DOGMA ´95

Quizás estemos hablando de una de las paradojas más grandes de los últimos años en el cine. Un movimiento que ha tenido muchos adeptos y muchos críticos, pero que murió de éxito. Me explico, El movimiento como tal comienza con un manifiesto de algunos autores como Lars Von Trier, Jacobsen, vinterberg, Levring…

Precisamente se llama dogma, porque defendía un nuevo estilo con unas premisas inquebrantable, inviolables por las cuales se tenían que regir los directores que se habían unido al manifiesto. La verdad es que tuvo poca difusión casi todos son daneses. Además los propios mentores del movimiento habían elaborado unos códigos o certificados de autenticidad para validar las películas como verdaderas obras del cine dogma.

El manifiesto pretendía devolver el cine a sus orígenes, con unas mañas más naturales y de ese modo no perderse en la maraña de la industria, salvaguardando lo esencial del cine como modo de expresión artística.

La primera película del manifiesto dogma 95 fue “Festen”, “Celebración” en Español, a la que le siguieron “Los idiotas” de Lars Von Trier, quizás el director más carismático del movimiento. Luego “Mifune” de Jacobsen, y así hasta la friolera de unas 254 películas que están censadas con la certificación que a continuación os pongo.

Entre las características exigidas por los directores del moviento dogma destacan una serie de fórmulas que se parecen al neorrealismo italiano.

Algunas de las características pasan por evitar la iluminación artificial y buscar la forma de filmar con luz natural o exterior.

Las filmaciones tenían que realizarse en lugares naturales, es decir, sin la construcción de un set.

También se exigía que no hubiese mezcla de sonido y en todo caso, que el sonido no se emplease más que el grabado en el lugar de la grabación, es decir música de fondo.

El director no podía firmar la película en los títulos de crédito. Se debe admirar la obra no al artista.

También se rodará en mano como dictaminaba el neorrealismo. Sólo se aceptan movimientos de cámara si son los producidos por el cuerpo del camarógrafo.

El formato que se utiliza es la película de 35 mm.

Están totalmente prohibidos los efectos ópticos,  no siendo los producidos naturalmente por las ópticas de las cámaras, como por ejemplo la distorsión de la perspectiva en función del objetivo y la distancia focal.

La iluminación debe de ser natural, es decir no puede haber ningún foco que nos ayude a componer una iluminación. Si la iluminación no fuese suficiente por diversas circunstancias, o bien se suprime la toma, o se inserta en la cámara un foco a modo documental.

Otra de las normas, esta si que la encuentro un poco estúpida, pero bueno, ellos tendrán su punto de vista, porque prohíben que en las películas dogma haya armas ni crímenes y la trama no puede ser una tontería superficial.

Se prohíbe también cualquier dato que aporte arraigo a la película a un lugar y una época determinada. Parece ser que los del movimiento dogma no se quería casar con nadie.

No se tolerarán bajo ningún concepto películas de género, al menos de carácter marcado. Evidentemente, es muy, muy complicado que la película no se decante por ningún caríz. Además todo lo que hable de lo humano tiene que ser dramático, la propia interpretación hace que al menos se defina por algún género.

Bueno, esto es mas o menos lo que subscribieron los padres del movimiento en Copenhage, el 13 de Marzo de 1995.

Pero en el 2002, hacen un comunicado en el que oficialmente concluyen si no con el movimiento oficialmente, porque el movimiento una vez rodado sigue, pero clausuraron el famoso grupo que certificaba si las películas eran o no dogma.

Las razones que esgrimieron fueron que lo que empezó como fresco, nuevo en 1995, se había vuelto un convencionalismo que les asfixiaba y que no iba a ninguna parte. Además por razones económicas alguno comenzó a grabar en digital, con lo que contravenía sus propias reglas, ya se sabe… Caballeron don dinero. Tuvieron que hacer modificaciones, pero en esencia son las líneas que os puse arriba. Todos ellos iniciaron una nueva etapa, y alguno ya está en Hollywood. Otros como Von Trier, grabó “Dancing in the dark”, fíjaos, un musical, todo lo opuesto al cine dogma.

LA VIDA DE BRIAN

"Apostasía bíblica" (Ramón F. Reboiras: Cinemanía)

Por aquellas cosas que pasan, por si las moscas, mencionar que los artífices de esta cinta son los Monthy pyton, un grupo de humoristas ingleses que utilizaban las situaciones subrrealistas para parodiar la realidad y que se hicieron archifamosos con su show para la BBC británica titulado Monty Python's Flying Circus (El Circo Ambulante de Monty Python). El programa televisivo duró seis años, posteriormente se unieron para hacer películas como la que nos ocupa. Además, juntos todos hiceron "El sentido de la vida", "Se armó la gorda" y "Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores". Después de esto siguieron sus exitosas carreras por separado uniéndose unicamente cuando se conmemora una efeméride del show televisivo. Los integrantes del grupo son:

 Eric Idle,  Michael Palin, John Cleese, Terry Gilliam,  Terry Jones y Graham Chapman.

La vida de Brian es sin duda una de las mejores comedias de todos los tiempos. Es el evangelio según San Monty Python. La parodia sobre Jesús de Nazaret más famosa de la historia del cine. Ah, perdón, es que solo hay esta. Claro, y después del resultado a ver quien es el valiente que se atreve a superarlo.

Hay que dejar claro y por sentado que esta no es una parodia para mofarse de Jesús de Nazaret, si no que coge como premisa argumental la vida de este y la satiriza en la vida de otro "peatón del mar muerto". Digamos que los Monty Python eligieron ya esa forma de actuar en su segundo largometraje, "Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores", adaptando la temática artúrica. Ellos se explican diciendo que era más fácil cogiendo un tema por todos de sobra conocido y parodiarlo, o como el caso de la película que nos ocupa, un personje conocido mundialmente, y que mejor exponente que Jesús. Aunque ellos dicen que Jesús era un tio legal y se ensañaron con un vecino medio tonto al que pusieron en la misma tesitura que a Jesús de Nazaret.

 Ellos documentandose, después de haber decidido el tema para la nueva película, leyeron los evangelios y concluyeron que Jesús no era el objetivo, si no más bien lo que queda de él en la religión. Ellos dicen que para parodiar a Jesús muchas veces ya se basta y se sobra la religión que practicamos. Uno de ellos concluyó: "Nosotros no tenemos ningún problema con el Sr. Cristo".

Hay una escena en la que aparece Jesús de Nazaret de soslayo, es en el sermón de la montaña, el de las bienaventuranzas. No se pone en duda las palabras de Jesús, en todo caso la interpretación que se hace de ellas. 

Un ejemplo del sermón de la montaña y unos expectadores que seguían las palabras de Jesús:

Espectador de Jesucristo: Creo que ha dicho

"Bienaventurados los queseros".

Espectadora: ¿Por qué precisamente los queseros?

Marido de la espectadora: Hombre, no hay que tomarlo

literalmente, se refiere a todos los fabricantes de productos lácteos".

Pero es que si hablamos de sátira  y parodia ensañandose, tenemos que hablar más de parodia religiosa y política que de parodia del propio Jesús.

La sátira política de esta película no tiene parangón. Representa una sociedad, con unos partidos políticos que pese a los nombres más dispares y los objetivos más dispares todos quieren el poder. Y luchan hasta el último suspiro en post de la victoria. Pero cuando el tema es reunirse y acordar soluciones o pactos sólo dicen tonterías una tras otras sin hacer nada.

Y todo esto sin mentar a los gobernantes ineptos que están en el poder y de su amigo "Pijus magníficus" y su loable esposa "Incontinencia suma".

También hace una mordaz crítca para poner de relevancia la impotencia que se siente al no poder defender los derechos de la persona, con uno de los diálogos que me parece más brillantes de la película:

Yo quiero ser madre.
- Pero... eso es imposible. Eres un hombre, no tienes matriz.
- ¡No me oprimas!
- Está bien, lucharemos también por defender tu legítimo derecho a querer ser madre aunque sea físicamente imposible.
- ¿De qué sirve defender su derecho a ser madre sino puede parir?
-Es un símbolo de nuestra lucha contra la opresión.
-...Es un símbolo de su lucha contra la realidad.

Lo mejor de estos gags, o escenas es que se concentran, como dice John Chesse, en la escena de la sandalia y la calabaza, la historia de la religión. Estamos hablando siempre en un sentido paródico, en el que como bien sabemos, nos permitimos el criticar errores y defectos de la religión, tales como el fanatismo y las doctrinas un poco subrrealistas. En ese sentido se integran la escena de los profetas, como hoy en día, los profetas de los medios de comunicación, los profetas políticos de la crisis económica, etc... que también hay fanatismos políticos. Otra de las escenas críticas con ciertas prácticas ambiguas de la iglesia es la del ex-leproso.

Como podréis advertir aquí no resiste nadie la vena irónica de los Monty python.

Pero a los esfuerzos incansables de sus autores, la película tenía una censura durísima por parte de grupos católicos ultraconservadores, la hostilidad era abierta e intentaron con cierto éxito que se prohibiera su distribucion en ciertas zonas e incluso se censurara en algunos paises. Y es que produjo tanto malestar como la posteror "La última tentación de cristo".

En referencia a la censura, la película ha tenido sus anecdotas, como por ejemplo en Italia, que se estrenó en el año 90 sin mencionar que se había estrenado en el 79 en el resto del mundo.

En Suecia no desaprovecharon la ocasión para poner en el cartel: "Es una película tan divertida, que la han prohibido en Noruega".

Lo mejor, es... y estas son las anécdotas que me gustan, es que la compañía EMI, que estába produciendo la película, un valor seguro porque se trataba de los famosos Monty Python, dejó de hacerlo tras ver el carácter tremendamente irreverente del guión que le presentaron. George Harrison, componente de los Beatles era un fan incondicional, y produjo la película sólo por volver a ver otra de sus creaciones. Al final, la apuesta salío bien, porque el filme hoy en día es un clásico moderno y un icono mundial que les ha reportado ingentes beneficios.

Uno de los proyectos iniciales era haer que  Brian fuese una especie de apostol número trece, que siempre llegaba tarde a los milagros, con lo cual era un poco susceptible con la figura de Jesús. La vena de la crítica política iría porque todo estaba lleno de promesas.

Al final se desechó esta idea, y poca gente lo sabe. La explicación de Chesse hace referencia a que la interpelación de Jesús es un coñazo, siempre es mesurada, inteligente sutil, no tiene todos los resortes de la buena comedia, ni tampoco las cualidades de sus personajes, tales como la envidia, la codicia, la lujuria, la estupidez. Terminó diciendo que la gracia era de Dios no de Jesús.

El rodaje se produjo casi enteramente en Tunez porque quería recrear el Jesús de Nazaret de Franco Zeffirelli. Pero digamos que las comodidades tunecinas agudizaron la vena sarcástica de los miembros del equipo.

Otro de los problemas de la localización en Túnez, fue el hecho de que la mayoría de los extras eran mujeres musulmanas tenían prohibido por el corán, ver los genitales al descubierto de otros hombres. De este episodio recuerda Chapman, que estando preparado para la escena donde salía desnudo, salió abriendo las persianas y todas las mujeres salieron gritando, el dijo que este hecho  provocó un efecto perturbador en su Psique y rebajó su autoestima (Declaraciones que hizo en plan coña).

No pasa el tiempo por ella, cosa extraña tratándose de este género. Aunque el humor de los Monty Python no se basa en las modas ni tampoco en ciertos mecanismos preconcebidos. si no, simple y llanamente, una parodia de la realidad con un punto subrrealista que lo aleja de todo convencionalismo, no se marchita con el tiempo.

MARCELINO PAN Y VINO

Hablando con un amigo, me sugirión que hablase de esta película. En un principio pensé que no iba muy acorde con la línea de este blog, además, se trada de una película que hace años que no veo, se trata de una película que los españoles vemos a unas edades muy tempranas, en las que nos suele gustar, es más, es muy entrañable, y es agradecida en el sentido en que se nos hace divertida y agradable.

Quizás es ahora el tiempo preciso para hablar de una película de este corte. En semana santa tenía pensado hablar de "La última tentación de Cristo", pero ahora será para otra ocasión.

Marcelion pan y vino es una película direigida por Ladislao Vajda, uno de los grandes directores internacionales, húngaro para más señas, que por los años cuarenta y cincuenta se afincó en España e hizo varias coproducciones internacionales. 

Precisamente llega a Españ huyendo de la guerra, primero hace unas producciónes en Italia, hasta que llega a España. Marcelino pan y vino le dió cierto reconocimento, pues al contrario de lo que se piense, la película fue premiada en Cannes. Quiero decir con esto, que a pesar de recordarla como película entrañable, es buena.

Cierto es también que hoy en día la temática religiosa está más denostada en el cine, se prefiere o se tiende a hacer cine que podíamos denominar "Espiritual", un acercamiento a un sentido existencial sin la omnipresencia continua de un ser superior explicitamente representado.

El tacto de Ladislao al tratar la película y la excepcional interpretación de Pablito calvo, proporcionan a esta pequeña producción un halo especial. Revestido todo de un tono campechano, la inocente mirada de Marcelino, nos cautiva, nos lleva al huerto dicho rápidamente.
El trato sincero del niño con el crucificado es señal de lo que tendría que ser la religión y espiritualidad, vivida desde el interior, desde el silencio, desde el saberse hijo de Dios y obrar desde esas propias convicciones.
Marcelino está englobado en el cine cristiano. Habla de otra forma de presencia de Jesús resucitado. Aquel niño que era Marcelino, era otra cachito de pan donde habitaba Jesús. En su inocencia, en su servicio y en su cariño. Una de las preguntas que le hacía a los franciscanos era: ¿Porqué la luna es gorda y luego es chica?. Esa capacidad por sorprenderse llevó a que Pablito calvo fuese uno de los niños más queridos del país, incluso le ponían un doble para las escenas de riesgo, era considerado ya una estrella.

Llegó a cobrar unas 9.000 pesetas de la época, con dietas a parte, que para  un niño en aquellos años de carestía era una barbaridad. Estamos hablando del año 55 y el racionamiento tan sólo había acabado en el 52. Era una de las muestras del primer cine franquista, en especial esta pelícual fue muy apreciada en el extranjero, de ahí el premio de Cannes. Todo esto motivó que en los años 60, las pantallas españolas estuviesen llenas de "Joselitos", y "Marisoles", además era cine que no iba en contra de las directrices del régimen franquista, es más, potenciaban sus ideales de familia y sociedad y nacionalcatolicismo.
En italia fue un boom total, también es normal teniendo en cuenta que es uno de los países más católicos, sobre todo en aquel momento que la iglesia tenía un papel relevante, como en España. Aún así, la calidad de la película, sobrepasa los panfletos políticos para colocarse en un plano antropológico.  Marcelino pan y vino es más que un simple divertimento con protagonista infantil, tiene aspiraciones más profundas, tiene afán de dejar poso. Bien es cierto, que su música y su dirección están un poco dirigidas a producir la lágrima fácil, pero también profundiza en los sentimientos límpios de un niño y los transparenta y nos muestra la condición humana en sus personajes. La calidad humana de los monjes y marcelino, la mezquindad del herrero que sólo quería ocuparse de Marcelino para ponerlo a trabajar.
Las repercusiones de la película en Italia fueron tales, que en 1991, se produce otra película en calidad de remake, con actores españoles como Fernando Fernán Gómez o Alfredo Landa, una serie de dibujos y en 2010, el año pasado se ha hecho otro remake en Mexico, de gran calidad en fotografía pero de poca repercusión, sin más, os dejo con los carteles.

EL SILENCIO DE LOS CORDEROS

"Verdadero suspense, terror sin pestañeo y una interpretación de Anthony Hopkins que es probable que sea referente durante años cuando se analice el cine de terror. (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

Hola amigos, os hablo desde mi celda aislado, con voz sibilina y afilada para perturbar vuestras mente. No me lo tengais en cuenta, sólo va a ser un momento.

En realidad, fue un momento, Anthony Hopkins aparecen en pantalla ni más ni menos que 16minutos. A que no pensasteis nunca que estuviesen en pantalla tan poco tiempo. Pues, bien merece un aplauso una actuación tan sublime. Desde los primeros momentos de la cinta te atrapa, y el miedo no se te quita del cuerpo. El miedo es libre, como se dice, pero Hannibal Lecter, estába encerrado, el loco andaba suelto por ahí, matando a señoritas ingenuas, sin embargo quien nos da miedo es el que está enjaulado al otro lado del criatal, esto lo he analizado con amigos, en cineclubs... y a lo más que llegamos a coincidir es que nos da más miedo aquello que no se ve, aunque se intuye, que Hopkins es un crack y Demme es un genio.

Hopkins, para el papel que recibió el Oscar de la academia, fue como mano de santo. No en vano ya se le había ofrecido anterior mente a Gene Hackman y Jack Nicholson. Pero... Aunque los otros también son dos actores de primera fila, el británico hace un trabajo colosal al componer el personaje. De entrada se llama Hannibal "El canibal", que puede parecer terrorífico, pero en realidad, a mí me parece un pareado de chiste, pero el actor lo colma de gravided, profundidad, entonces es cuando da miedo.

Hopkins construyo todo un edificio psicológico alrrededor de Hannibal, de tal forma que hizo sentir al personaje desprecio por el género humano. La primaria idea del asesino era acabar con su víctima por compasión, por que no merecía vivir.

Dotó al personaje, que es psiquiatra y un consumado psicoanalista, de unos gustos refinados y muchos rasgos intelectuales, con los que es capaz de ejercer una rara atracción a Clarice, (¡Qué recuerdos, clarice cuando pronunciaba su nombre con aquella voz!).

La primera mueca  en su cara era un sonrrisa perturbadora, tras la cual podía esconderse el mayor de los monstruos, la voz dulce, aterciopelada, el actor dice que es una mezcla entre la de Thruman Capote y Katherine Hepburn. Por contra, mantine los ojos como platos, sin pestañear. Es una cualidad del personaje que añadió el propio Hopkins hablando con el director.

La máscara que usaron es distinta a la que escribió Harrys en la novela, ya que la careta de jugador de hockey sobre hielo, taparía las facciones de Anthony Hopkins, con lo cual se optó por fabricar un hibrido entre máscara de Hockey y en el que se le pudiera ver la cualidad y la importancia de los ojos. Los ojos del cazador que estan continuamente encima se su víctima, escudriñando el gesto más leve para lanzarse sobre ella.

En ese momento, dejamos de ver al Hannibal más racional, más doctor, más analítico y deja paso a la bestia inmunda, a ese canibal que lleva dentro.

La agente sterling es alienada de sí mismo, sale al encuentro del criminal donde va a ser arrastrada en la vorágine de los acontecimientos. Es una situación incómoda, frenética para ella pues quiere tenerlo todo controlado y le sobrepasan las circunstancias.
La agente a la que inerpretaba Foster tenía una amalgama de sentimientos enraizados que en su momento fueron válidos, para sobrellevar ese mundo plagado de hombres en el que se tuvo que hacer paso. Pero el doctor Hannibal Lecter, no era un hombre como los demás, quizás un asesino, pero fuera del alcance de su lógica como agente. Ella acostumbra a codearse con asesinos como el de la película, Buffalo Bill, pero no con gente como Lecter, que la mima mientras la asusta.

Antes que J. Foster, fue considerada para el papel de la agente Starling, a Michelle Pfeifer, es curioso, pero por aquel entonces Pfeifer, era una figura ya consolidada y Foster también, había hecho acusados amen de otras actuaciones increibles como Taxi driver. Hoy en día no entendería otra forma de buscar el personaje, con la fragilidad con el que lo dotó Foster, en ese fino equilibrio de una falsa apariencia de fortaleza.
En el capítulo de diseño, se produce una singularidad que a mí, como español e incondicional seguidor de Salvador Dalí, me parece como poco, impresionante. En la portada del cartel de cine, existe una peculiaridad en la mariposa que cierra la boca a J. Foster, y es que la cabeza del insecto, está compuesta por una calabera con los huesos de tres mujeres. El diseño inicial de esa calabera es del genio español Salvador Dalí.
Ha sido un homenaje a la mente delirante de los personajes de la película, curiosamente otro eje triangular. Buffalo, Sterling y Lecter. Precisamente, también el modelo de mariposa no fue elegido al azar, pues, el pespecimen expuesto en el cartel, (Acherontia atropos), pertenece a una especie africana, que en algunas épocas del año, emigra a zonas europeas, y que está asociada desde culturas milenarias a la mala suerte. Precisamente, en la cultura griega a la laguna estigia, morada de los muertos. Os dejo aquí una muestra del arte de Dalí, para que lo comparéis con la primera imagen. Si pinchais las imágenes se ven más grandes.

Anthony Hopkins, hoy reconocido como uno de los grandes, y haciendo aun actuaciones impresionantes estos últimos diez años, será recordado por esta película, no en vano, se ha comvertido en un personaje del inconsciente colectivo popular.
Él es un hombre prudente donde los comportamientos histrionicos más característicos en gente como Nicholson no se dan, pero en un tiempo muy lejano ha tenido que lidiar con algunas bromas pesadas del personaje de Hannibal Lecter. Es el caso de locales que solía frecuantar el actor y que a raíz de la película en más de una ocasión, a pesar de pedir otro menú, indefectiblemente le servían hígado crudo, con un ligero giño de ojos.
El actor acabó muy quemado. Uno de los ejemplos más claros se vió en una entrevista. En la busqueda del personje, Hopkins había añadido la característica de que el doctor, nunca parpadeaba, siempre mantenía la mirada, como elemento perturbador. En la promoción de la película lo repitió hasta la saciedad. Pues en una entrevista, años después, un periodista le dice si había percibido que el personaje nunca parpadeaba. A lo que el actor respondió "No sé, ahora mismo me entero de eso".

En orden a otras anecdotas de la cinta, Roger Corman, el insigne director de cintas de clase b, casi todas de terror, "La tienda de los horrores", "El terror", etc... Hace un cameo como forense.
Demme construyó una sinfonía terrorífica en algunos momentos de la cinta. En especial en las conversaciones entre Hannibal y Clarice. Hay una tensión continua, hasta la última escena, donde la deja al teléfono sugiriéndole que el mundo es más interesante con ella ahí fuera, claro, esto con Hannibal suelto.
La película fue un enorme éxito de crítica y público a pesar de que existían numerosas voces dicordantes y críticas, sobre todo del sector homosexual, cirucunstancia que apenó a Demme, gran defensor del colectivo. Al año siguiente callaría muchas vocas al estrenar "Philadelphia", una dura historia de discriminación homófoba con la que se alzaría con el oscar.
En este sentido, el film ha sido un hito, pues es la primera película de terror en ganar el oscar a la mejor película.

EL GABINETE DEL DR. CALIGARI

EL gabinete del doctor caligari, película de Robert Wiene, hecha en 1919 y estrenada en 1920, es una de las obras más sobresalientes de lo que llamamos “Orígenes del cine”. Encuadrada y una de las máximas exponentes del expresionismo alemán. En pocas palabras, porque seguramente le dedicaré algún post en el futuro, el expresionismo alemán es un movimiento cultural y artístico que nace mayormente en Alemania. Nace como oposición al impresionismo. Era un movimiento que se niega a aceptar la realidad como forma única de expresión artística. Conviene dar cuenta de la época y la coyuntura cultural del momento. Recién acabada la primera guerra mundial, Alemania está hundida economicamente y psicologicamente humillada. De hecho algunos Pseudo historiadores del cine han dicho barbaridades sobre el movimiento en el sentido de que fue capaz de provocar una conciencia propicia al ascenso de Hitler. Dato que es muy discutible, además en otros países ya hay implantado en el arte, el simbolismo, con el que comparte el expresionismo ciertas características. También son los años en que campa el psicoanalismo de Sigmund Freud, etc...
El expresionismo opta por la  deformación de la realidad, porque quiere obtener un punto de vista más humano, basado en sensaciones y sentimientos. Trata de presentar un escenario más subjetivo, más sutil. Hay que dar cuenta de un periodo histórico post primera guerra mundial, y la realidad y la gente no estaba de humor para ver la realidad descarnada.

Los nombres que estuvieron también dentro del movimiento, habían sido: Fritz Lang, Paul Wegener, Friederich Wilhelm Murnau, Josef Von Stemberg, Ernest Lubitsch, Ewald André Dupont, entre otros.

Movimiento por otra parte, muy comprometido, no sólo en la esfera del cine, sino también en la arquitectura, arte, música, etc… A partir de aquí, muy atentos los que tienen debilidad por la moda, arquitectura y la fotografía, porque en estos campos, el expresionismo alemán ha sido un filón una fuente inagotable de imaginación y recursos. Dentro de lo que podemos decir de la moda, presentan a unos personajes tan estrafalarios en sí mismo que cualquier modisto se derretiría como flan par vestir a estos seres. Dentro de lo que es la arquitectura, la película es tremendamente innovadora, utiliza formas geométricas distorsionadas, incluso muchas veces puestas de una forma repelente. Con diagonales y demás deformaciones de líneas que han calado en el séptimo arte, más allá de su sentido inherente. Muchas de esas líneas transportaban a una composición onírica, para desprendeses del espacio, que más que sitio físico perceptible se convertía en una presencia turbadora.

En un principio, el elegido para dirigir esta película era Fritz Lang, pero el realizador la había tenido que rechazar por problemas de agenda, estaba contratado para llevar a cabo la producción de las arañas. Con lo cual el camino quedaba libre para Wiene, que hizo unas pruebas de cámara, según el look y estilo de película que querían sus gionistas y productor. La prueba de cámara resultó ser un éxito rotundo y el director permitió que la película fuese grabada bajo las premisas del impresionismo.

 La puesta en escena fue tan vanguardista, que hasta el negativo se hizo tintado de varios copulantes (Colores, para le que no entienda de fotografía), para que diese una sensación de desasosiego y futurista. Los decorados habían sido hechos y diseñados por pintores. 
En la elección de cámaras y ángulos es muy exquisita, ya que pueden ayudar a crear atmósferas opresivas que van muy bien con lo que se pretenden contar. Objetifos con mucho ángulo de visión que producían una aberración de lente. (Vamos, que curvavan las líneas) unido a la decoración intensificaba la sensación. Se usó mucho el iris, para aumentar esa claustrofobia.
El maquillaje caracterizando a algunos actores también tiene una especial importancia, ya que da el tono de lo que podemos esperar de ellos.
No se me quitará esa imagen de Césare, el aparente ser de piel humana que el doctor Caligari usa para su circo con la mirada blanca, casi nuclear. Es aterrador, porque representa a esa generación entreguerras. Justamente la historia cuanta como el Dr lo tiene en una especie de hibernación de veinte años, poco más o menos que el periodo de entregerras, y luego sale el asesino que lleva dentro. De ahí las connotaciones pre-nazis.
También se ha asociado a cualquier tipo de sociedad, que bajo una ceguera se tiene que dejar llevar por un doctor interesado. Con lo que podéis quedaros con la que quráis.

También en su forma de narrar historias es innovador, porque retuerce también el tiempo narrativo a modo de flashback, que por aquel entonces no era muy frecuente.
El guión original experimentó una modificación en el final, haciendo que todo fuese algo imaginado en la mente, de otra manera resultaría muy siniestro para el público.
Bueno, espero que os guste la película a los que no la habéis visto y los que la habéis visto no os defraudase mucho, porque hoy en día no hay un gusto excesivo de este tipo de cine, que como bien dice la pripia historia del cine, es parte de sus orígenes y merece un respeto superlativo. Muchos directores de hoy que nos pueden parecer innovadores, seguramente bebieron de las fuentes.
Si no queréis gastar, la película circula libre por internet, está en inglés, pero se ve bien, no hace falta saber mucho, es muda, sólo se lee. Es patrimonio de la humanidad.

http://www.youtube.com/watch?v=xrg73BUxJLI&feature=fvsr 

CON FALDAS Y A LOCO (Some like it hot)

Bueno, pues yo creo que estamos ante un clásico entre los clásicos , la comedia americana por antonomasia. Es difícil que yo escriba algo más sugerente que otros para animar al personal a ver esta película. Estoy seguro  que la inmensa mayoría o ha visto la película o ha oído hablar de ella. Se me ha ocurrido escribir sobre “Con faldas y a lo loco ” por hacer un homenaje a Tony Curtis, muerto el año pasado.

La cinta es una adaptación de una película alemana “Fanfarria de amor” de la que coge la idea principal del travestismo. Además es un homenaje a todo el cine negro clásico, en efecto está ambientada en la época de la ley seca americana, finales de los años 20, antes del crack de la bolsa del 29. De hecho, la matanza a la  que se hace referencia es la de San Valentín, acaecída en realidad. 

Por empezar de alguna manera, lo haré por Billy Wilder, sino el mejor director de su generación  en lo que a comedia se refiere sí es el que más talento atesora. Ya tenéis varios apuntes de este director en post anteriores como “El crepúsculo de los dioses”. Ya sabemos cómo se las gastaba el bueno de Billy, en  esta entrega veremos cómo se las ve y desea con Marilyn Monroe, a la que pone a caer de un burro por una parte y por la otra, bueno…, por la otra también. Para él resultaba insoportable. Aunque en el fondo la quería. Sabía que era una de estas muñecas rotas que suele fabricar Hollywood. Sabía que era pupila de Lee Strasberg, o al menos iba siempre acompañada de la mujer de este y en cada toma Marilyn le pedía la opinión. Eran íntimas amigas, pero esto exasperaba a Billy Wilder, con lo que un día cansado de tanta tontería, en vez de ser Marilyn la que pregunta, se adelanta este con voz socarrona y aguda, en un tono cabrón “Ha estado bien, miss Strasberg”.

Hay que perdonarle estos pequeños deslices al maestro, puesto que también nosotros nos beneficiamos de ese arranque de acidez y humor negro. Hay más desplantes, pero los contaré más adelante, porque Marilyn Monroe es un mito, una sex-symbol, pero tela, tela, lo que le costaban algunas escenas. Se puede achacar a que por esta época estaba embarazada de Arthur Miller, por eso han tenido que retocar los carteles promocionales, con tal de no denotar la ya incipiente tripa de la actriz. Al final, Marilyn perdió el hijo. Por eso digo, que a veces estas muñecas rotas de Hollywood no tienen una vida tan placentera como desearía cualquiera de nosotros.

El Vienés, Wilder, venía de hacer una serie de películas dramáticas que nos quitaron el aliento y  junto a A.I. Diamond formó un dúo que no ha tenido parangón en la historia del cine a la hora de la elaboración de guiones para películas. Para esta película han usado un humor muy negro, aunque hoy en día no se estila el humor de los años cincuenta, te partes el culo igual, da lo mimo que la hubieses visto diez veces, aún hoy te caes de la silla. Con todos es una película que se codifica bajo la pícara mirada sexual de estos años y hoy ya no se estila. Hoy resultaría vulgar referirse al tema en esos términos.

Los diálogos son electrizantes, desde la presentación de Sugar Kane, el personaje de Monroe, donde Tony Curtis y Jack Lemon hablan del sexo femenino mirando para las piernas de Marilyn que avanzan por el andén con un ritmo muy particular del que Jack Lemon solo acierta a decir – ¡Mira eso!, mira como se mueve. Parece gelatina montada sobre muelles. Como si tuviera un motorcito interno o algo parecido. Es otro sexo completamente distinto -. Después de todo esto, un malintencionado vapor de tren hace estremecer y parar el ritmo del motorcillo.

Es que Paula Strasberg la había enseñado bien, y en pantalla Marilyn aparece espectacular, pero por detrás todo fueron disgustos, mal humor, retrasos. Para empezar Marilyn tenía una escena en el tren con Tony curtis, en la que estaban picando hielo, y tenía que decir una frase que estaba escrita en uno de los cajones que tenía que abrir para coger ropa, con lo cual quedaba perfectamente disimulado. Pues nada, la chica tenía que repetir la escena 59 veces… y no os perdáis cuál era la frasecita, cito textualmente “¿Dónde está el bourbon?”. Otra de sus perlas eran los retrasos, normalmente llegaba a los estudios no menos de dos horas tarde todos los días, a lo que Wilder en un principio montaba un circo, luego ya pasó del asunto directamente. Un día declaró que la actriz solía retrasarse y que ahora la llamaba en Mayo y aparecía en Septiembre. Harto de su tardanza un día le recriminó el hecho y Marilyn se excusó diciendo que se perdió de camino a los estudios. Wilder montó en cólera, - siete años viniendo a los estudios y me quiere hacer comulgar con que se ha perdido, menuda trola – Luego fue peor, porque supo que no le había mentido. Con razón Tony Curtis decía que era una mujer encerrada en un cuerpo de diosa y una mente de una niña de cuatro años.
Que nadie piense que este post sirve para poner a caer de un burro a Marilyn Monroe, me apoyo en datos verídicos vertidos de las anécdotas del gran libro amarillo de Some like it hot. Marilyn, cuidado, que ha sido una niña víctima de abusos sexuales, nunca ha tenido una vida fácil, para empezar perdió a sus padres a una edad muy temprana y siempre ha tenido problemas. Para superar todas esas adversidades hay que tener algo. Para mí es una mujer y una figura admirable. Pero bueno, igual la memorización no era lo suyo, que se le va a hacer.

Con todo, pese a lo mal que lo pudiera pasar Marilyn con el guión, es una obra de arte, de orfebrería cuasi perfecta. Todo en el es aprovechable, desde las mayores mentiras y excusas hasta las mayores casualidades. Me explico, Dos músicos sin trabajo, necesitan ir de viaje y van a alquilar un coche, es la premisa ideal para encontrarse con una matanza en medio de un garaje. Se tienen que camuflar de manera que los gansters no los pudiesen reconocer en la vida, así que se enrolan en una orquesta femenina. De esa forma ya tenemos justificado tocar el tema del travestismo sin miedo a la censura.

Lo bueno que tenía este dúo, me refiero a Wilder y Diamond, es que no dejaban cabos sueltos, no dejaban nada para el azar. Una de las anécdotas más famosas de la película tiene que ver con el guión y el final de la película. Diamond y Wilder trabajaban continuamente depurando el guión… y hasta que no encontraban el giro genial no descansaban. Paradójicamente, la frase más famosa de la película “Well, nobody is perfect” (Bueno, nadie es perfecto) fue la frase que dejaron porque no se les había ocurrido en el tiempo de rodaje otra mejor.

Jack Lemon entró en la producción de rebote, imaginad la película sin Jack Lemon. Pues es verdad, en un principio el papel fue ofrecido a Jerry Lewis, que lo rechazó por el carácter homosexual encubierto de los protagonistas. Desde entonces, cuando se cumple el aniversario de la película, Jerry Lewis, recibía religiosamente en su casa una caja de bombones en agradecimiento por rechazar el papel, firmado Jack Lemon. Jack Lemon comienza con esta película su época de plenitud, se coloca en la cima de su carrera, luego hará "El apartamento", "Días de vino y rosa", con las que se consagraría como actor de comedia, aunque era un fenomenal actor dramático, lo demostró en "Missing". Generalmente, los buenos actores dramáticos, no tienen porque ser buenos actores cómicos, en cambio los buenos actores cómicos son buenos en el drama. Hoy nadie discutiría el protagonismo de Lenon y su magnifica compenetración, pero entonces llevaba las de perder con Lewis. Hoy, mirado desde otro punto de vista, diríamos que Jack Lemon le imparte unas clases de interpretación a Lewis.

Tony Curtis,  es quizás, del trío protagonista,  el que menos se ha mitificado después de tanto tiempo, pero la verdad es que está impresionante. Debemos caer en la cuenta de que antes de él se buscó para el papel a Gary Grant y a Frank Sinatra, más que nada porque en etapas de la película tiene que dar el toque señorial y de gentelman. Pese a su relativa juventud, supo llevar a la perfección el rol de vividor a costa de una pobre doncella impedida en sus brazos como era Sugar Kane (Marilyn Monroe). Mantener el típo con ese monumento delante, aunque para ser justos, con las veces que Marylin tenía que repetir las tomas tuvo tiempo de ensayar y ensayar. Otra de las peculiaridades del personaje que ha tenido que afrontar Tony Curtis, es el hecho de que no doblaba personaje, sino que lo tripicaba al meter por medio al multimillonario playboy hijo del imperio de la petrolera Shell. Hay una frase imperecedera, fruto de la genialidad del dúo de guionistas que hace referencia a la astucia del personaje, se produce cuando Sugar Kane dice "No podré olvidarte, a cada sitio que voy, veo una Shell".
Tony tambié ha tenido problemas con Marilyn Monroe, a saber de muchas escenas en las que ha tenido que soportar un suplicio porque  ella no estaba en el punto justo y el se desesperaba al tener que clavar todas las escenas. La más conflictiva fue la del beso en el barco, en la velada nocturna, cada vez que la repatían a Curtis se le empañaban las gafas como es natural, pero el que es actor sabe que en cada toma tiene que olvidarse de eso de manera consciente y... la verdad, yo comprendo a Curtis, devió de ser un suplicio. El mismo  Curtis llegó a declarar que "besar a Marilyn era como besar a Hitler". Posteriormente desmintió que el huviera dicho tal cosa.

Tony Curtis y Jack Lemon tenían un ligero problema de maquillaje, aparecían verdes en las pruebas de cámara cuando aún se pensaba hacer la película en color, la razón era la excesiva cantidad de polvo que llevaban para tapar en la medida de lo posible sus facciones masculinas. Wilder, espantado por el resultado, se apresuró en cambiar la producción a blanco y negro. El único escollo a salvar era el de Marylin Monroe, que tenía un contrato con la Fox en el que se especificaba que todos  las producciones de la actriz deberían de ser en color, en caso contrario, la actriz tendría la potestad de rehusar aparecer en la película. Finalmente, Billy Wilder logró convencerla porque le dijo que en blanco y negro con esos vestidos iba a quedar espectacular en pantalla, como las grandes divas del Hollywood clásico. Marylin aceptó.

Apropósito del vestuario, Marilyn apareció con unos vestidos ligeros de tela, una circunstancia extraña para la época. Lo cierto es que lució como nunca en pantalla. Hay una anécdota, donde el encargado de vestuario, le toma las medidas de la cintura para el vestido y le susurra al oído a Marylin que Tony Curtis tenía un culito más fino que ella. Ella, airada, se da la vuelta se desabrocha la blusa y le responde: “Él no tiene unas tetas como estas”.

Ya veis amigos no lo podemos tener todo. Como diría Jack Lemon, “Bueno, nadie es perfecto”.

LAS UVAS DE LA IRA

"El más impresionante retrato de la depresión que asoló los Estados Unidos en los años treinta viene firmado por la mano maestra de John Ford. Un canto a la solidaridad. Cotidiana, lírica y comprometida, una película inolvidable, necesaria y magistral" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

 Cuenta la aventura de los miserables, de los oprimidos, los que por desgracia o fortuna se ven obligados a vivir vagando en pos de la dignidad en sus vidas.

Todo se resume en las inolvidables frases que Tom Joad refiere a su madre antes de partir por última vez: "... Allí donde haya un policía pegando a un muchacho, allí donde un recién nacido llore porque tiene hambre, allí donde haya una lucha contra la sangre y el odio en el mundo, mírame allí mamá porque allí estaré. Allí donde haya alguien luchando por asentarse en algún lugar, o por un trabajo decente o una mano amiga, allá donde haya alguien que luche por la libertad, mira en sus ojos mamá porque allí estaré yo...".

Un western moderno (un viaje al oeste en busca de trabajo y bienestar), realista, ya en la era del automóvil, durante la Gran Depresión en los años 30 y la sequía ("Dust bowl", o tormenta de polvo) que asoló Oklahoma simultáneamente. Una película perfecta, en blanco y negro, de 1939, un melodrama que impacta como tal (emocionalmente) a causa de las penurias sufridas por una familia (y miles de otras) que sin un mendrugo de pan que llevarse a la boca, no tienen más alternativa de ponerse el mundo por montera. Con unos campos que ni valía la pena trabajar, no había ayudas al campesinado y tuvieron que emigrar para tener un futuro de jornalero explotado.

Hoy en día me pregunto por lo que estamos viviendo estos días y aunque quiera no puedo encontrar paralelismos porque no estoy en esa situación. Aunque si advierto por llamadas a la radio en algunos casos la misma desesperación que la que podía haber tenido cualquier familia que se hubiese visto en la situación de la cinta.

Este film, cada día gana más adeptos, sobre todo desde que ha salido en formato digital. Habla de la vida misma, y de hechos reales. John Ford, en ciertos momentos utiliza un tono documental o pseudo-documental, sólo permeabilizado por las emociones que emanan de los protagonistas de esa realidad.

Tom (Henry Fonda) sale de la cárcel, y descubre que para su desgracia existen fuera de esos cuatro muros otros tantos en el exterior que no dejan respiro. Cuando entra en la cárcel vivía en la Norteamérica de la bonanza económica, la bonanza de los años 20, y cuando sale y se reinserta en el mundo libre, tiene que hacerlo en la gran depresión fruto del crack del Down Jones en 1929. Los ánimos estaban más exaltados, no era un tiempo fácil para forjar modelos o héroes. Sin embargo, aun considerando a Tom, un hombre con manchas pues es exconvicto, hace ver, que Ford, lo que quiere es presentar a un hombre normal, representante de la gente buena, corriente, sencilla, que sufre inpertérrita la impotencia de ver como hasta los más primarios derechos les son denegados en favor de los poderosos que siempre los han explotado. 

Ahora es cuando viene la parte del cine que más me gusta, donde lo imposible, se hace realidad. Y esta vez, la pifia es gorda, y no es de la cinta ni del director, si no de la Unión Soviética. Ya sabeis que la censura de las películas americanas en la Unión Soviética era terrible, pero es que en 1940, un año después del estreno de “Las uvas de la ira”, permitieron su estreno y difusión en la tierra de los antiguos Tzares. Supongo que ya os imagináis porqué, ponía en evidencia el sistema capitalista y el declive de la sociedad norteamericana. Las autoridades encantadísimas. Bueno, claro, hasta que el público en la Unión Soviética se enteró, que en América, la familia más paria, más pobre, podía permitirse ser propietaria de vehículo propio. Ja, ja, ja. Aún estoy viendo la cara de póker que tendrían los mandatarios.

Bellísima fotografía, actuaciones inolvidables, parlamentos de gran fuerza, situaciones propias de un cataclismo social. Un comentario a menudo repetido dice. "Una de las más grandes películas de todos los tiempos". No debe trivializarse su grandeza haciendo lecturas tendenciosas de intenciones políticas, si eso es posible. Es una obra acerca de la esperanza y la resistencia, acerca de la necesidad, acerca de la "condición humana".

Adaptación de una novela de John Steinbeck (1939) hecha por Ford, casi fiel a la obra homónima, pero con el cambio del final, para hacerla más digerible en cine, que el final primitivo y demoledor que Steinbeck había ideado.

Me ha parecido oportuno rescatar esta película en la situación actual, económica quiero decir, porque siempre nos ofrece algo en qué pensar.

También me pareció oportuno rescatar esta entrevista con Ignacio Julià hecha al jefe, Bruce Springsteen

“Mi vida fuera de la música fue muy vulgar hasta que un día alguien me recomendó Las Uvas  de la ira, una película de John Ford que pasaban aquella noche por la tele. En América, cuando pasan una película en blanco y negro todo el mundo cambia automáticamente de canal. Yo mismo había cambiado de canal varias veces al principio de Las Uvas de la Ira, pero aquella noche la vi y esa película despertó mi curiosidad por enterarme de las cosas, por leer libros, ver películas. Comencé a ver todas las películas de John Ford, los westerns y todo eso, y me enseñaron mucho más sobre la historia de mi país que todos mis años de escuela juntos” B.S.