UNO DE LOS NUESTROS

 "Típica película de Scorsese: larga, densa, de esmero plástico y, narrativamente, dura y profunda. Los personajes están soberbiamente interpretados por Liotta, De Niro y Pesci. Muy buena" (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

Nunca he oido una declaración de intenciones tan descarada como la que Scorsese nos ha hecho en esta ocasión.

Ray Liotta : “Que yo recuerde, desde que tengo uso de razón, quise ser un gángster”. Y todo esto después de haber, disparado y acuchillado a un hombre en el maletero de su coche, junto a otros dos energúmenos como él.

En las primeras escenas se gesta el pacto que va a establecer el director con el público de la sala. Habremos de acompañarle en un viaje cómplice, donde nos vamos a encontrar con una amalgama de situaciones y personajes límite, antihéroes fuera de la ley. Es la desmitificación del gángster clásico y la familia organizada. Aquí cada cual va a su bola sin importarle la amistad, el parentesco o demás cuentos chinos que sirven para ablandar el corazón. Si te toca ir a prisión, no pasa nada, eres el rey de la penitenciaría. Únicamente tienes que tener en cuenta una cosa, no irte de la lengua.

Quizás nos conquista y apasiona ese mundo como consigue con el protagonista, el imberbe Henry Hill, que tras ese mundo de juego, poder, trajes y relojes lujosos, cae en la trampa de creerse el más listo de todos los chicos listos. ¿Quién como él a su edad no caería en la tentación?, aún hoy, sabemos que son unos sinvergüenzas y nos caen bien de todas formas.

Es un mundillo que conoce Martin Scorsese, no en vano se crió en “Little Italy”, vamos, que creció en el medio de la pomada. No tomó su vida otro derrotero, porque estuvo muy enfermo durante una larga temporada. En la cama, postrado, cimentó su vena cinéfila y al final se convirtió en uno de los mejores directores del último medio siglo.

Como ya suele ser habitual en la filmografía de Scorsese, nos cuenta una historia de ascenso y posterior caida. Adaptado de la novela de Nicholas Pileggi, quien le ayudó con el trabajo de guión, pues la verdad es que la estructura narrativa a la que nos quería llevar Scorsese, tiene mucha componente narrativa y de novela. La voz en off, nos va conduciendo por las sinuosas curvas de esta película, sirve de contrapunto a esos momentos de excesiva violencia o descontrolado carácter de alguno de sus personajes. Joe Pesci, hace ya su célebre aportación de gangster cabreado, actuación que le vale el Oscar de la academia, que volvería a repetir en “Casino” junto a Scorsese y de Niro. Si cabe, en esta película está más contenido y comedido. Su actuación es más natural y por lo tanto gana más la película. Prefiero “Uno de los nuestros” a “Casino”, porque las dos hablando de lo mismo y quizás, con un carácter y un espíritu gamberro, Uno de los nuestros es más natural, más creíble, más orgánica, mientras que Casino es una película basada en el desenfreno, de hecho tiene un ritmo y un lenguaje en el que te sientes como en una montaña rusa.

De Niro, no siendo un gran papel el de Uno de los nuestros, hace una interpretación curiosamente inquietante, porque sabes que es un asesino y de los peores, todos cuentan historias alrededor de él, pero él aparece afable, como un padre protector, alguien sobrio de quien aprender el oficio. En todo momento la aptitud de Robert de Niro es misteriosa, porque hiela la sangre. Un hombre del que sabes que es capaz de lo peor, pero para matarte, antes te seducirá con un caramelo, y no sabes nunca cuando atacará.

No es por confesar que De Niro es para mí, como lo fue para Scorsese, un actor fetiche. De hecho, la gran oportunidad perdida de esta película fue la de no aprovechar a Robert De Niro de protagonista. Vosotros aduciréis que lo digo porque me gusta, pero la realidad es más simple. Scorsese quería a De Niro para protagonista, pero el actor respondió con una negativa. Explicaba que ya había participado en “El padrino”, “Erase una vez América”, en “Los intocables” hizo de Al Capone, y el parecer de Robert, era contrario a realizar en tan poco espacio de tiempo otro papel relacionado, pues el miedo al encasillamiento estaba latente. Además, uno de los fuertes del actor y en parte, lo que le catapultó a la fama, fue esa capacidad de camuflarse en infinidad de personajes variados. Esto supuso un problema para el director ya que tenía todo listo y no se esperaba que el actor que participó tantas veces con él y que además era amigo íntimo, rechazaría el papel sin siquiera leerlo. Bueno, hay que entender que Scorsese se creyó que De Niro había leido el guión, por desgracia no fue así. Podemos achacarlo todo a la desgracia, porque Scorsese conocía muy bien a De Niro y sabía que no era de esos que no se tomaban su trabajo en broma. Sabía además que Bob, diminutivo con el que se conoce a De Niro, era uno de esos actores que si el papel era interesante haría lo que fuese, removería cielo y tierra para conseguirlo, con lo cual encagó sin hurgar más, la escusa del encasillamiento era comprensible, con lo que tenía que buscar a otro protagonista. Encontró a Ray Liotta y comenzó el rodaje. Fijáos como son las cosas, que en esto, De Niro lee el papel e inmediatamente llama a su viejo amigo diciendole que aunque sea un papel de mafioso, el personaje es de primera, tiene muchas posibilidades y el guión es buenísimo. La pena es que Scorsese le tuvo que denegar la petición pues ya había protagonista, así es la historia de cómo De Niro terminó en la película haciendo el papel de Jimmy Conway.

Si tan sólo una pizca más de fortuna y menos de estupidez bastara para cambiar el destino de una película, esta fue la ocasión perdida de hacer una obra maestra indiscutible. No es por desmerecer el trabajo de Liotta, que es un actor muy correcto, pero solo eso. Creo que su aportación a la película es salientable, aunque para que nos vamos a equivocar, todos estaríamos babeando si hechásemos la mirada atrás, 20 años y viesemos a De Niro en el papel de Henry Hill.

Imaginad, que aun así, esta película está considerada como una de las tres mejores películas de la historia del género Mafioso.

Lo mejor de la película y su guión es que está no sólo ambientada en el mundo de la mafia y luego se desarrolla como una historia paralela, si no que el golpe de la Lufthansa fue real. La policía y el FBI, aun hoy no han dado con los responsables del golpe, pues las investigaciones que seguían, cuando se acercaban peligrosamente a alguien, este acababa muerto, con lo que saben que utilizaron un chivaton en la Lufthansa, incluso saben milimétricamente como se produjo el robo, pero no tienen idea de quien fue.

El mafioso al que encarnaba Joe Pesci, Tommy Desimone, asesinó al chaval que le servía las copas tal cual como aparece en la película, relatado por el verdadero Henrry Hill, del que la película cuenta su vida. Y es que, además, no es necesario inventar mucho, pues la vida de Henrry era tal cual. El guión de Nicholas Pileggi y Scorsese es fiel a la vida. Sólo se tomaron algunas licencias en escenas, como la de Pesci, en la que advierte a Liotta, para que lo tome en serio, por otra parte una de las escenas más logradas de la película y paradójicamente dirigida casi en su totalidad por el actor Joe Pesci.”¿Por qué cojones dices que soy gracioso?, acaso ¿tengo cara de gracioso?”

Esta es la escena

La rumorología estos días, anda divulgando que se pretende hacer por parte de la HBO, una serie basada en la película, y en la que podrían estar involucrados Nicholas Pileggi, escribiendo algunos guiones y Scorsese produciendo y dirigiendo el capítulo piloto.

Como anécdota comentar, hablando de series, que David Chase, el creador de 'los Sopranos', nunca escondió su fascinación por la película de Martin Scorsese. Hasta el punto que le había propuesto el papel de Tony Soprano a Ray Liotta, que se negó y fue contratado James Gandolfini para el papel.

Yo tampoco lo puedo negar, esta película inspira mucho, el director Frank Darabont visionó cada domingo durante el tiempo que duró el rodaje la película "Uno de los nuestros" de Martin Scorsese, para inspirarse en los diálogos de la narración en off y plasmar en la pantalla el paso del tiempo. La estructura y el montaje del guión trabajado con improvisaciones por parte de los actores y director es escepcional, hay que felicitar a Thelma Schoonmaker, montadora y habitual colaboradora de Scorsese.

Hablaría horas y horas de esta película, sólo diría para acabar, que los que no la habéis visto, que por desgracia aún hay gente por ahí, teneis que verla, y los que ya la han visto, recomendar su nuevo visionado para regocijarse en esta obra de arte.

  El verdadero Henrry Hill

Os dejo aquí una muestra del guión:

“Para nosotros vivir de otra manera era impensable, la gente honrada que se mataba en trabajos de mierda por unos sueldos de miseria que iba a trabajar en metro cada día y pagaba sus facturas estaba muerta, eran unos gilipollas no tenían agallas. Si nosotros queríamos algo lo cogíamos y si alguien se quejaba dos veces le dábamos tal paliza que jamás volvía a quejarse, era una simple rutina que ni siquiera lo pensábamos”

“Si formas parte de un grupo, nadie te dice que van a matarte. No hay ni peleas, ni insultos como en las películas. Los asesinos llegan con una sonrisa”.

“Jimmy era de esa clase de hombres que en las películas siempre están del lado de los malos”.

“Entre nosotros siempre nos llamábamos buenos compadres, como cuando dices a alguien verás como te cae bien, es un buen compadre, uno de los nuestros”.

- Mi hija me ha comentado que es usted medio judío.

- Es mi mejor mitad.

“Para mi ser gangster era muchísimo mejor que ser presidente de los Estados Unidos”.

“Sé que hay mujeres, por ejemplo mis mejores amigas, que habrían dejado a su novio en el momento que les hubiera dado un revólver. Pero yo no. Si he de decir la verdad, hasta me puso cachonda”.

Y muchas más, el filón es inagotable.

SIN PERDON (Unforgiven)

Perteneciente al subgénero de western crepuscular, está considerado como la mejor del género de los últimos 25 años junto con quizás, bailando con lobos. Aunque Sin perdón deja un sabor más cercano al salvaje oeste.El título original era "Unforgiven".

Hai imágenes tan poderosas que crea el cine, que ya no se diluyen.Quien no ha visto a Eastwood enfadado, acordaros de la analogía que hacia de Gran torino y Unforgiven, en la que una mueca incendiada, llena de odio y sed de justicia, nos mira apuntándonos con un rifle. Eastwood siempre tiene ese enlazar escenas de una película a otra, de hecho nunca ha inventado nada nuevo, es como si viviese de revisiones de lo anteriormente visto con Sergio Leone y Don Siegel. Pero si cabe pone de relevancia la importancia de la revisitación de los géneros, ya que, mejora muy mucho el Spaguetti western, no me refiero a "Hasta que llegó su hora", que por supuesto es una obra maestra de Leone, si no a su trilogía de los dólares y demás Spaguettis.

Este western destaca por su madurez, separándose de todo lo anteriormente hecho por este. Los personajes son desgajos que va moldeando el tiempo y el infortunio, heridos por fuera y humillados por dentro, abocados a reverlarse contra la violencia engendrando esa misma violencia. Un círculo furioso y nauseabundo envuelto en una pesadumbre, una gravedad y un peso, poco frecuente. Tratandose de un western se puede decir que traspasa con creces la psicología de sus protagonistas, para dotarlos de sentimientos contradictorios y fallos inconfesables.

Esta atmósfera negra que crea el director y se cierne sobre los protagonistas, a quien los ahoga, no deja que se desarrolle su lógica, que disparen sin preguntar, no aquí tienen que pensar y elegir la opción menos mala. No hay lugar para lamentos, todos funcionan por el principio de acción reacción. Los valores que posee en protagonista distan mucho de los del héroe, más bien es una sombra del pasado que vuelve a saldar su cuenta con la justicia o con aquello que siempre ha vilipendiado.

Se trata de la vida y obra de William Munny, un expistolero retirado que se dedeca a cuidar de los cerdos y sus hijos, y que se miente cuando da por enterrada su época negra. Se trata de la desmitificación del pistolero, y por extensión del Western, a los que se le añade temas y una profundida filosófoca que nunca antes había obstentado.

Los personajes están descritos con caracteres duros y recios, la acción sucede en una región desolada, como en muchas partes de la película impregna a sus personajes. No hay lugar para la vacilación, la brutalidad de Hackman es inenarrable y conduce a todos los personajes a situaciones límites. Confluye todo en la escena donde entra Eastwood, con el rifle en manoy calado el sombrero,  lleno de ira y sed de venganza. La voz de Constantino Romero hace el resto.Una realización maestra.

FRASES

  CLINT EASTWOOD "Bien, ahora voy a salir. No dudaré en matar a quién vea fuera y si alguien se atreve a dispararme, además de matarle a él, mataré a su esposa, a sus amigos y quemaré su maldita casa. Estais avisados".

ALICE "El que permitamos que idiotas malolientes nos monten como caballos no significa que permitamos que nos marquen como caballos. Es posible que solo seamos unas putas pero por dios no somos caballos."

WALL STREET

Me parece muy oportuno en esta época de crisis, recomendar esta película y descubrir los puntos oscuros del tan alabado neoliberalismo económico. Aquella nueva idea revolucionaria que iba a cambiar el mundo para bien y sería capaz de alienarnos de nuestras preocupaciones básicas para ascender en la pirámide de la vida, aquella que inventara Maslow para explicar nuestras necesidades.

Stone tiene la necesidad de retratar los desafíos que se marca la sociedad americana, sus aciertos y sus fallos. Quizás en esta película retrata uno de los fallos más marcados del último periodo de siglo pasado, la actividad bursátil. Siempre tan llamativa, tan atractiva, como preparada por el mismo diablo para hacernos caer. Como todo en el mundo del engaño, todo sube y baja, solo se mantiene el que es partícipe de la mentira y juega con nosotros.

La crítica que quería aportar Oliver Stone, era al sistema capitalista en el que todo los bienes del planeta se amasaban en las manos de unos pocos que lo administran de manera depredadora sin importar a quien se lleven por delante. De la nueva sociedad neoliberal, ese mounstruo al que ya no se puede parar, tiene sus propias reglas, y no está dispuesto a perder la partida.

Por otra parte, Stone esconde sus verdaderas cartas, pues aunque parezca una crítica velada a su país y la forma que tiene su país y su cultura de entender el mundo, subyace en todo ello un tremendo erotismo, que atrae a todo aquel que se acerca a la película. Pues por ejemplo, la cinta causó gran sensación en los entornos Yuppies, y sobre todo en sus inberbes miembros que tomaban las máximas de Gordon Gekko, como su segunda biblia o su texto de cabezera.

La película tenía ideas tan novedosas como que la información mueve el mundo, en aquel momento, habían inventado internet, pero seguro que no se esperaban el boom de lo que es hoy, de hecho el móvil de Douglas, hoy en día pasaría por ser una cabína móvil. En los tiempos que corremos, tenemos asumidas estas ideas, este legado que nos ha dejado. La idea de la especulación, del fraude inmoviliario, del espionaje industrial, son ítems propios de nuestros días. Wall Street, ha sido una película adelantada a su tiempo y nos ha dejado otra manera de entender las finanzas, pues este no es un tema que apasione en Hollywood, y esta es una de las pocas películas que se erige de entre todas las demás. Stone domina el mundillo, porque su padre trabajó durante 35 años en la bolsa. Esta película va dedicada a él.

Todo aquello que dirige Oliver Stone,  que pasa por ser el que para muchos es la piedra en el zapato de la administración americana del último tercio de siglo, va cargado de crítica. En estas últimas cintas como “World Trade Center”, más que una pluma cargada de crítica, semejaba una crítica pluma cargada. Perdió un poco de punch, se volvió como el hermano aburrido de Michael Moore, dedicado a los paseudo-documentales. Ahora,  después de retratar a George W. Bush, vuelve con Michael Douglas en el papel protagonista (Gordon Gekko) por el que ganó un globo de oro y un oscar al mejor actor. La pena que te entra con estas segundas partes, (se estrenará el 8 de Octubre) es que las buenas obras es mejor a veces dejarlas como están, porque corremos el riesgo de estropearlas, o hacer caer el mito del personaje, porque Gekko, ya es un mito, es la personificación que el cine nos ofrece de un tiburón de las finanzas.

La cinta retrata un mundo gobernado por el dinero como único valor al que aspirar, sin importar los principios íntimos que puedas violar. Un mundo que te empuja a ensuciarte las manos y el alma. Precisamente, este mundo es el que se presenta en forma de sueño americano para un joven broker de la bolsa de Nueva York. Le atrae esa voracidad y esa competitividad que desprenden los negocios con especulaciones millonarias, como las que tiene Gordon Gekko.

Bud Fox (Charlie Sheen), ese joven, va adentrándose en un mundo de tiburones despiadados pensando que es una pecera que puede manejar, pero en la pecera sólo hay sitio para un escuálido, y en el mundo de este gran pez, las cosas funcionan por instinto o por dinero.

Oliver Stone se hace eco en esta película de un fenómeno que en los 80 supuso un nuevo hito en la economía en cuanto a prácticas financieras, pero que tarde o temprano se acaba pagando. Bud Fox comprende sólo al final, la pimera regla de oro en este mundillo, “Todo sueño tiene su precio”.

Frases de la película:

“Si no estás dentro, estás fuera”- Gordon Gekko.

“La codicia no es mala, ha hecho progresar al mundo”- Gordon Gekko.

“Si quieres un amigo, cómprate un perro. Esto son negocios”-Gordon Gekko.

“¿De qué le sirve al hombre ganar el mundo entero si pierde su alma a cambio?” (Mateo, 16)

Muy recomendable aunque no tengas ni idea de bolsa।

TRAINSPOTTING

Una de las películas más polémicas y comentada de los noventa. Ofrece una imagen de Edimburgo y de la adicción a la heroina que nunca ha sido igualada.

La cambiante fortuna de Renton, Spud, Tommy, Begbie, Sickboy y Diane nos lleva por el triunfo y la tragedia, y de ésta a lo que podría ser el golpe de su vida: dos kilos de su vieja amiga, y alguien que quiere comprarlos...

Este film obtuvo un importante éxito de taquilla, tanto por su verborrea politicamente incorrecta como por su desparpajo y su espiritu rebelde. La película aprobecha la más que novedosa forma de tratar el mundo de las drogas desde un punto de vista, distanciado. No afronta el problema de las drogas en sí, ni hace drama ni tampoco lo convierte en una fábula con moraleja, de hecho, no demoniza las drogas, si no todo aquello que las rodea. Se centra en las relaciones de aquellos dependientes, sus necesidades y sus defectos, sus aspiraciones y sus frustaciones diarias. La película tiene un mensaje social, pero está insertado de tal forma que no parece cantoso ni aleccionador de pacotilla.

La novela de Irvine welsh, de título homónimo a la película provocó un boom en el mundo editorial, por su visión fresca de las connotaciones del consumo de heroina. Además, el texto posee una gran frescura, ¿quién no se acuerdad de la parrafada inicial de transpotting, es tan buena que siempre quedará en la mente de nuestra genración adolescente, yo soy del naranjito.

Se convirtió en un icono generacional, gracias a su estilo cuidado y a su aspecto y estilo trepidante, en el que alternaba secuencias adrenalínicas como la de la persecución o la del sueño alucinógeno del bebé colgado del techo. Junto con el ritmo de montaje que también conjugaba congelaciones con una banda sonora rompedora. Esta unión de items potenciaba la película hasta cotas altísimas, todo se junta para hablar de una nueva estética, un nuevo camino por el que transcurrir. No hay que olvidar que un año antes, la comedia británica que triunfaba era “Cuatro bodas y un funeral”. Con esto no quiero decir que Trainspotting sea una comedia al uso, porque no lo es. Tiene sus propias tragedias, como que una madre pierde a su hijo por una dejadez fruto de la dependencia de la droga, o un deportista que cae en la consumición y su vida se destroza hasta la muerte. Aún así, la cinta es tan descarada en su mensaje y en su fin que nos hacer reir con sus absurdas y desternillantes situaciones.

En ese sentido, no permite que las risas nos distraigan del mensaje, que lo disfraza por debajo, pero tampoco permite que la tragedia domine y guie a sus personajes por caminos más éticos para nuestro descanso moral. Danny Boyle, el director, deja libuertad de elección, de libre albedrio, sin censuras, sin perjuicios, ni juicios de valor. Las propias elecciones de los personajes los llevan al abismo más profundo, como el caso de Tommy o a la redención en el caso de Renton. Luego hay otros como Spud, que siguen sin inmutarse en el torrente proceloso de la vida.

El formulismo narrativo nos dice que lo que mal empieza mal acaba, pero no funciona así en esta película que rompe moldes, porque a un personaje que la sociedad aborrecería por vago, por dependiente, por anormal, o por despojo social, en esta película adquiere un carácter humano, se le coje cariño y hasta alguno se alegra de que le vayan bien las cosas, es el caso de Spud. Spud, en los años 50 nunca habría podido ser un personaje reflejado en el cine.

No sólo este personaje está vacio de vida, que por lo general lo están todos en esta película, en cierto modo, hasta el final, Renton no encuentra sus motivaciones reales. Tampoco creo que sean muchas ni muy grandes, pero tan sólo diría que no le gustaba la idea de invernar comatoso delante de una vida inundada por la droga. Uno de los puntos que poca gente conocerá es la intención del título y su imposibilidad de traducción. El asunto es que es un término inglés que denomina la afición de ver pasar los coches, como el anuncio del (giropaaaaaaa...) en España. Esta afición es bastante descriptiva de lo que supone la vida de los personajes. Además hay una escena en la que pretenden hacer algo, dar una caminata hasta unos parajes en medio de la naturaleza, pero su escasa fuerza de voluntad y su eterno odio a los Ingléses, a los que creen sus colonizadores, pues la película se ambienta en Edihmburgo, les hace incapaces de emprender ninguna empresa, con lo que la lógica consecuencia es ponerse a hacer Transpotting.

Al final, el protagonista se encuentra que seguir a la masa es muy fácil, pero se encuentra ante la dualidad de hacer lo que todos hacen o hacer lo que debe.

La película, suscitó un montón de controversia, pues de muchos puntos llegaban críticas que enfatizaban la sensación de que la cinta incitaba al consumo de drogas. Las críticas más fuertes, se produjeron por la escena explícita donde se ve como se clava la jeringa en la vena del brazo y posteriormente hay una sucesión de imágenes a cámara lente, donde se puede ver como desde dentro, la droga se va inoculando en el organismo, todo esto con una música envolvente. Yo pienso que está claro que se quería recalcar la sensación placentera real que experimenta un adicto, no por intentar realzar el mercado de la heroina. La película no la ven menores de 12 o 13 años, con lo que creo que el criterio adulto debe prevalecer.

Sin querer crear polémica, la cinta fue elegida como una de las cinco mejores de toda la historia de la filmografía británica.

Trainspotting, posee una banda sonora muy acorde con el tema y lo que pretende, con autores como: Iggy Pop, Brian Eno, Primal Scream,Lou Reed y más.

Sin duda, hay un ciclo, como un bucle argumental que empieza con el monólogo de la primera escena y recorre toda la película, nos presenta el carácter de una generación que comenzaba a relativizar y conocer mejor los peligros de la droga. con él os dejo.

 

-Renton- “Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige buena salud, colesterol bajo y seguro dental. Elige hipoteca a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver teleconcursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura. Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida… ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?”.

URL: http://es.youtube.com/watch?v=KU0t_0vsaKU

URL_2: http://es.youtube.com/watch?v=WFjIsSFCWH0

CLEOPATRA

He aquí otro título mítico de Hollywood, además se presta para comentarios de todo tipo, dentro y fuera de lo que fue la propia cinta. Costó 35 millones de dólares, cifra que aún teniendo en cuenta la inflación, es una verdadera salvajada para 1963. Fijaos, la producción se prolongó durante cinco largos años, costó la dimisión de un director y del presidente de la Fox, por aquel entonces, el griego Spyros Skouras. El proyecto fue un descalabro y un despropósito desde el principio, estuvo a punto de undir la FOX, Liz Taylor en Europa y Marilyn Monroe en Estados Unidos, atravesaron por problemas de salud, que cuartaron y retrasaron enormemente las producciones que ya no se podían volver atrás por lo desorbitado de los estipendios de las actrices y los elevados presupuestos.

La risa, es que cuando le presentaron el proyecto a Skouras, solo suponía dos millones de dólares, en 1958. Podéis imaginar porqué, esta película logró crear ampollas importantes dentro de la compañía. Es una risa lo de los dos millones, porque en 1960, cuando se empezó a rodar, el caché que exigió la Taylor era de 1 millón de dólares, y… Curiosamente, aceptaron sin más.

Estas decisiones que a la larga se juzgaron perjudiciales, en esa época, eran hasta justificables. Pues si alguna de las actrices que disponía la FOX sería mejor que la Taylor para el papel, que venga ahora y me lo diga. Tampoco fueron pocas las actrices que optaron a el, y por supuesto por menos caché, infinitamente menos. En esto consiste la prestancia de las grandes estrellas, que no solo vale con valer, si no ser conscientes de que se vale. Como si empezase un juego de tira y afloja, Liz Taylor comenzó a armar sin querer la personalidad de la cleopatra que luego abordaría Mankiewicz, en lo que fue la mano de obra definitiva. Sobra decir que Liz Taylor está impresionante en su papel, aunque la crítica de la época hizo una valoración más bien tibia de la película, y defenestró a Burton y a Taylor, el único que se salvó de la quema fue Rex Harrison, hoy en día podemos afirmar que de vez en cuando la crítica especializada es burda y tonta como las masas a las cuales critica.

En 1958 el productor Walter Wanger, presenta el proyecto a Skouras, en aquel momento, ni el poductor sabía que era un proyecto que le ocuparía cinco años, ni que sería el más costoso de la historia, ni que tendría que cambiar por completo al reparto original, ni que se arruinaría el plan de rodar en cinecittá, roma. No sabría que tendría que trasladarse toda la producción a Inglaterra, que Liz Taylor caería gravemente enferma y los periodicos habrían llegado a publicar su deceso, en fin, no sabía muchas cosas. Para resumer, Walter Wanger, era en 1958 un ignorante de todo lo que se le venía encima.

Mamoulian fue el primer director que se puso al frente. Las primeras opciones para el reparto, era Joan Collins como reina de Egipto, pero Wanger quería a toda costa a Liz Taylor y no cejó en su empeño. Para el papel del cesar y de Marco Antonio, se pensó en Lawrence Oliver y Richard Burton, pero Oliver rechazó el papel y el estudio no quería sólo a Burton sin ningún contrapunto, además por aquel entonces ya era vox populi su apego a la botella. La búsqueda continúa. Finalmente se optó por que Peter Finch hiciese el papel de Cesar, y Stephen Boyd, que se dio a conocer por Mesala en Ben-Hur, hicese el rol de Marco Antonio. Este iba a ser el reparto definitivo que iniciaría el rodaje en Roma.

La fatalidad de la producción comienza en Roma, pues las olimpiadas se celebraban en Roma ese año y no le podían garantizar la estancia a todo el equipo ni insonorizar los estudios a tiempo, con lo que en una solución de urgencia, teniendo en cuenta los calendarios de todos los actores principales se optó por un rápido cambio. La producción se desplazaba a Londres, con el gasto que conllevaba y el tiempo perdido, y lo más importante, se habían gastado ya la friolera de unos diez millones de dólares sin haber filmado ni el primer minuto. Skouras, ya se estaba riendo en su despacho del estudio, de aquellos dos millones de dólares.

Bueno, entre papeleo, permisos, montaje, decorados y cosas varias aún se demoró todo unas semanas más. Para más calamidad, se comenzó bien entrado el otoño inglés, pero claro, tenían que simular ropa egipcia, con lo que muchos actores enfermaron y lo más importante, Liz Taylor cae gravemente enferma. Padece meningitis.

Mamoulian, no tuvo más remedio que esperar, pero era algo desesperante, porque la verdad es que solo había grabado diez minutos aprovechables. Pero la situación era insostenible, en Enero, con Liz Tayler aún convaleciente, Mamoulian dimite.

El panorama era desolador, pues llevaban medio año de la producción y 4 meses de rodaje, y prácticamente no había nada. Mankiewicz pide una demora de unas cuantas semanas, un mes, para remodelar el guión. La gente en los estudios no estaba por la labor de perder más tiempo, le dieron unas semanas, no llegó al mes, y hubo de empezar antes de tener el guión acabado. Rodaba de día y de noche trabajaba en el guión. Su trabajo dotó a la película de esas frases tan mordaces característica principal del director. También dotó al guión de orden y coherencia, porque en realidad, además de ser un cineasta, Joseph L. Mankiewicz era un sobresaliente escritor. Estas dotes le valieron la elección para la película, pues no era el candidato ideal para realizar un film épico, según los estudios, fue elegido, porque ya había trabajado con Taylor, eran buenos amigos y necesitaban que ella se recuperase tanto física como anímicamente. Además era un excelente escritor, y el trabajo de producción en referencia al vestuario, escenas coreografiadas, ambientación y más cosas pertinentes a una obra de este calibre ya estaban calculadas desde la época de Mamoulian.

Los actores por problemsa de agenda tuvieron que ser remplazados, con lo que lo grabado anteriormente, no servía de nada, ni siquiera las pruebas de cámara. Como ya se tenía las de Burton y estaba libre lo contrataron para Marco Antonio y le pusieron el contrapunto con Rex Harrison.

Por marzo acaeció una nueva desgracia, porque Taylor volvía a caer enferma de gravedad, el diagnóstico era neumonía. Tenía que ser operada a vida o muerte, de hecho la prensa americana llegó a publicar su deceso. Mientras todo esto pasaba, se decidió volver a Roma, pues era muy complicado recrear el caluroso Egipto en la invernal Inglaterra. Además, no es pertinente que los egipcios al hablar desprendan bao. Todos estos inconvenientes, y las repetidas enfermedades, no sólo de la Taylor si no también del equipo hizo que se acelerara el traslado.

Todo había vuelto al principio, con un año perdido. La gente en los despachos estaba que trinaba, sobre todo para el presidente, el sempiternamente sonriente Skouras. Al final, se le acabó también por borrar la sonrisa. Dimitiría, en su lugar se puso Zanuck al frente de la FOX.

Mankiewicz debía ir contrareloj, también su salud se resentía. Exigía al cuerpo a levantarse a las 6,00 de la mañana y acababa por lo gerneral a la 1,00 o 2,00 de la madrugada. Un día llegó a afirmar que “Cleopatra fue concebida en situación de emergencia, rodada en estado de histeria y terminada con pánico ciego”. De hecho la idea de Mankiewicz, cuando posteriormente se encontró con tantos minutos, fue la de dividir la película en dos estrenos. Uno en el que se habla de la historia de Cesar y otra en la que se habla de Marco Antonio. Había más de seis horas y podían hacer dos de tres horas, eso sí habría que cambiar los finales de cada historia, para darle un poco más de interés y un sentido propio y único a cada una, aunque luego se unan en un conjunto global. Eso significaría gastar un poco más, pero...¿Que suponía uno o dos millones más después de haberse gastado casi cuarenta? Esta propuesta podía colar con el griego, pero con Darryl Zanuck ni de broma. En cuanto vio el metraje de las seis horas, Zanuck hizo un montaje de cuatro horas, que fue el que prevaleció. Nunca sabremos como sería el montaje del gran Mankiewicz.

Tiempo después Zanuck dijo que no podía arriesgarse en la idea del director, pues la FOX, si no resultaba la película después del enorme despilfarro, con esta película se redescubrió lo que era una inversión faraónica, la empresa quedaría en la bancarrota más absoluta, tendría que declararse en suspensión de pagos. No podía ir sin toda la carne en el asador a dos películas, porque si no funcionaba la primera, la segunda sería el metraje adicional más caro de la historia del cine.

Otra de las historias tangenciales a esta película, es que la relación entre Cleopatra y Marco Antonio, no era muy diferente a la que mantenían Richar Burton y Elizabeth Taylor. Los dos casados respectivamente, se enamoraron locamente en Roma, pero era tal la pasión desbordante, que no pudieron ocultarlo y la presa se lanzó como ave carroñera. Salían noticias por todos lados, y de toda naturaleza. La prensa italiana llegó a publicar, que Burton era un simple títere, que la verdadera relación amorosa era entre la estrella y el director, que ya se habían conocido mucho tiempo atrás. En una rueda de prensa multitudinaria, Burton respondió a la prensa preguntando a Mankiewicz, ¿También esta noche tendré que dormir con ella?. Fué un comentario colosal, pero Burton se vió sorprendido por la repuesta del director, que dijo: En realidad, la celestina e incubridora es Taylor, porque Burton y yó nos amamos locamente” después de esto le dió un beso al actor en la boca.

LOS MEJORES DIRECTORES_PARTE_4

CLINT EASTWOOD… CONTINUACIÓN.

Perdonad que los post de directores sean como entregas de novelas policiacas, sé que es un fastidio, pero pido un poco de comprensión porque para mí, escribir en este blog supone un hobbie, y no puedo dedicarle todo el tiempo que quisiese. Como podeis comprobar, estos post son de naturaleza más amplia, con lo que me cuesta un poquito más el dedicarme a ellos. Quise hacerlos casi seguidos, los de Clint Eastwood, pero como vi que no llegaba puse unas cuantas pelis por medio. Además como veo en el contador de visitas, ya sois unos cuantos los que leéis el blog, eso ya es motivación suficiente como para continuar.

Gracias a todos y espero que os continue gustando.

Como iba diciendo en el anterior post, la crítica feroz de Paulin Kael, del “New yorker” causó tanta impresión en Clint Eastwood, que hizo leer el texto entero a un psicoanalista para que le pudiese ayudar. Yo no sé si el psicoanalista le ayudó o no, lo cierto es que a partir de esta época Eastwood tomará las riendas de su destino, emprenderá una cruzada con mayor o menor suerte en pos de cambiar esa imagen e intentar por todos los medios que lo valoren por su talento artístico.

 DETRÁS DE LAS CÁMARAS Y EN LOS DESPACHOS.

Una de las primeras iniciativas sería meter baza en el guión de “Harry, el fuerte”, segunda película de la saga del policia. Como en la primera película, el inspector Callaham, un tipo duro sin demasiados escrúpulos, lucha contra el crimen pero a su manera, y digamos que no era una forma muy limpia de erradicar el crimen. En esta segunda, Callaham se distancia del justiciero rabioso y se diferencia de los criminales con lo que podríamos denominar como un código que va humanizando al personaje. Se lo podía permitir porque él era el alma de la producción, esa aurea de duro le sirvió para conseguir el papel, hasta entonces no le fue mal, pero era hora de cambiar y Harry era la clavija. John Wayne desechó el papel antes de que se lo ofreciesen a Eastwood, luego se arrepintió, pues Harry creó escuela, otras cintas imitarán su estilo, “Arma letal”, aunque ninguna guarde ese toque rebelde como Harry. Luego John Wayne quiso enmendar el roto fabricando ese bodrio de “Brannigan”.

Parece que el paso de tomar las riendas le gustó a Eastwood, había formado anteriormente una sociedad de producción llamada “Malpaso”, seguro que la conoceis porque se conserva hasta nuestros días, aún las películas de Eastwood como “Gran Torino” llevan la factura de esta sociedad de producción. La sociedad viene funcionando desde 1967, vamos que lleva casi 45 años haciendo cine, ahí es nada.

Las cosas empiezan a cambiar, pero aún es reconocido por facha, y tiene fama de misógino y machista a raíz de las pelis de Leone. No era verdad, pero a Eastwood todo esto le encabronaba. No sé si siempre tomó la opción más inteligente, porque cada proyecto que emprendía, era como la reacción o la respuesta a una critica infundada. Por todo ello dije antes que lo que estaba haciendo era emprender una cruzada. Eastwood comenzó proyectos entonces incorporando a sus producciones género femenino, que además cobraba un protagonimo inusitado para el cine de aquella época, por ejemplo: Shirley Maclaine en “Dos mulas y una mujer”, hasta en el título se rebaja Eastwood, o en otra cinta con su amigo Don Siegel, “El seductor” con Geraldine Page, debe escaparse de una cárcel de mujeres, donde ellas dictan sus normas y donde él no se siente seguro. Blanco y en botella. Estoy seguro que por la forma de actuar de Eastwood, si en aquella época lo llamas niño rebotado, no sabría el final de su siguiente película, pero estoy seguro que sabría de que versaría.

En esos años Clint, conocería a Sondra Locke, mujer con la que compartiría trece años de su vida y protagonizaría poco más de una docena de películas.

Vuelve a rodar con Don Siegel su última película juntos, “Fuga de Alcatraz”, donde Clint resume lo que ha sido su lucha en estos últimos años por hacer su trabajo sin condicionaminetos. A partir de esto Eastwood comienza su carrera como director, ya había aprendido la labor de productor invirtiendo y haciendo sus proyectos y dirigió varias escenas de Harry bajo la atenta mirada de Don Siegel, que para él fue un mentor y un amigo.

Paradójicamente, su primer largometraje es “Escalofrio en la noche” en donde vemos a un director alejado de la imagen que sostuvo de actor, y junto a “Primavera en Otoño” podemos apreciar a un Eastwood sentimental, más cercano ya a los “Puentes de Madison”, pero ese mismo año, en 1973 dirige su primer western “Infierno de cobardes”, un poco rústico comparado con lo que haría posteriormente, y muy apegado con el estilo de Leone. Eastwood estaba convencido de que era una fórmula que funcionaría como había funcionado antes. Poco después hace una cinta de espías poco afortunada en taquilla “Licencia para matar”. El hechaba la culpa al departamento de publicidad de la Universal, porque pensaba que también anteriormente en “El seductor”, la productora no apostó todo lo que tenía que apostar por una película atípica que de otra manera se vería condenada al ostracismo. Cansado de todo esto, cuando comienza el proyecto de “El fuera de la ley”, coge los bártulos y se va de la Universal Picture a la Warner BROS. La Warner por aquel momento intentaba ayudar a jóvenes creadores, se arriesgaron mucho por tener a gente creativa y fuerea de lo normal, mirar casos como Stanley Kubrick o Martin Scorsese. Clint Eastwood podría tener más control sobre su trabajo y demostrar sus capacidades. Muestra de ello es esta película, “El fuera de la ley” en la que echa a Philip kaufman después de apenas dos semanas de trabajo. El toma las riendas y el control en las producciones en las que participa. No es la primera vez que pasa esto, ya os comenté en relación a otro post, que Marlon Brando hecho del plató a Stanley Kubrick en “El rostro impenetrable”. Benditos años en los que todo podía pasar. A propósito de esto os recomiendo un libro de cine hecho por Peter Biskind, “Moteros tranquilos, toros salvajes” la generación que cambió Hollywood.

En los siguientes años Eastwood protagonarizaría algunas cintas de calidad más bien pobre, pero la warner quería aprovechar el filón de taquilla que proporcionaba Eastwood, por ejemplo, “Duro de pelar”, repartiendo tortazos con un mono, le valió la segunda recaudación del año en estados unidos solo superado por Superman, quedando delante de apuestas seguras como Rocky II, Alien, o la excepcional película de Michael Cimino, El cazador. Eastwood ya era una estrella, poco importaba ya que hiciese bodrios, la gente pagaba en el cine por ver a Eastwood, por este motivo a Clint no le importó rodar dos años después una especie de secuela de Duro de pelar, “La gran pelea”. Todo esto calmó un poquito a Eastwood que ya se sentía un poco liberado para hacer sus propias cosas.

Con “Bronco Billy” se cierra una carpa y se abre otra, es como un cambio espectacular, aparece un Eastwood renacido de sus cenizas. Se ha puesto en la tesitura el patriotismo americano  post-Vietnam, un patriotismo idealizado y enfermo que no reconoce los valores de la variedad, más aún cuando la raíz de los Estados Unidos de América, es un mezcolanza, igual, es la amalgama de razas más grande del mundo. Eastwood quiso representar la cerrazón del puritanimo americano cuando cambiaron en una escena, una carpa por otra hecha de banderas de los Estados Unidos.

Por esos años, Eastwood emprende un camino que le lleva por títulos más comerciales, que buenas películas en si. A principios de los ochenta, aún andaba por ahí Pauline Kael dando estopa cuanta podía, cierto es que se convirtió en una de las más férreas detractoras del cineasta. Y la verdad, la naturaleza de las películas en las que participaba, más que sumar en su favor, animaban la pluma de la periodista.

Eastwood ya era una estrella interpretativa y llenaba los cines, lo que le faltaba era despegar más en su faceta de director, pero como siempre la libertad en los estudios hay que pagarla, si bien no con dinero, con prestigio y buen hacer. El director se limitó a salir en productos que prometían taquilla, bien para contentar a los estudios y a los productores, y de paso embolsar dinero para producciones más personales. (“Firefox”, “El aventurero de medianoche”, “Impacto súbito” (Otra de la saga Harry Callaham), “El jinete pálido”, “El sargento de hierro”) Como comprobaréis, menos alguna contada excepción son todos títulos más bien menores en su carrera, pero por el contrario, grándes éxitos comerciales.

Llegamos a 1988, año en el que ya podemos decir que despega de forma estelar la carrera del cineasta, pues consigue aunar crítica y público con un proyecto muy personal, la vida de su amigo Charlie Parker “Bird”. Esta es la muestra de un biopic atípico, no muestra la recurrente línea argumental de ascenso a la fama y caida a los infiernos, más bien, mediante la aplicación atemporal que da Eastwood, todo se mezcla en un conjunto de momentos dulces y amargos, casi sin separación entre ellos, como si el fracaso estuviera implicito en la gloria y viceversa.

Como actor, en estos años no brilló tanto pues siguió participando en películas que estéticamente no lograron un estándar merecedor de Eastwood. “La lista negra”, última entrega de Callaham, más bien para olvidar, pues la rabia y la pasión de Harry se estaba consumiendo con el hastío de los años. “El cadillac rosa”, “En la línea de fuego”, “El principiante”. Habría que destacar “Cazador blanco, corazón negro”, en la que interpreta y dirige una especie de biopic no reconocido de John Houston. La verdad que no estaba reconocido por las excentricidades del John, que lógicamente no iba a reconocer. La historia trata de las aficiones enfermizas que rodean en África al director cuando se encuentra grabando la película “La reina de África”, sobre todo la caza de elefantes y rinocerontes. Hoy en día sería una práctica repudiada por la mayoría, pero en el hollywood clásico todo este tipo de actividades exóticas y piezas de caza era común.

REALIZADOR DE CULTO.

Llegamos a 1992, año culmen en la carrera del cineasta, pues estrenaba “Sin Perdón”, western crepuscular que le valió el premio de la academia.

Su extraña búsqueda de la violencia tiene su sentido y su contexto. La violencia es inherente a la sociedad americana, no es por meterme con ningún norteamericano… su historia se escribe a sangre y fuego, desde arrebatar o litigar tierras a naciones europeas hasta su conocida expansión por el Oeste americano, a base de violencia y caza de los pueblos indios. Siguiendo con la guerra de secesión. Está clara la influencia de Sergio Leone en Eastwood. Sergio quería hacer una trilogía, contando la violencia que ha envuelto la historia de Norteamérica. Empezó por “Hasta que llegó su hora” en la que expuso la temática del salvaje Oeste, a la que le siguió “Érase una vez América” que versaba en la violencia que ejercían los gangsters. No pudo completar su trilogía, porque falleció. Eastwood será el aprendiz de esta gran doctrina, que pocos directores en Norteamérica se planteaban exponer. Nadie expondría la brutalidad de Hackman como Scheriff y esa sed de venganza del personaje de Eastwood, digo desde el punto de vista de vendeta, no de justicia armónica. Eastwood desea vengarse, pero no sólo por saciar su sed de justicia, si no que en el proceso experimenta un goce con ello, lo que llega a cargar al personaje con una carga de sadismo que en ninguna otra película del género anteriorment se había visto.

Quizás, otro director que representaba esa vena anti-maniqueo del western era Kevin Costner, que curiosamente había ganado el premio de la academia el año anterior por “Bailando con lobos”, también otro western crepuscular. Otro dato más curioso aún es que los dos directores coincidieron al año siguiente a las órdenes de Eastwood, Costner actuó en “Un mundo perfecto”.

Otro modelo interesante de interpretar la violencia en un mundo que creemos perfecto, un mundo en que creemos realizarnos, que anelamos, que sufrimos, esperamos, amamos. Un mundo de cuentas pendientes, de familias rotas, de criminales sin infancia y niños sin padres, de hombres que buscan su última fuga y niños que anhelan su primera aventura, que buscan un padre aunque sea un convicto acusado de asesinato. Si bien el flashback nos sugiere que es fútil buscar este mundo perfecto, nos intenta explicar que la violencia se presenta inexorable en nuestra vida, no cabe más que aceptarla y seguir caminando, porque cuando nos revelamos ante esa violencia, en un mundo perfecto en teoría, cuando nos redimimos, obtenemos el pago de Costner, la violencia. Es la realidad que subyace, no podemos escapar. Costner era un criminal, en el mundo de los demás. Su mundo, en el que era redimido como padre y como hijo, no era más que el verdadero paréntesis entre violencia y violencia, un mundo aparte, un mundo perfecto.

En 1995 Eastwood realiza una película atípica en él, de género romántico, “Los puentes de Madison”, no nos equivoquemos, es 100% Clint Eastwood, pero en ella se hace metáforas de sus temas más profundos. Establece un paralelismo entre él y como él Meryll Streep, y otra de las señoras que es vilipendiada por el pueblo mediante chismorreos, de tal manera que los criterios de la mayoría se convierten en un mal que hay que extirpar, que a la gente hay que juzgarla en todo su valor, no en sus defectos. Digamos que es un pequeño regalito para Pauline Kael.

La violencia es un tema que sigue persistiendo, la violencia que crean los perjuicios, que nos envilecen, o nos acobardan para dar razón de nuestro verdadero amor. De nuevo hace esa diferenciación de un mundo perfecto más íntimo, más en el subconsciente de los protagonista, porque como se ve, en el consciente si que tienen en cuenta los mismos perjuicios que el resto del mundo. Creo que con esta película se congració completamente con el público, pues daba a entender que era un verdadero orfebre, no necesitaba escenificar todos esos recursos de los que le acusaban, además en los últimos años se Viene apreciando en él, en la faceta de actor, su mejoría, su presencia y su manera tan orgánica de actuar, sin florituras ni adornos estúpidos, siempre en su medida justa.

Diez años después de “Sin perdón”, llega “Mystic River” con la que forma un trilogía con “Un mundo perfecto”, pero esta “Mystic River”, es más oscura si cabe, pues la violencia es implacable, se ceba en los amigos de la infancia. Uno de ellos, Dave, es violado por un hombre vestido de policía. A otro le asesinan a la hija y todos los indicios nos llevan a que Dave la mató, pero no. Sean Penn mata a Tim Robbins y comete doble injusticia.

Million Dollar Baby, que ganó cuatro estatuillas, no pasó por ser la película más espectacular del 2oo4, pero la sobriedad con la que fue dirigida, y el tratamiento redentor que aplicó a sus tres personajes, sin ser maniquista y presentando una realidad dura. Porque al final, aunque el violento destino se cerniese sobre esta mujer, había vivido amando y haciendo lo que quería.

Luego vendría  “Banderas de nuestros padres” y “Cartas desde Iwo jima”, vista la desesperanza de la segunda guerra mundial, tanto por parte de los norteamericanos como los Nipones. La violencia es algo que nos exhorta, que nos mueve desde afuera, nos fuerza a hacer cosas o haciones que no nos gusta. Así, los soldados norteamericanos sienten la violencia de suplantar a sus malogrados compañeros para poner en funcionamiento la maquinaria propagandística y política de Estados Unidos. En Cartas desde Iwo Jima, deja entrever la alienación de la violencia como agente externo, pero dota a los personajes de la libertad necesaria para que en determinados momento sean libres para elegir entre ejercerla o no. Es decir, el honor exigia a los soldados que a pesar de quedar aislados sin refuerzos, pereciesen defendiendo la isla. El general Kuribayashi, en un último acto salva al soldado Saigo, como símbolo de derrota de la violencia.

Hasta aquí llego, porque “Gran Torino”, “El intercambio”, “Invictus” son películas con muy poco recorrido aún y hay que dejarlas asentar. Para los fans de Clint Eastwood, os voy a dar un dato, sobre su próxima pelícual “Hereafter”,(está en producción en este 2010  y aún está  pendiente de título en español, apuntádlo en la agenda todos aquellos fans de Eastwood, según mis fuentes será estrenada en Estados Unidos a finales del mes que viene y en España tendremos que esperar hasta enero del 2011).

Versará de tres personas que han tenido que ver con la muerte, un en un Tsunami, otra una drogodependiente que pierde a un hijo y el último será un medium.