados. El problema viene cuando a los sucesivos directores no tienen la oportunidad de cambiar el negativo con el que se rueda la película, con lo que siguieron más o menos la misma línea hecha pro “O.Selznick”.

Para dar una idea más apropiada de David O. Selznick, basta con decir que este era un proyecto anterior que tení la RKO, sólo les faltaba una actríz de rasgos hispanos para acometer el papel de Perla, así que la RKO, le pidió al productor a Jennifer Jones. O Selznick leyó el guión y se hizo con los derechos de la película para manejarla a su antojo. El hecho de que un productor solamente le disputara un proyecto con una productora entera, o se lo comprara, me da igual, solo por complacer a su novia, os da una idea de la influencia que ejercía este hombre en la industria.

BLADE RUNNER

Thriller futurista de carácter negro inspirado en el libro: Do androids dream of electric sheep?. (Sueñan los androides con ovejas eléctricas?. La película narra un mundo hipotético donde se fabrican androides con el objetivo de ayudar en las tareas y los trabajos que requieren de una extremada fuerza física. Se les dota de chips emocionales con implantes que substituyen a los recuerdos. Esto consigue que cada androide tenga una vida más o menos independiente y funcione según los patrones de conducta humanos.

La película se estrenó en 1982 y pasó desapercibida entre crítica y público. Es gracioso, porque hoy nadie se cree que pudiese ocurrir eso, ya que se tinta a blade runner como una de las más grandes de la hitoria del cine. Marcó una línea en los 80 que otros continuaron posteriormente, incluso en el terreno de la ciencia ficción fue un punto de inflexión  muy parecido al que pudo tener en su época 2001 de Kubrick o Metrópolis de Frizt Lang.

Fue precursora en muchos campos como el diseño de producción, crea un estilo propio mezcla entre lo futurista y la novela negra, mezcla de grandes neones y alcantarillas humeantes, entre prodigiosos avances tecnológicos y arquitectura derruida y vetusta. Marcarán una pauta que hasta hoy en día se sigue emulando, el claro ejemplo de Matrix.

Es una película más sesuda y difícil de lo que parece a simple vista, me explico: Es una de estas películas que yo califico que tiena varias capas superpuestas una encima de otra, y a medida que se van destapando en todo su significado se va gozando más y más de ella. Esta película es para ver una y otra vez, porque si bien es cierto que con una visualización quedas fascinado, no se es capaz de estrapolar toda la información y matices que se pretenden transmitir. Por poner un ejemplo, el conflicto entre la Warner y Ridley Scott, sus diferencias hicieron que muchas veces Ridley Scott se volviese atrás en decisiones que consideraba fundamentales para la película y que a la postre han cambiado el conjunto de la película definitivamente, sin posibilidad de cambiar en el Director´s cut. Me refiero a que el personaje de Sean Young y el de Daryl Hannah, en la novela de Philip K. Dick eran el mismo prototipo de replicante, con lo cual iba a tener que matar a alguien que tiene el mismo aspecto que la persona que amaba, algo que resultaba a ojos de Warner un poco canallesco y desagradable. (En la visión global volveremos a este detalle). Ridley Scott tenía que lidiar con todo esto, el futuro le brindó una oportunidad de oro y diez años después, se le ofreció montar la versión del director. En 1982, cuando se estrenó Blade runner, fue un fracaso de crítica y público, las ganancias fueron pauperrimas y por tanto el futuro para la cinta era descorazonador, cuatro años más tarde, con la aparición del master en VHS comenzó a frecuentar los videoclubs y empezó a forjarse cierta fama, era una de las películas más alquiladas, era ya un hecho, Blade runner caló entre la gente. No creo que la mayoría de la gente que la alquilaba admirase la cinta por lo que hoy se ve en ella.

Fuera lo que fuese, comenzó a reactivarse su interés y como el metraje ya estaba hecho y la inversión ya estaba gastada, la Warner ofreció sacar en cines una versión del director con el fin de rentabilizar lo que no se había podido hacer antes.

ADVERTENCIA: SPOILER

LOS QUE NO HABEIS VISTO LA PELI ABSTENEOS DE SEGUIR LEYENDO, OS LO DIGO POR VUESTRO BIEN YA QUE LUEGO QUEDAIS INFLUENCIADOS A LA HORA DE VER LA PELÍCULA POR PRIMERA VEZ, Y ESO ES UNA TORPEZA PARA VUESTRO DISFRUTE.

En esta nueva versión que no se apreciaban antes y que de algún modo le confieren una nueva visión a la película, porque... ¿quien de vosotros no pensó alguna vez que el personaje de Dekard (Harrison Ford) pudiese ser un replicante?. Os voy a dar una repuesta verdadera y rotunda, en la novela de Philip K. Dick, no lo es. Se que alguno podía tener esa tentación de pensar que... como las cosas quedan muy abiertas en la película de Scott, no hay nada que lo desmienta, etc... Siempre queda la corazonada de que Scott lo dejara entrever. Pues bien, la verdad es que no sólo lo deja entrever si no que además lo afirma rotundamente. Dekard es un replicante. Y en esto, Scott se desmarca de la novela. Y  cuando tuvo la oportunidad de demostrarlo, en la versión de 1992, así lo hizo. Harrison Ford, en la primera versión no era un manojo de expresividad, incluson se notaba un cierto distanciamiento del personaje de Dekard, Ford no era el Indiana Jones, ni el Han Solo al que nos tenía acostumbrado. En esta cinta siempre había algo que no terminaba por hacer accesible al personaje, como si no nos pudieramos identificar con él. En un principio y en la época del primer montaje se podía achacar a que el personaje era del corte de detective del género negro, duro, arisco, directo, canalla en alguna ocasión, oportunista... y una larga lista de aptitudes características del género. Pero en la versión del director no queda ningún género de duda, puesto que Scott, suprimió la voz en off de la narración para que así Dekard estuviese más distanciado e incluso sin justificación nos parezca más  canallesco, porque en realidad Scott quería dotarlo de esa mente fria, el mejor blade runner era aquel que podía pensar como un replicante, un replicante al servicio de los humanos. Por supuesto, este mensaje quedó oculto en el montaje comercial, pero en el montaje del director sale a relucir, además de una manera sutil.

Vereis, hay una escena que canta en la nueva versión, y es la de la ensoñación del unicornio. Una escena que aislada puede parecer estúpida añadirla si antes no estaba, pero es la clave de la película en cuanto a su significado, y esta escena estaba ya rodada, por eso se pudo incluir. Hay una escena en la que Gaff (Edward James Olmos), el policía que está siempre sobre la pista de Dekard, que deja un unicornio en el piso de Sean Young, la replicante de la que se enamora Harrison Ford, y claro, sin la referencia de la ensoñación no tiene mucho significado, pero ahora sabemos que Gaff tiene acceso al espediente de Dekard y sus implantes de memoria, sus sueños y todos sus recuerdos, por lo tanto es un replicante aunque nunca se le comunicase. Además, si Dekard es policia y mantiene una relación con el comisario, a que viene esa figura de Gaff, quizás la de un gran hermano que tiene que velar para que Ford no se entere de su verdadera identidad, que no se aliase con Ruther Hauer (Roy Batty - Nexus 6). Por otra parte, también es cierto que en una de las escenas del final, cuando Harrison Ford está pendiendo de una barandilla del edificio y Roy lo levanta en el aire para decirle una frase: “Es toda una experiencia vivir con miedo, ¿verdad? Es lo que significa ser esclavo”. Con esto Roy le perdona la vida y lo acepta como uno de los suyos, como hermano se sangre, o mejor dicho de circuitos. También en esos últimos momentos Roy reconoce el valor y la belleza de la vida: “Yo he visto cosas que vosotros no creerías. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos estos momentos se perderán como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”. Un monólogo brillante escrito por el mismo actor, pero que encajó muy bien. Por eso la gente pensaba que el replicante había encontrado el sentido y la belleza que encerraba la vida para él y era incapaz de quitarle la vida a Deckard, y puede ser una idea análoga, con lo que digo que es otra capa que hay que separar.

La idea de que Roy Batty debería ser un rubio poderoso y arrogante, parte de la idea de superhombre de Nietzche, en la que se aborda la visión de la superidad de la raza aria, y la de que el hombre mata a Dios. De hecho, el que Nexus 6 matase al creador es contradictorio porque la muerte de Dios viene dada porque el hombre es capaz de infundir vida, y una vida que ya no es tan artificial, si no que viene dotada de sentimientos, cada individuo a partir de unos recuerdos va reconstruyendo su vida. Roy Batty acaba con el creador ya que considera que el ser manipulado por el dueño de la Tyrrel, no es tener vida, si no ser esclavo.

Una película como la copa de un pino....¿Preparado a separar capas?

RENOVACIÓN 2.0

Después de poco más de un año de funcionamiento del blog, creo que se puede apreciar la mejora de los post, en cuanto a extensión y calidad. En noviembre del 2008 daba comienzo esta andadura, y por aquel entonces realicé unos post bastante sencillos para que la gente no se perdiese, o le pareciese esto un club privado. Los que habeis seguido este blog espero que vieseis mucho cine en el tiempo que os permitiese vuestras obligaciones. Ahora voy a ir repasando periodicamente el blog y actualizando las primeras entradas, que muestran poca chicha. Empezaré por Blade Runner, que fue la primera que colgúe y una  de las película sque me marcó. De hecho también cambié la cara del blog y la mimeticé con la película como símbolo.

MUCHAS GRACIAS POR VUESTRO TIEMPO.

PELÍCULAS INTERESANTES DEL 2009

Ahora que empieza otro año, hago una recopilación de todo lo que he visto en 2009 y ha valido la pena. Es una lista personal, con lo que se pueden aportar cosas. No voy a poner películas que no he visto. Yo creo que estas 10 las he encontrado interesantes. Hay más, pero por ejemplo no pongo Avatar, porque si no es en el cine, no merece la pena. Avatar, más que verla, hay que experimentarla en 3D.

Déjame entrar – Tomas Alfredson

Gran Torino – Clint Eastwood

Still walking – Hirokazu Koreeda (Puede parecer raro que la ponga en 2009 cuando es de 2008, pero es que en nuestro país)

El luchador – Darren Aronofsky

Slumdog millionaire – Danny Boyle

Mi nombre es Harvey Milk – Gus Van Sant

El secreto de sus ojos – Juan José Campanella

Séraphine – Martín Provost

En tierra hostil - Kathryn Bigelow (Ya estrenada en otros paises, en España se plantean estrenarla ahora, en el transcurso del mes de enero)

Moon – Duncan Jones

PERROS DE PAJA

Esta cinta protagonizada por Dustin Hoffman y Susan George traza su argumento en una pequeña aldea británica, donde no falta el cacique de turno y el atontado del pueblo. Ella se ha criado en el pueblo y vuelve después de un tiempo. Él, moreno y miope, por estar tanto tiempo machacando las matemáticas, sobre todo de noche. Se trata de un académico que viene buscando la tranquilidad que la aldea le podía ofrecer. Para más casualidad, huye de la ola de violencia estudiantil que asoló los estados unidos a finales de los sesenta. Ella, rubia despanpanante, se sabe el blanco de las miradas de todo el pueblo. Pero no las evita, sino que todo lo contrario, pues le gusta sentirse observada por sus propios paisanos.

Mientras el hombre se dejaba la mente y los ojos en las fórmulas matemáticas, ella aprovechaba cualquiera situación para enseñar las prenditas y vestidos ajustados, incluso en una ocasión se olvidó de cerrar la cortina de la ducha. Un día aprovechando que Dustin Hoffman salía a cazar patos, ella le abre las puertas a unos lugareños que entran con la fija idea de violarla, al principio, ella se defiende con uñas y dientes, pero parece finalizar con gemidos de gusto, justo antes de que aparezca un lugareño con una escopeta, los coga con las manos en la masa y se una a la barbarie de manera vejatoria.

Perros de paja ha tenido que solventar varios problemas para su estreno, como fue el codigo Hays (Un baremo yanquie de violencia en el cine que proviene de los años veinte, los estdudios lo seguían a raja tabla incluso en los años 70), pero la verdad es que la escena de la violación pasó la censura porque no eran imágenes explícitas, sin embargo, permítanme decir que aunque no se muestren, se intuyen y eso es lo que deja la sensación de violencia, por lo que algunos de los censores se deberían haber dedicado a picar piedra, porque no ven más allá de sus narices. Y después de varios debates, también se aprobaron las escenas finales, donde Dustin Hoffman da cuenta de los lugareños. El estudio se excusó aduciendo que eran esenciales para comprender la película y que al fin y al cabo, la película y toda su moraleja era un mensaje contra la violencia.

La versión cortada tiene una duración de 113 min. (es la que se estrenó en USA)

Para captar un placer enfermizo en la escena en la que Dustin Hoffman machaca hasta la muerte a un hombre tumbado en el suelo, Peckinpah pidió que pusieran cocos en el suelo para que pudiese deleitarse a golpes con ellos. En un plano de la película, podemos ver un trozo de coco volando hasta su cara, aunque el espectador crea que esos son sesos del cerebro.

En la escena  en la que Hoffman entra por primera vez en el pub, Peckinpah no estaba satisfecho con la reacción de los actores al ver cómo entra un extraño en su mundo. En una de las tomas le dijo a Hoffman que entrase sin pantalones, y así consiguió la reacción adecuada de los actores.

El rodaje estuvo a punto de suspenderse pues el director agarró una cogorza en la playa de las de no te meneés seguida de una pulmonía que tuvo que ser tratada en un hospital, al recuperarse tuvo que firmar una clausula en el contrato que especificaba que se mantendría sobrio durante el resto del rodaje.

La película estuvo cesurada en el Reino Unido durante 18 años y aún hoy en las carátulas de los videos y los dvd´s aparece escrita la frase: “censurada en el Reino Unido”.

La crítica se fijó en un primer momento en los aspectos más oscuros de la cinta, en lo que se dió en llamar los “ritos machistas”, o en palabras del propio director el “fascismo sexual”. Pero Peckinpah parecía dispuesto a confirmar las peores cosas que sus detractores decían de él, como demostró en la entrevista concedida a playboy en 1972.

El final se les ocurrió a Hoffman y al director la tarde anterior a su rodaje, esto que parece una temeridad, se saca de una entrevista que se le hizo en su momento al director.

Entrevistador: ¿Que condiciones le pusieron para rodar Perros de paja?

Sam Peckinpah: Fue un encargo, y como siempre ocurre en mis películas, con imposiciones. Me hicieron firmar que tendría final feliz. Yo elegí a Susan George para que interpretara a la esposa de Hoffman, y no le veía una salida al final feliz. Me había hundido yo mismo. Un día Dustin se acercó a mi preocupado y me dijo que no podía terminar así la película. Yo le propuse otro final y es el que tiene. El final es absolutamente desolador. David Warner, el loco del pueblo, dice: “No sé dónde está mi casa”. Hoffman le contesta: “No se preocupe, yo tampoco”.

LOS SIETE SAMURAIS

"Película monumental, cima del genio del maestro Kurosawa, de sublime belleza plástica e inimitable potencia narrativa" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

Una de las películas más célebres de Akira Kurosawa. Sí, lo sé, 3 horas y media de película, pero que importa, cuando te están contando una historia de aventuras y además nos deja unas enseñanzas tan ricas en cultura oriental, que aún hoy pueden ser provechosas para nosotros.

Para mí es una película donde se desgranan los personajes perfectamente a través de la trama. Porque todos los personajes no tienen la misma motivación para salvar a los campesinos, ni tienen los mismos valores, las mismas capacidades, la forma de ver la vida. Me impresiona como se vale de ellos para explicar la época del Japón feudal, sus costumbres, sus ideas, su contexto, sus sentimientos, etcétera.

Si nos fijamos bien, es una escuela de virtudes o de valores y vemos como todos ellos se integran en un grupo. Respeto, responsabilidad, compañerismo, humor, etcétera. Sus habilidades y personalidades son bastante diferentes, pero complementarias, están presentes desde la capacidad de liderazgo, la sabiduría del guerrero curtido en mil batallas, el descaro del joven que aspira a ser el mejor samurai de todos los tiempos y sólo sabe cortar leña, el alegre que siempre produce la unión del grupo. Si se piensa bien, no falta ni sobra una coma en esta mezcla casi perfecta.

Bien es cierto que los Ronin están hechos para la guerra, en periodos de paz se tienen que buscar las habichuelas con cualquier señor feudal o alquilar su espada para poder sobrevivir y casi siempre en algún asunto turbio al margen del código del Bushido, que era la primera directriz del samurai. Aquí, se dejan vender por una taza de arroz. Puede pensarse que una taza de arroz al día puede llegar para sobrevivir, pero el caso es que es un pago muy bajo por jugarse la vida. De esta forma, los samurais acuden al rescate de los campesinos por motivos que tiene que ver con su conciencia, ellos sienten que los conflictos no se solucionarán por si solos si los hombres buenos no hacen nada contra la codicia y el mal obrar de unos cuantos miserables, vamos, un ejercicio de crítica contra el poder tiránico ejercido por unos cuantos erigidos en dictadores (shogun, en Japón) y señores feudales encarnados en unos forajidos.

Los siete samurais añaden alguna nueva forma de utilización de la técnica en el cine. El stop motion tan presente en las películas de Tim Burton, ya lo hacía Kurosawa con imágenes reales. Era ya una técnica inventada, que fue muy útil para películas como King kong (1933), pero hasta la época era hacerlo a partir de objetos inanimados fotografiándolos frame a frame. Es una innovació importante, porque acerlera las escenas de acción y sobre todo las de luchas y combates, que en esta cinta son importantes. También existe otra innovación bastante importante, que es el uso de varias cámaras para planos similares, es decir, un panorámico, un plano medio y un primer plano. Es muy utilizado en el Manga y en el cine actual, sobre todo en el género de acción o artes marciales, como ejemplo: Kill Hill.

Como ya viene siendo natural cuando se habla de cualquier trabajo de Kurosawa, siempre hay una adaptación más actual que viene a dejar el trabajo del director Nipón en el olvido. Por desgracia, es penoso que “Los siete magníficos”, adaptación de John sturges, haga olvidar la original. Cualquiera persona que no domine algo de cine, le sonarán los siete magnificos, pero no sabrá de lo que le hablan si le nombran los siete samurais. Es una pena, y con Kurosawa no es el único caso, “Yojimbo” dio lugar a “Por un puñado de dólares”, “La fortaleza escondida” dio lugar a “Star Wars”. Inluso Pixar, a la que no le gustan las adaptaciones. Pero cuando las hace, vaya que elige bien los modelos. Lo hizo en el 98, cuando tomó prestada la premisa central de Los 7 Samurái de Kurosawa (nada menos), para armar el esqueleto de Bichos.

También es cierto que Kurosawa, cuando pensaba en sus proyectos no eran precisamente castillos que hacía en el aire, “Trono de sangre” es el Macbeth de Shakespeare en versión japonesa, y “Ran” de Kurosawa es una adaptación de “Rey Lear”.

LADRÓN DE BICICLETAS

Ladrón de bicicletas es quizás el film más caracteristico del neorrealismo italiano. No es por opinión, si nos atenemos a los trazos básicos del movimiento, es la personificación del mismo. El neorrealismo como escuela cinematográfica propiamente dicha, nace en el periodo post segunda guerra mundial. No fue una innovación técnica o temática, fue una renovación expresiva del lenguaje y las formas, era una expresión de liberación en muchas ocasiones contra la vileza del fascismo. Fue recorriendo camino con la realidad social de la época. Vittorio de Sica pudo quitar petróleo de un argumento bastante ordinario y hasta infantil, si bien se piensa, como una historia contada a los párvulos para que aprendiesen a ir por el camino honrado, como la iglesia católica aleccionaba en la edad media, mediante imágenes representativas, pero sin más complicaciones. El argumento la verdad, no tenía ningún alarde de literatura, más bien parece que se malogra el contenido o la carga dramática y todo esto es lo que Vittorio de Sica aporta a la película. Es curioso enterarse que sin saber el resultado final, un productor de la talla de David O. Selznick, (que produjo y coprodujo “Lo que el viento se llevó”, “Rebeca”, “Duelo al sol”, “King kong”, “El tercer hombre”, entre muchas otras) Uno de los hombres más poderos del Hollywood dorado, hubiese querido invertir en esta pequeña producción italiana, de corte neorrealista. Como es lógico, puso condiciones, Gary Grant debía de ser el protagonista de la cinta, a lo que se negó rotundamente Vittorio de Sica.

Vittorio de Sica pertenece a una generación de directores que socialmente eran comprometidos con la realidad de la posguerra italiana, de hecho “Ladrón de bicicletas” empezó a rodarse poca después de que concluyera  la guerra. El neorrealismo se desarrolló en el periodo de posguerra, pero se forjó en los últimos años del conflicto y con “Ladrón de bicicletas” se consuma la consolidación y los fundamentos del movimiento. Esos fundamentos se basan en una narración desnuda de la realidad, desprovista de cualquier artificio para aquilatar el sentido dramático. La vida es la que tiene que hablar por sí sola. Los elementos técnicos deben de obedecer a una carestía que se atenga a la realidad, de ahí que la iluminación sea natural y se ruede numerosas escenas en exteriores. Los actores también se consideraban como medios técnicos para la consecución del fin, con lo que deberían de ser actores no profesionales o en su defecto, amateurs. Preferiblemente deberían de ser personas afines con el personaje que debían representar. Así es que en “Ladrón de bicicletas” el personaje de Antonio Ricci, un trabajador en paro que consigue un sencillo trabajo de fijador de carteles con engrudo es interpretado por Lamberto Maggiorani (Obrero de la fábrica Brenta). Al fin y al cabo, quien mejor que una persona de ese corte puede reflejar la desesperación de esa época y esa situación. Bien entendido es el método de Kostantin Stanislavski llevado al extremo.